10 BARROCO – HISTORIA DEL ARTE – PINTURA BARROCA EN ITALIA
LOS CARRACCI - CARAVAGGIO Y OTROS - GUADAHUMI3
20 de
noviembre 2018
27 de
noviembre 2018
Hubo dos grandes movimientos italianos muy importantes pues
fueron claves para entender la pintura española, sobre todo el movimiento
tenebrista de Caravaggiom, muchas veces se dijo que el caravagismo había
llegado a España pero con el filtro de Ribera el Españoleto, por lo que es un
caravagismo un poco distinto. Velázquez es tenebrista con el concepto de la luz.
CARACTERÍSTICAS:
1.CANSANCIO DE LOS MODELOS MANIERISTAS
En la pintura hay unas características que intentarían
romper con el manierismo cien por cien y a partir de 1580, los artistas
decidieron terminar con esas formas que disvirtuaban la pintura, disvirtuando
las formas al hacerlas totalmente desiquilibradas como la de Parmigianino.
MADONNA E CUELLO LARGO
de Mazzola Parmigianino
En esta pintura básicamente no se respetaba nada de lo que
se había hecho anteriormente, el manierismo fue un movimiento que se olvidaría,
pero teniendo en cuenta que los artistas partieron desde ese movimiento como
muchos de ellos, el caso de Caravaggio iba a tener una formación previa y breve
desde el punto de vista manierista.
El cansancio del mundo manierista hizo hacer pinturas que
estuvieran en consonancia con el concepto postridentino, Concilio de Trento, la
contrarreforma.
2.JUNTOS IMAGEN Y LENGUAJE
HUIDA A EGIPTO – Annibale-Carracci - Doria-Pamphili
El lenguaje tenía que ser un lenguaje que impacte y
entienda en espectador, esta noción de la Huida a Egipto es sencilla y recoge a
la Sagrada Familia cuando se van para Egipto en su borriquito.
En el caso de Annibal Carracci y la familia van a partir de
la realidad pero dando un toque clasicista que no daría Caravaggio.
Tenía que ser un lenguaje directo que daría mucho que
hablar en Roma, porque había artistas como era el caso de Remi que era un
mensaje muy directo, y otros casos como los artistas caravagistas que tomaban
parte del mundo de Caravaggio pero un poco dulcificado.
Crucifixión de San Pedro - Guido Reni
Caravaggio sin embargo,
hacía lo que quería sin importarle lo que la gente decía, porque el
hacia sus pinturas y si eran aceptadas bien y si no lo eran hacía otra versión.
De Caravaggio se han perdido muchísimas obras,
probablemente hiciera una gran producción, sus obran tenían que ser
conmovedoras, efectivas, llamar la
atención y sí de vez en cuando pintaba algo más cruel no pasaba nada, pero no
se podía poner imágenes demasiado cruentas porque el fiel se asustaba.
Orazio Borgianini – David y Goliat (1607) Real Academia de
San Fernando
Orazio Borgiani fue heredero de la pintura caravagista,
pero no tenía nada que ver con Caravaggio.
El concepto cambia cuando muere Caravaggio en 1610 muere
también su pintura, el tenía una serie de personas que siguieron su estela pero
según pasa el tiempo su pintura desaparece.
3.Predomina el color sobre el dibujo.
Predomina el color sobre el dibujo, mientras que en el
clasicismo renacentista predominaba el dibujo sobre el color, por lo que se
encuentran pinturas en las que domina el color.
DIÓGENES - Benedetto Castiglione (Museo del Prado)
En esta obra de Castiglione se observa como el color dio
dinamismo y un efecto mucho más teatral y en este caso las imágenes que se
suelen usar son religiosas, mitológicas y los retratos.
4.DINAMISMO, IMPACTO Y MOVIMIENTO
Las pinturas tenían que tener dinamismo, pues para
clasicismo ya tenían las pinturas de Rafael, Massaccio o Botticchelli, y por lo
tanto la historia iba a a cambiar, pues la sociedad ya había cambiado y el
concepto de pensamiento también, por lo tanto una pintura tenía que ser
impactante y el impacto iba unido lógicamente al movimiento.
TRIUNFO DE LA DIVINA SABIDURÍA - Andrea Sacchi (1629-1633)
Palazzo Barberini
Con esas características se pintaron imágenes como esta,
aunque esta no era la más dinámica, estas imágenes recuerdan al barroco
decorativo de las grandes iglesias, grandes cúpulas, y bóvedas que iniciaron
con Miguel Ángel pero que se verían influenciados los Carracci.
Como se puede observar les gustaba mucho el tema de las
alegorías, entre ellas el amor de Dios, de la luna, el sol, los grandes
carruajes de los dioses, las victorias, porque eran mensajes efectivos, muy
grandielocuentes, mensajes que gustaban sobre todo a le élite, pues un campesino
no podía pedir ningún tipo de imágenes ni como estas ni más sencillas.
5.CONTRASTE LUMINOSO
La Historia el Arte era la historia de la élite y eso se
reflejaba en la pintura, esa una tendencia, el estudio de la historiografía y
no tanto de la sociedad aunque es a través de ella como se conocen muchas cosas
de la historia del arte.
EL SUEÑO DE NARCISO - POUSSIN - EL Louvre
La imagen tiene que ser luminosa, fuerte, impactante y
Poussin mostró color, luz, temas claros, pues si el artista no es tenebrista
tendía al color y a la luminosidad, pero si se era caravagista no, pues el
concepto efectivo se hacía desde otro punto de vista.
6.TEMAS
RELIGIOSOS
SAN JUAN BAUTISTA REPRENDE A HERODES – Matia Pretti
(1660) Museo Bellas
Artes de Sevilla
Los temas eran temas religiosos ya que era primordial y en
Italia la religión primaba mucho, pero no era tan importante como en España que
predominaba en un noventa por ciento de la pintura que había era religiosa.
MITOLÓGICOS
EL TOCADOR DE VENUS – Francesco Albani (1945-1940) – Museo
del Prado
Sin embargo, en
Italia también se hacían pinturas mitológicas, pues los italianos eran personas
que en su mundo tenían muy presente el mundo romano pues ellos se consideraban
sus herederos, tanto es así que entre romano, gótico y renacimiento no hubo una
gran ruptura en la arquitectura, y como herederos generalmente hacían ese tipo
de pinturas mitológicas las veían muy normal.
En España solo se veían normal en ciertos momentos, pero en
otros sectores no la veían normal al tener una inquisición muy potente y
enquistada que a la mínima saltaba con aquellos que pensaban que debían
hacerlo, no lo hacían con aquellos que seguían sus normas, pero si tenían
dinero como Olivares, Lerma, Felipe IV, conde de Madrid etc. que se saltaban
las normas habían podían se sido objeto de grandes autos de fe, pero a ellos no
les pasaba nada, a pobres por menos se lo hubieran hecho y terminado de una
manera bastante distinta.
