15 de enero 2019
22 de enero 2019
22 de enero 2019
PINTURA BARROCA EN
ESPAÑA
1.Temática:
Religiosa
2.Interés de la
corona; vinculación de la noblezas con el mundo religioso
3.Hegemonía
religiosa en España
1.Los pintores
barrocos saben usar muy bien la luz que ilumina ciertas zonas del cuadro para
llevar allá la atención y dejando otras zonas en sombra, es lo que se conoce
como tenebrismo, predomina el color sobre el dibujo.
La técnica más usada
es la pintura al óleo