RETRATOS
INOCENCIO X (1650) - Diego Velézquez - Galería Doria
Pamphili – Roma
Uno de los retrato más importante de la Historia del Arte
italiano es el de Inocencio X, realizado por Velázquez que era un artista
español pero que parte de su producción también está en Italia, porque la hizo
allí, por lo que en ocasiones a Velázquez le consideran un poco italiano, sobre
todo por este tipo de obras.
Velázquez estuvo en Italia varias veces una desde 1629
hasta 1631 que fue un momento importante por el bautizo de Baltasar Carlos,
también estuvo en la década de los 40 a
los 50 y en esa primera parte de la década Velázquez fue como alumno y becado
por la monarquía hispánica para que estudiara, observara, en la segunda vez fue
como comitente de Obras de Arte le pagaron para que fuera a captar obras y artistas,
a lo largo de esos veinte años Velázquez
se convirtió en pintor.
BODEGONES
LA COCINERA (1620) –
Bernardo Strozzi -Pl. Rosso – Génova
Bernardo Strozzi fue discípulo de Murillo.
En el mundo del bodegón se encuentran muchos autores y se
daría por toda Europa y en España mucho y muy buenos bodegones como los de
Zurbarán al que llamaban “el divino” por
esos bodegones con concepto místico.
MUJERES PINTORAS
BODEGÓN DE CLARA PETTERS
Clara Peeters nació en Amberes en 1594 muriendo en la Haya
en 1657 fue una pintora flamenca considerada una de las iniciadoras del bodegón
o naturaleza muerta en los Países Bajos.
Una de las grandes pintoras olvidadas y puesta en valor fue
Clara Peeters, que hace poco se la puso en valor en una exposición en el Museo
del Prado, fue una mujer que trabajó para Felipe II.
Por ser un mundo machista pocas mujeres se han dado a conocer
al mundo del art, un pequeño ejemplo serían las nombras.
Susana y los viejos - Artemisia Gentileschi (primer trabajo
1610)
Artemisia Gentileschi, la hija de Gentileschi que era un
caravagista y hija se quejaba del machismo que había en el seno del mundo del
arte desde el punto de vista de la pintura que no se les ha dado ningún tipo de
interés.
Ella pintaba porque estaba muy enfadada por que la habían
violado y pintar era el resultado para poder descargar toda esa tensión
acumulada en su interior y que por eso hacía esas figuras tan fuertes y que en
ocasiones pintaba hombres a los que mataba.
BODEGONES IMPRESIONISTAS - Pauline Morisot
Marie Pauline Morisot nació en Bourges el14 de enero de
1841 muriendo den París el 2 de marzo de 1895, fue una pintora francesa, fundadora y figura
clave del movimiento impresionista y en ese s-XIX seguiría la estela de Renoir,
Manet, Monet, etc.
PAISAJE
Sobre el paisaje casi no hay nada y son imágenes sin apenas
escena apareciendo grutas, bosques, sin ningún tipo de sentido usados
simplemente para decoración y vistas sobre todo en el mundo de Flandes.
Paisaje campestre Barroco – del holandés Philip de Koninck
(1619-1988)
Paisaje Fluvial Barroco del holandés Philip de Koninck
(1619-1988)
Había una gran diferencia entre la contrarreforma del sur y del norte, llegando a límites de toda la sociedad, ella contrarreforma ocurría es que limitaban a quien había que rezar y a quien no, enseñaban que santos podían ser buenos y cuales no y había un santo que tuvo una importancia muy grande en la época de la Edad Media que era San Nicolás de Bari que fue Papa y hablaban de él como un santo de niños porque había ayudado en numerosos milagros a varios niños, ayuda económicamente a mujeres que iban a acabar en la prostitución para que pudieran pagar su dote, etc. y era el santo de los niños y cada 6 de diciembre este hombre repartía regalos.
Esta historia comenzó en la Edad Media y continuaría hasta el infinito.
San Nicolás de Bari en la época de la contrarreforma de ningunearon, pero los países del Norte como Flandes siguieron con esa tradición y ellos tenían a San Nicolás como una de las personas que daban regalos, y la contrarreforma dijo que la figura de San Nicolás no valía que ya que sí valía era la del Niño Jesús que sería el que repartiera los regalos y lo hacía acompañado de un ser monstruoso para asustar, para tener ese concepto de dar miedo si se portaban mal los niños no recibirían regalos, pues el concepto de los Reyes Magos aún no había llegado.
En el Norte ese ser monstruoso que acompañaba al niño Jesús que era mitad cabra y mitad demonio, daba latigazos, secuestraba a los niños, era parecido al Krampus una especie de demonio que secuestraba niños y era el anti San Nicolás, todo eso se formó en esa época y en el norte con Santa Claus y en el sur no se aceptó y cuando en el s-XVII – XVIII los holandeses emigraron al norte de América se llevaron la costumbre de Santa Claus que al igual del Halloween son costumbres europeas.
DOS TENDENCIAS ITALIANAS S-XVII
- Ambas parten de su posición manierista
- Ambas buscan lo natural y sencillo
- Búsqueda de la realidad, sin adornos
- Ambas se juntan en Roma
Las dos tendencias que se iban a crear en el s-XVII en
Italia.
Por una parte, estaba el clasicismo de los Carracci y por
otra parte el tenebrismo de Caravaggio, pero la meta es la misma, era apartarse
del manierismo a partir de 1580, se buscaba lo natural y lo sencillo, ambos
tanto los Carracci como los Caravaggio buscaban la realidad, pero cada uno la
buscaba de una manera distinta.
Para los Carracci la realidad podía estar un poco
edulcorada con ciertos elementos que la hacían más simpática, pero para
Caravaggio la realidad era la realidad y se plasmaba tal cual, sin ningún tipo
de límites.
Eran dos corrientes que se juntarían en Roma en torno a
1592 – 1595 conviviendo ambos, por lo tanto, eran dos tendencias que iban a ser
muy importantes.
Los Carracci trabajarían los tres sobre todo en Bolonia,
los tres eran familia
LOS CARRACCI
Ludovico era mayor y el primo, y el hermano Agostino intermedio
y el más importante de los tres sería el hermano Annibale, eran dos hermanos y
un primo, y crearon una academia que se conocía primero con la Academia del
Natural y después como la Academia de los Encaminados, que se tomaría en el
mundo como referencia.
Ellos trabajarían en Bolonia y cada uno tenía una función,
mientras que Ludovico era la persona que se encargaba de la dirección y la
administración de la Academia, Agostino se encargaba de la parte teórica era el
profesor, y el práctico era el artista que era Annibal Carrracci, tanto
Ludovico como Agostino eran muy buenos en pintura, pero Annibal dio un paso
más.
Agostino pintaba pero era un gran grabador y hacía estampas
que le sirvieron para darse a conocer en el extranjero, ellos tuvieron muchos
discípulos como su gran discípulo Albani y trabajaron en Bolonia y las fuentes
dicen que era una academia muy exigente, hasta el punto que los alumnos comían
mientras trabajaban.
CARACTERÍSTICAS
- Herencia de algunos principios del Retrato
- Belleza más idealizada, aunque no por ello no se fijan en
la realidad
- Pintura dinámica
- Pintura serena
- Cierto dinamismo, aunque por lo general son pinturas
equilibradas.
LOS CARRACCI SENCILLOS
Los Carracci harían una pintura muy sencilla en la que
predominaría con características del Renacimiento.
Pinturas con características renacentistas
Predomina la característica renacentistas, idealizado,
pintura serena, con dinamismo aunque generalmente eran pinturas bastante
equilibradas. Los Carracci eran pintores sencillos, tomarían el dibujo de
Rafael, las formas de Miguel Ángel, la perspectiva de Correggio y el color de
los venecianos.
Su pintura era una mezcla de todos esos artistas que darían
lugar a la pintura de los Carracci.
LA ANUNCIACIÓN –
Ludovico Carracci
Era un tema muy
importante en España y que se representaría en muchisimas ocasiones, y por lo
tanto también se representaba muchas veces en Italia. Se observa que son formas
que se han reproducido con anterioridad, sencillez, profundidad, perspectiva.
Según avanza el
tiempo siguen produciendo obras.
LA ANUNCIACIÓN –
Agostino Carracci
La asunción de la
Virgen - Ludovico Carracci
LA ASUNCIÓN DE LA
VIRGEN de Annibale Carracci – Museo Prado
Annibale es el gran pintor y se puede observar ese concepto
de realidad, pero divina, ellos partían de la realidad del mundo en que vivían,
por eso la imagen en la Asunción de la Virgen esté representada a través de
doce apóstoles y se pueda ver como a través de las distintas posiciones,
contrapostos, así como giros violentos están intentando mirar ese
acontecimiento tan importante como es la Ascensión a los cielos.
Esta es la obra más importante de Annibale, y todas las
obras posteriores serán obras frías al ser un teórico.
Ludovico Carracci es un pintor con formas muy repetitivas y
el más importante de todos es Annibale que dará dinamismo, color, forma, va a
dar Barroco, como se observa en la imagen de la Asunción como lo había hecho su
hermano Ludovico pero tratada de una forma mucho más barroca a través de la
Virgen en la Nube que voló directamente observando claramente ese movimiento,
ese escorzo recuerda claramente a los altares que hacía Tiziano, con todos los
Apostóles están alrededor de ese pozo con distintas posturas formando esas
grandes obras dinámicas del barroco italiano. Además representó templos griegos
con un paisaje nebuloso y azulado recordando en cierta medida a Leonardo, por
lo tanto ellos siguen en ese sentido con las características renacentistas.
LA CARNICERIA - Annibal Carracci
Se podía ver a Carracci como un pintor clasicista pero en
realidad ellos eran pintores de la realidad, tanto Caravaggio como los Carracci.
La realidad de los Carracci no era una realidad pura era
una realidad adornada, sin embargo en momentos muy determinados Annibale
Carracci iba a realizar pinturas que llamarían mucho la atención, como puede
ser la crudeza o la realidad de una carnicería, con las piezas colgadas, el
carnicero trabajando, los famosos soldados mayores sin la potencia de un
soldado joven, en ese concepto de burla que se hacía de los personajes de esa
época y que como era normal en la época esa pintura no gustó.
Como los pintores eran generalmente personas que tenían que
cobrar, los más osados como Borromini o Caravaggio no lo admitían y sus
pinturas no tenían éxito, o la arquitectura
no era lo que les pedían, sin embargo, seguían produciendo pues alguien de vez en cuando les entendían.
En Annibal Carracci no se encontraba una pintura a lo
Tiziano con el concepto de escultura clásica tomando como modelo las
arquitecturas clásicas o tomando como modelo la figura de Tiziano, Tintoreto,
etc. paisajes que son paisaje muy profundos pues iría tomando cada vez más
importancia en la pintura de los Carracci porque se desarrollaría totalmente
toda la escena.
CRISTO Y LA SAMARITANA – Annibale Carracci – Milán
Es una imagen puramente clásica tomada del mundo romano y
griego.
En 1595 Annibal Carracci viajó a Roma dos años después que
Caravaggio, y trabajó para los Farnese para Edoardo que era una persona muy
importante, trabajo en el Camerino.
En este Camerino hizo la obra de Hércules, de esta obra
hubo varias versiones una de ellas sería un freso y otra sería un lienzo.
DETALLE HÉRCULES -
EL CAMERINO – Annibal Carresse – Palacio Farnese
Solo por el nombre ya recuerda al título clásico, Hércules
está en el centro queriendo dar una simetría, con una figura básicamente miguelangesca
con modificaciones y a ambos lados recuerda muy levemente por ejemplo a la
pintura de Botticcelli con sus alegorías Flora, etc. hay muchos guiños a
Botticcelli no solo en la forma sino en
los vestidos, y muchas referencias al mundo clásico, las máscaras, recuerda a
Miguel Ángel en la musculatura, por lo tanto están muy presentes esos pintores
en la pintura de los Carracci, Rafael, Miguel Ángel, Correggio, Tiziano.
TRIUNFO DE BACO Y ARIADNA - Annibal Carresse - Palacio
Farnesio
Solo por el nombre ya recuerda al título clásico, Hércules
está en el centro queriendo dar una simetría, con una figura básicamente miguelangesca
con modificaciones y a ambos lados recuerda muy levemente por ejemplo a la
pintura de Botticcelli con sus alegorías Flora, etc. hay muchos guiños a
Botticcelli no solo en la forma sino en
los vestidos, y muchas referencias al mundo clásico, las máscaras, recuerda a
Miguel Ángel en la musculatura, por lo tanto están muy presentes esos pintores
en la pintura de los Carracci, Rafael, Miguel Ángel, Correggio, Tiziano.
TRIUNFO DE BACO Y ARIADNA - Annibal Carresse - Palacio
Farnesio
Esta obra sería como la Capilla Sixtina del Barroco
haciéndose muchos años después y el concepto era distinto porque esta capilla
terminará siendo el comienzo del barroco de ilusión, teatral, de las capillas
que se hacen al fresco.
Había dos características, por una parte la cuadratura y
por otra parte los cuadros transportados, la cuadratura es a través de la
pintura al fresco, a través de las capas de cal con los problemas que también
tenía Miguel Ángel crear una capilla que a través de las formas arquitectónicas
diera la sensación de que se estaba saliendo de la capilla por una ventana al
cielo, por lo tanto se aumenta la perspectiva.
Annibale utilizaría los cuadros transportados que era
imitar los lienzos a través del fresco, como si fuera un lienzo con su marco,
este modelo lo tomó de Miguel Ángel copiando los músculos, de modo que Miguel
Ángel formaba parte de esa obra.
TRIUNFO DE BACO Y ARIADNA - Annibal Carresse - Palacio
Farnesio
Baco y Ariadna era la escena más importante, en cualquier
escena que aparezca un carro tirado por seres mitológicos grego-romanos, como
faunos, etc. se estaba haciendo referencia a una imagen barroca sin duda,
porque los grandes cortejos, grandes festividades, grandes entradas triunfales
era dinámicas, teatrales, había música, movimiento, daba lugar a hacer
escorzos, da lugar a pintar músculos, da lugar a hacer desnudos, que de otra
manera era mucho más difícil hacerlos.
En esta noción esta Ariadna, Baco, faunos, referencia a
Miguel Ángel y Brunellescci en los cuerpos, Miguel Ángel en la Capilla Sixtina
trabajó para crear cuerpos, pero Annibal Carresse trabaja para crear un mensaje
de amor que es al fin y al cabo una obra dedicada al amor entra Baco y la
alegoría al amor de Ariadna.
Se volvía a pintar los angelitos que no desaparecieron
desde la época renacentista, sin embargo los angelitos adoptan movimiento dando
dinamismo a la imagen y en ocasiones aparecen de repente como si cayesen del
cielo, en el renacimiento eso no ocurría eran apacibles que parecían que
estaban quietos y estaban fijos.
El hombre de espaldas sentado a la izquierda es claramente
un guiño a Miguel Ángel, por lo tanto muchos décadas después tras la muerte de
Miguel Ángel seguía presente por la gran importancia que tuvo Miguel Ángel en
su época que a día de hoy es un artista muy importante pero que en el s-XVII
también lo era.
HUIDA A EGIPTO – Annibale Carresse
En esta imagen es más importante el paisaje que la escena a
la que envuelve, pues ya de por sí la Sagrada Familia es pequeña, podría haber
pintados otros personajes, el mensaje es directo, sencillo, barroco, y lo más importante es el paisaje, jugando
con los árboles y la frondosidad del terreno.
Los paisajes barrocos solían ser grandes dominando
toda la escena y en muchas ocasiones
eran paisajes salvajes que nada tenían que ver con los jardines que estaban
haciendo en esa época, eran jardines con parterre, muy modificados.
Este cuadro se hizo porque había un mensaje de fondo la
Sagrada Familia, pues eran muy importante la imagen de María, José y Jesús,
pues todos juntos forman un núcleo, pues ese niño sería defendido por la
contrarreforma y esa familia sería el modelo, la familia modelo.
En 1630 todo esto estallaría, pues a partir de esa fecha
Caravaggio estaba agotado durando unos veinte años más, hasta su muerte en
1610, y al acabarse el caravagismo el clasicismo volvió.
CLASICISTAS
- Il Dominichino
- F. Albani
- G. Reni
- Il Guercino
El clasicismo dominaría la escena, y la pintura italiana
estaría.
F. Albani y Domenichino trabajaron con Annibale Carrecce en
la Capilla Farnesio en la Alegoría de los amantes, y como en la Capilla Sixtina
como no tenía discípulos había pinturas de épocas anteriores, pero en el caso de
los Carracci como tenían discípulos les daban trabajos.
Domenico Zampieri, más conocido como Domenichino
Nacido en Bolonia, hijo de un zapatero, fue en sus inicios
aprendiz de Denys Calvaert. Pronto le dejaría para trabajar en la Accademia
degli Incamminati de los hermanos Carracci.
LA DAMA DEL UNICORNIO - Zamperi - Domenichino - Pl.Farnesio
- Roma
Esta pintura es una imagen simpática que está en la Capilla
Farnesio, es sencilla, alegre, bonita, con paisaje y sobre todo se observa una
dulzura en el rostro, así era la pintura que dominaría la Capilla de los
Farnesio.
A medida que iba pasando el tiempo los artistas iban
evolucionando y Domenichino tiempo
después jugaría un poco más con las formas barrocas.
LA CARIDAD DE SANTA CECILIA - Domenico Zampieri -Roma
La caridad es una obra que juega con el espectador con la
perspectiva, la ruptura de planos, se observa como el muro rompe el plano.
El primer plano las personas están cada una con un gesto
distinto, con una manera y una posición distinta para dar dinamismo.
Esto sería como se iba evolucionando e imponiendo el
clasicismo.
Francesco Albani, llamado El Albano, nació en Bolonia, 17 de agosto de 1578, y
murió el 4 de octubre de 1660, fue un pintor italiano del clasicismo
romano-boloñés. Discípulo de Agostino Carracci, instaló su taller en Bolonia,
siendo difícil determinar con precisión qué cuadros de los que llevan su firma
son suyos o de sus discípulos.
LA SAGRADA FAMILIA - Francesco Albani
Albani era muy simpático y hacia las cosas muy sencillas,
era ese artista de la contrarrefomra, su Sagrada Familia era simpática, con
angelitos, se observa la representación de San José, la Virgen, el Niño y
Juanito. Estas imágenes tienen poca explicación, solo estaban hechas para ver y
disfrutar.
Guido Reni nació en Bolonia el 4 de noviembre de 1575 y murió en Bolonia el 18 de agosto de 1642, fue un pintor
italiano perteneciente a la Escuela Boloñesa y famoso del clasicismo
romano-boloñés.
Guido Reni, Crucifixión de San Pedro
Reni sería un artista que tuvo un encontronazo porque daba
paso al caravagismo, y era un artista clásico en el cuerpo, en el músculo, en
el triángulo, sin embargo la luz tenía un componente que no tenían otros
artistas de esa época.
LA AURORA – Guido Reni
Reni fue un gran trabajador en el mundo del fresco haciendo
ese tipo de Auroras ubicado Palazzo Pallavicini-Rospigliosi.
Atalanta e Hipómenes - Guido Reni
Esta obra de Reni está en el Museo del Prado es una mezcla
entre clasicismo y caravagismo daría obras con universos muy personales, en
este caso el universo de Reni.
Giovan (Giovanni) Francesco Barbieri nació en Cento el 8 de febrero de 1591 y murió en Bolonia
el 9 de diciembre de 1666, más conocido
con el apodo Guercino o Il Guercino, fue un pintor barroco italiano. Es un
representante del periodo de transición del clasicismo romano-boloñés al
barroco pleno. Padecía estrabismo, de ahí su sobrenombre (guercino es el
diminutivo de guercio, bizco en italiano).
EL BAÑO DE DIANA – GIOVANNI BARBIERI
Los cuerpos femeninos recuerdan a las tres Gracias de
Rubens porque en esos momentos ya estaba produciendo y Barbieri como
diplomático de Isabel Clara Eugenia de Austria y tuvo que visitar diferentes lugares de Europa entre ellos
España y le gustaron las imágenes de esas mujeres tan características fe Rubens
y el paisaje es claramente de los Carracci.
LA AURORA DE BARBIERI
En esta noción de la Aurora se observa ese concepto de
capilla que se abre jugando un papel importante la perspectiva y la óptica
llenado a un momento muy importante, dándola sensación de que no hay techo,
todo esto comenzó con Miguel Ángel lo fueron adaptando los Carracci.
NATURALISMO TENEBRISMO
1. Búsqueda de lo Cotidiano y Real
Era un mensaje muy sencillo con una imagen muy clara que las
características se ven claramente, al ver una obra tenebrista se ve claramente
que está tomado de la realidad, además de ser conocida como pintura tenebrista,
se la conoce como pintura de la realidad, pero cada pintor tenía realidad
distinta, cada uno la suya, y el caravagismo no iba a ir más allá de
Caravaggio, pues era él con su vida y sus circunstancias, Velázquez era él con su
vida y sus circunstancias y Ribera era él con vida y sus circunstancias.
Por lo tanto cada caravagista era distinto, pero para fue
Caravaggio quien lo inició, también hubo otros muchos artistas que jugaron con
la luz, si embargo el padre del tenebrismo fue Caravaggio.
Michelangelo Merisi da Caravaggio en Milán el 29 de
septiembre de 1571, murió en Porto Ércole el 18 de julio de 1610, fue un pintor
italiano activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia entre 1593 y 1610.
2- LA LUZ Y LA SOMBRA LAS GRANDES PROTAGONISTAS
La luz y la sombra fueron las grandes protagonistas
SANTO ENTIERRO – Caravaggio
La luz y la sombra y la realidad eran las protagonistas,
para los Carracci, la realidad no era el
fin de la obra, porque lo adornaban, pero para Caravaggio la realidad era el
fin, es decir, interpretar la realidad
era el fin de la obra y esa era la diferencia entre uno y otro.
3.MOVIMIENTO, DESEQUILIBRIO, RUPTURA DE LAS FORMAS SERENAS
La luz, la sombra, el impacto, y el lienzo iban acompañados
de movimiento, equilibrio que eran elementos que no gustaban nada en esa época.
Caracaggio era una persona que no tenía nada de clásico,
era el anti clasicismo, y por lo tanto fue denostado por muchísimas otros
artistas y otros comitentes.
Se llamaba Michelangelo Merisi pero universalmente conocido
como Caravaggio por haber nacido en una villa con ese nombre y eran los apodos
que se solían poner, sin embargo, las últimas tendencias historiográficas dicen
que nació en Milán.
MILÁN
Tuvo una formación dura básicamente en pintura por su
profesor manierista, pero tuvo que rehacerse a sí mismo, y cuando un pintor
quería ser famoso tenía que ir a Roma.
Una vez en el Vaticano entró en contacto con el caballero
Arpino que era un noblecillo venido a menos, un pintor de obras muy
pequeñas, y cuando Caravaggio comenzó
era muy difícil que llegase rápidamente al éxito sino tenía una persona a su
lado que le ayudara con contactos, y al ir acompañado del Caballero Arpino que
sobre todo era pintor de bodegones que una vez ahí se encasilló y solo podían
vender para decorar casas de nobles pero no de los que ellos querían, entonces
Caravaggio decidió trabajr de una manera diferente e pintó grandes bodegones.
BODEGÓN - CESTA DE FRUTA - Caravaggio
Tuvo una formación dura básicamente en pintura por su
profesor manierista, pero tuvo que rehacerse a sí mismo, y cuando un pintor
quería ser famoso tenía que ir a Roma.
Una vez en el Vaticano entró en contacto con el caballero
Arpino que era un noblecillo venido a menos, un pintor de obras muy
pequeñas, y cuando Caravaggio comenzó
era muy difícil que llegase rápidamente al éxito sino tenía una persona a su
lado que le ayudara con contactos, y al ir acompañado del Caballero Arpino que
sobre todo era pintor de bodegones que una vez ahí se encasilló y solo podían
vender para decorar casas de nobles pero no de los que ellos querían, entonces
Caravaggio decidió trabajr de una manera diferente e pintó grandes bodegones.
BODEGÓN - CESTA DE FRUTA - Caravaggio
Mientras tanto fue investigando en el cuerpo humano y pintó
la Huida a Egipto, que no tenía nada que ver con la de los Carracci, que más o
menos eran de la misma época.
Se puede observar como parte del manierismo porque hay una
inestabilidad, el ángel está en medio de la escena interrumpiendo claramente la
imagen de San José, de la Virgen, del Niño que es excesivamente grande y la
imagen es muy monumental, por lo que Caravaggio parte de los conceptos
manieristas.
DRAMÁTICO
Tenebrismo y realidad se unen para crear un nicho no ocupado.
Poco a poco fue dando lugar a una pintura que tendería al
dramatismo que mezclando el mundo del tenebrismo y la realidad se dio cuenta de
que podía hacerse un hueco que no estaba ocupado en Italia por nadie.
Caravaggio pensaba en la figura humana como protagonista de
su pinturas, más allá de los bodegones que seguía haciendo pues era lo que le
daba para vivir.
Baco adolescente – Caravaggio
Este tipo de pintura que conocía como specchio, al espejo,
era una pintura reflejando al ser humano y las representaciones de Baco.
El Baco joven es mucho más clásica, más elegante, sencilla,
sin embargo, al observar el bodegón se ve ese gran bodegón a lo Caravaggio.
BACO ENFERMO – Caravaggio – Galería Borghese – Roma
El Baco enfermo está malo y por lo tanto, está pálido,
dicen las fuentes que era él y que era su auto retrato en un momento en que
estaba enfermo.
Eso era lo importante para Caravaggio, la realidad, en el
momento que ocurría algo lo reflejaba rápidamente, y si estaba enfermo, lo
reflejaba, y eso era muy importante.
En ese caso representó a un Baco en el que su brazo
recuerda a Miguel Ángel, no tan musculoso pero si la forma lo recuerda, y un fondo totalmente neutro en el que
espectador solo se fijaría en la figura que era la que tenía el foco de la luz.
Caravaggio comenzaba a manejar la luz a su voluntad para
dirigir a la zona que él quería la atención, por lo tanto, lo importante no es
ver toda la pintura sino lo que él quería mostrar.
CARDENAL DEL MONTE – Caravaggio
Caravaggio tuvo muy mala suerte en su vida y era muy caótica,
pero tuvo un golpe de suerte y entró a formar parte del grupo selecto del Cardenal
del Monte que era una persona que estaba dentro de la élite Papal y le cogió
como artista de cabecera, pidiéndole algunas obras y entre las obras que le pidió
le encargo la gran medusa.
CABEZA DE MEDUSA - Caravaggio – Uffizi - Florencia 1446
En eta obra Caravaggio rompió el panorama artístico, pues
fue ahí cuando realmente creó una pintura que llamaba la atención y que le
gustó mucho al Cardenal del Monte.
Medusa tenía la boca abierta, sangre, retorcimiento de las
serpientes, recordando a la intensidad del Laoconte, pero hecha en pintura y en
mundo tenebrista, esto les gustó mucho a unos comitentes muy selectos, pero no
a todo el mundo que le tacharían de hereje.
SAN JUAN BAUTISTA -Caravaggio
Esa noción estaba totalmente fuera de la realidad, pues no
tenía sentido hacer eso, era raro sobre todo porque lo retuerce y lo une a la
imagen de un pícaro, y con él nace el concepto de personaje de la calle sin
dinero.
DETALLE CARA ROSTRO SAN JUAN – Caracaggio
Hasta ese momento la oscuridad de la calle, de la sociedad
no había sido retratada, solo se pintaba lo bonito, pero a partir de ese
momento los picaros formarían parte de la representación de la pintura, no solo
Caravaggio sino también Velázquez con los bufones.
CAPILLA CANTARELLI – Caravaggio - 1600/02
Como Caravaggio iba adquiriendo nombre le encargaron que
hiciese un trabajo para la capilla Cantarelli en San Luis de los franceses en
Roma.
El encargo fue un conjunto en el que el protagonista fuese
San Mateo, pero como a Caravaggio le gustaba provocar realizó varias obras, por
una parte a la izquierda hizo La Vocación de San Mateo, una de sus grandes
obras, El Martirio a la derecha y finalmente en el centro a La Inspiración de San
Mateo y en Ángel.
LA INSPIRACIÓN DE SAN MATEO – Caravaggio
Cuando hizo a San Mateo y el Ángel lo hizo totalmente distinto
a como se ve en la noción, lo hizo sentado, con las piernas cruzadas y la
planta del pie totalmente sucia y le daba al cura cuando estaba dando misa en
la cabeza, y le dijeron que como era decoroso lo arreglara y lo cambió,
pintando esa imagen más decorosa.
LA VOCACIÓN DE SAN MATEO – Caravaggio
Es el momento en que Jesús y San Pedro señalan a San Mateo
para que se una a los Apóstoles, y Caravaggio representa la acción en una
bodega y apostando en el juego porque Caravaggio era una persona que le gustaba
mucho los juegos de naipes y apuestas, y por esa razón tenía muchos problemas,
peleas llegando a matar incluso a una persona en una de esas peleas y tuvo que
huir de Roma a Nápoles.
Caravaggio representaba sus escenas en ambientes que
conocía, se puede observar la luz que pasa como única referencia del exterior
incide directamente a Mateo, y el con el dedo se señala como preguntando si se dirigían
a él, un mensaje de comunicación entre todos.
Encontrando ese nuevo estatus que adquirirá San Mateo y además
reflejando como era San Mateo anteriormente, un hombre jugador y con interés
por el dinero, y Jesús le ha salvado dándole una nueva vida.
Esa escena que tuvo su desarrollo muchos siglos antes se
representaba como si fuera de su época en el s-XVII con vestidos del momento,
como ya lo habían hecho anteriormente los renacentistas.
MARTIRIO DE SAN MATEO – Caravaggio
San Mateo sufrió martirio y su martirio también lo reflejó,
en la noción se ve al verdugo en un momento en el que fue a coger a San Mateo
en un momento totalmente violento en el que nadie se había atrevido a pintar un
martirio de esa manera y además parece que
San Mateo se va a caer al vacío, usando un juego de perspectiva, de
profundidad, no desaparecieron las referencias a Miguel Ángel sobre todo en los
cuerpos, que representan los músculos, pero con el sello de Caravaggio pues la
luz iba donde él quería, que era al verdugo ya San Mateo, no podía haber ningún
tipo de confusión de que eso se trataba del Martirio de San Mateo y que esa escena
era violenta.
INSPIRACIÓN DE SAN MATEO – Caravaggio
Ese tipo de ángel que cae del cielo de repente a la pintura
son propios de Caravaggio.
27 DE NOVIEMBRE 2018
CONTINUACIÓN CARAVAGGIO ...........
Iglesia de Santa María del Populo
Iglesia de Santa María del Populo
CAPILLA CESARI- interior de Santa María del Populo
Esta iglesia no es una de las gemelas de la plaza del
Pppulo, Santa María está al otro lado.
La capilla lleva el nombre de Monseñor Tiberio Cerasi,
abogado consistorial y tesorero general del Papa Clemente VIII. A principios
del siglo XVII Cerasi encargó a Carracci y Caravaggio un retablo dedicado a la
Asunción de la Virgen María y dos cuadros sobre la Conversión de San Pablo en
su camino a Damasco y la Crucifixión de Pedro (estos últimos para cubrir las
paredes laterales de la capilla).
ASUNCIÓN DE LA VIRGEN AL CIELO – CAPILLA CESARI - Anibal Carracci
SAN PEDRO Y SAN PABLO – Caravaggio
En las nociones están San Pedro y San Pablo como los dos Santos
más importantes de la Iglesia.
La crucifixión boca debajo de San Pedro.
La conversión de San Pablo con una iluminación marcando el
momento en que San Pablo de convierte y se cae del caballo y se convierte.
Estas dos pinturas tienen su interpretación bíblica, pero
lo importante en la representación de San Pedro, era que San Pedro quiso ser
crucificado de una manera muy diferente a su Señor con la cabeza para abajo,
pues decía que no era digno de ser crucificado de la misma manera que el
Maestro y esa era la interpretación de Caravaggio.
Caravaggio hizo
una interpretación totalmente diferente que se había hecho hasta ese momento,
Miguel Ángel tenía alguna escena de la cruz de San Pedro, pero bastante más
clásico.
Caravaggio captó
el momento preciso en que estaban clavando en la cruz a San Pedro por los
verdugos con ese momento de tensión que se observa en los rostros y en las
cuerdas, así como en los clavos en los pies y manos y el dolor que representa.
Es una imagen
totalmente anti clásica, y ese anti clasicismo lo contrasta con el famoso triángulo
clasicista de Leonardo y Miguel Ángel que indicaba que Caravaggio era una
persona que seguía las reglas clásicas cuando quería.
DETALLES DE LA
OBRA
Los detalles son
lo más importante. Los brazos y las manos fuertes típicos de Miguel
Ángel.
Los pies sucios que pintaba Caravaggio.
Detalle de los momentos que marcan el dolor, el
agarrotamiento de los músculos en un momento tan trágico.
Hasta ese momento se había representado siempre a San Pedro
como una persona joven y a partir de ese momento Caravaggio lo representaría
como una persona mayor y de la calle que se podría encontrar paseando por Roma,
y también quitaría todo el concepto clásico y de músculos ya que no aparecen y
son músculos y piel reales.
Caravaggio había sido denostado totalmente y olvidado de
todo el sector clásico, dándole los trabajos Carracci.
MUERTE DE MARÍA – Caravaggio – Museo del Louvre
La escena de la muerte de la Virgen fue muy extraña para la
época porque se representó a una mujer que había muerto en el río Tiber y se
supone que era una prostituta, y Caravaggio que tenía siempre ese tipo de ideas
decidió retratara esa mujer muerta, pero cuando se dieron cuenta que esa
representación pertenecía a esa meretriz, pues se montó un gran escándalo en
Roma.
DETALLE OBRA
Es bastante curioso como el vientre está abultado e
hinchado y en el propio museo se puede observar el color de la cara, los
rasgos, siendo una anti-virgen, jamás se había representado a la Virgen María
así, Caravaggio siempre creaba polémica.
La Virgen está
rodeada por distintos retratados conocidos de la sociedad, como hizo en
la representación de los Apóstoles o de cualquier santo, siempre tomaba como
modelo a las personas de la calle y eran reconocibles porque el no pintaba nada
ideado, por lo que de nuevo se armó otro revuelo, al verse retratadas personas
que se conocían, que sabían dónde vivían, a que se dedicaban, etc.
La muerta que apareció en el Tiber era conocida y además
era prostituta entrando en la doble moral que tenían esas personas de la sociedad.
El hábito de María es
la única noción habla de María, Caravaggio siempre evitaba poner
alusiones al mundo de la religión porque era consciente de que sus pinturas
daban siempre mucha controversia.
Sus comitentes eran personas que estaban seguras de que ese
cuadro no les iba a ocasionar problemas, porque por lo general ese tipo de
cuadros estaban dentro de las colecciones privadas y pocas personas tenían
acceso a ellas.
Caravaggio tenía un problema es que hablaba demasiado,
bebía demasiado, tenía demasiados problemas sociales, no se integraba con sus
pinturas pues le daban de lado y no entró a formar parte de ningún tipo de
circulo y se rodeaba de las personas de su clase que lo aceptaban que solían
ser personas de la sociedad oscura, como los jugadores, apostadores,
prostitutas, picaros, etc. que era un mundo muy cerrado en Roma.
Dentro de ese mundo Caracaggio en una pelea mató a una
persona y tuvo que huir porque le persiguieron llegando a Nápoles y allí hizo
una de las pinturas más importantes llamada la siete obras de la Misericordia.
Las siete obras de la Misericordia – Caravaggio Iglesia Pio
de Misericordia – Nápoles 1607.
En esta obra representó al Caravaggio más puro con un
contraste de luce y sombras y además en los efectos dramáticos de la caída de
los ángeles, algo característico suyo eran esos ángeles que caen del cielo e
irrumpen en la escena básicamente sin ningún tipo de explicación, se aprecian
distintas actitudes, distintas posiciones, distintos contrapostos que invaden
directamente el espacio del espectador, siendo una de las obras culmen del
propio Caravaggio. El fondo neutro y en este caso la luz aparece de una
antorcha que iluminaba lo que Caravaggio quería que se viese.
En 1607 las referencias a Miguel Ángel siguen siendo clave
en la obra de Caravaggio siendo un pintor anti clásico, pero que toma como
referencia a uno de los grandes clásicos y al ser un manierista tampoco era un
gran clásico.
DEGOLLACIÓN DE SAN JUAN BAUTISTA – Caravaggio - La Valeta
1608
Para algunos expertos esta obra es una de las más
importantes de Caravaggio, sin lugar a dudas, Caravaggio estuvo en Malta,
después de Nápoles por otra trifulca, se puede observar que la figura de
Caravaggio era muy controvertida desde el punto de vista profesional y desde el
punto de vista personal.
La pintura de San Juan Bautista es una pintura de gran
tamaño en la que hay cuatro personajes que no dicen nada, con un gran vacío en
un fondo neutro, con un observador de la escena que proporciona enigma,
misterio, haciendo que esta sea la ora más misteriosa de Caravaggio, con un
momento totalmente clásico por la representación de la sangre formando parte de
esas obras que repetirían los caravaggistas fuera de Italia de España y Europa.
Esta es una obra muy difícil, con una temática muy
dramática.
Caravaggio quiso volver a Roma pidiendo permiso al Papa
para que le permitiera su regreso, pues sin el permiso papal no podía volver y
que le perdonara el delito que había cometido, una vez concedido antes de
volver pasó por Sicilia, Nápoles y otros lugares, pero nunca volvió Roma ya que
murió, pero antes de su muerto hizo otra gran obra David Goliat.
DAVID Y GOLIAT – Caravaggio – Galería Borghese - Roma 1610
Es una de sus últimas pinturas casi premonitoria pues la
representación de Goliat es su auto retrato, lo hizo de una manera muy
dramática recordando la boca de la representación de la Medusa que había hecho
a principios de su trayectoria artística.
En la representación fondo es nada, está vacío, fondo
totalmente oscuro y la luz irradia directamente sobre David y al su rostro con
sangre que caía con muchísima fuerza y un gran dramatismo.
Este David no tiene nada que ver con el de Miguel Ángel ni
el de Bernini, pues es un David débil, un modelo tomado de la calle como solía
hacer, por lo tanto, la pintura de Caracaggio se asocia a la pintura de la
masa, de la gente, pues el no formaba parte del grupo de los artistas
contrarreformistas, aunque su pintura entrasen dentro de los valores que se
daban en el Concilio de Trento y la Contrarreforma, pero esa pintura era tan
dramática y tan fea que en su época no estaba nada valorada al no ser
atractiva, por ejemplo porque la modelo de la Virgen fuera representada por una
prostituta y no era decoroso ver un San Mateo con los pies totalmente sucios,
un San Pedro casi humano de una forma tan veraz y real como lo representaba no
era decoroso.
SUPUESTOS HUESOS DE CARAVAGGIO
Yendo hacia Roma murió en el camino, pero no se sabe la
razón, ni su enfermedad, a día de hoy no se han encontrado sus restos aunque se
encontró una fosa con huesos humanos que pensaron que podían ser de Caravaggio
porque se encontraron pigmentos de pintura en los huesos, pero no era seguro.
Caravaggio forma parte de ese grupo de artistas que han
estado denostados a lo largo de la Historia ya que en su época pasaron
desapercibidos y tuvieron pocos comitentes, pero que con el paso del tiempo
sobre todo en el s-XIX y en el siglo de todos esos artistas como los
impresionistas, pos impresionistas Cézanne, Picasso, etc. a todos esos artistas
que no hacían pintura comercial en su momento les encantaba, y rescataron ese
mundo marginado apareció Caravaggio en el s-XX, así como Velázquez, Zurbarán
que también había sido olvidado, no habían olvidado a Murillo por ser un pintor
comercial.
CARAVAGGISTAS
Cuando Caravaggio desapareció durante algunos años, tuvo
seguidores que no eran tan puros como él y tendían al color, a aclaraban las
luces y las sombras, y no eran tan brutales, fuertes ni dramáticos.
- O. Getileschi
- C. Saraceni
- O. Borgianni
- P. da Cartona
- G. Lanfranco
- A. Pozzo
Orazio Lomi de Gentileschi nació en Pisa 1563 y murió en
Londres 1639, padre de Artemisa Gentileschi . A partir de 1633 después de la
muerte de Caravaggio en 1610 fue olvidado y los que había empezado como
caravaggistas fueron evolucionando.
SANTA CECILIA –Gentileschi
Llama la atención el ángel y sobre todo el hombre que
aparece por una puerta de repente, esto puede recordar a la Meninas de ese
aposentador que había llevado a la infanta Margarita, son guiños a la sorpresa,
y representación de pintura oscura.
MOISÉS RESCATADO DE LAS AGUAS – Gentileschi - Museo del Prado
Esta pintura está en el Museo del Prado y en la
representación se observa ya a Orazio Gentileschi como un pintor clasicista, barroco, como se
observa en los trajes, las telas, las mujeres que recuerdan a Rubens personas
monumentales que formaban parte de una escena dominada por el ser humano y
detrás un paisaje inmenso. En esta obra se observa la evolución de Gentileschi
.
CARLO SARACENI
Carlo Saraceni nació
en Venecia en 1570, se trasladó a Roma en 1598, uniéndose a la Accademia di san
Luca en 1607.
SANTA CECILIA Y EL ÁNGEL (1610) – Saraceni
Las pinturas caravaggistas dieron paso a pinturas mucho más delicadas y más amables
jugando con el concepto de la luz y la sombra, pero es una luz y una sombra
mucho más tenue no tan fuerte como el Goliat de Caravaggio o San Pedro.
Orazio Borgianni
Orazio Borgianni nació en Roma hacia 1575 muriendo aprox.
1616
Muchas de las pinturas de estos pintores llegaron a España,
y en algunos casos como Borgianni viajó a España.
David y Goliat -
Orazio Borgianni
Se observa que lo que tiene de caravaggesto era el concepto
del drama en la escena de la tensión, y David ya era una representación de un
pícaro un poco más delicado, pero Goliat si recuerda a la cabeza de Caravaggio
pero sobre todo lo que quería indicar era que Goliat era muy grande y David muy
pequeño, básicamente era lo que quería manifestar era la fuerza del barroco y
la escenografía.
Pietro Da Cortona
Pietro da Cortona, cuyo auténtico nombre era Pietro
Berettini, nació en 1596 y murió en 1669 fue un pintor y arquitecto.
TRIUNFO DE LA DIVINA PROVIDENCIA – Pietro Da Cortona – Pl. Bareberini
Evolución de pintura de bóvedas y cúpulas lo que se conoce
con el nombre de PINTURA DECORATIVA, es una pintura al fresco con efecto
teatral en el que evoluciona la Pintura del Palacio Farnesio.
Esta obra significaba el triunfo de los Barberini en su
propio palacio, esta obra es paralela de
la misma época al Baldaquino de Bernini, por lo tanto sería la escultura que
mostraba el poder de los Barberini en el Vaticano y esta pintura sería la
demostración de poder de los Barberini's en su propio palacio.
Pietro da Cortona, pintó algunas abejitas como símbolo de
los Barberini, eta representación puramente teatral, es un artificio, la representación de las grisallas es
sublime, efectos de los escorzos, y movimientos violentos.
A da Cortona lo llamó Felipe IV para que fuera a España y
no quiso, y se quedó en Roma.
Esta obra es el máximo esplendor del tipo de pintura que
empezó Miguel Ángel, continuando los Carracci, culminado con este tipo de
pintor. Tiene cuadratura y es el principio del sfondati que es la
representación del concepto de niebla y de perfiles que están borrosos, dando
la sensación de que las imagines gravitan y vuelan en el aire.
Giovanni di Stefano Lanfranco
Giovanni di Stefano Lanfranco nació en 26 de enero de
1582 y murió 30 de noviembre de 1647.
Cúpula de San Andrea della Valle – Lanfranco
Detalle Cúpula de San Andrea della Valle – Lanfranco
En este fresco las figuras se funden directamente con la
atmósfera y con la estructura, en esta noción es un circulo centrifugando
haciendo que estén en continuo movimiento las figuras pareciendo que se las
tragaría el óculo y si el observador se pone debajo también seria engullido,
ese concepto de pintura decorativa del barroco. Este efecto remolino lo darían
otros pintores.
Esta obra se encuentra en Nápoles, pero se dio en Roma y en
toda Italia, en España las cúpulas son sencillas, con nervadura y en ocasiones
con alguna pintura, pero en Italia las cúpulas tenían ese tipo de decoración.
Son decoraciones de gran sentido escenográfico con muchas
figuras, grandes contrapostos, formas violentas, que absorben al espectador
formando parte de la escena, siempre está el concepto de centrifugado
absorbiendo el óculo de la cúpula.
ANDREA POZZO
Andrea Pozzo, Andreas Puteus llamado el padre Pozzo, nació en Trento el 30
de noviembre de 1642 y murió en Viena el
31 de agosto de 1709, fue un jesuita pintor, arquitecto, diseñador de escenarios
y teórico del arte barroco.
El momento de mayor esplendor fue en 1685 con A. Pozzo uno
de los grandes pintores de Ilusión, pintura al fresco de decoración.
LA GLORIA DE LOS BIENAVENTURADOS – Pozzo
Iglesia de San Ignacio - Roma
Se observa que ya se domina la perspectiva, la profundidad,
la representación, los edificios son verticales e infinitos observándose el
cielo.
Detalle de la cúpula de la Iglesia de San. Ignacio
Es un edificio a cielo abierto que es el efecto de ilusión
que quiere transmitir Pozzo.
Hay otros muchos pintores y en España como por ejemplo Lucas
Jordán y Tiepolo que trabajaría en las
bóvedas del Palacio Real siguiendo ese tipo de pinturas que estarían en Roma,
Nápoles, etc.
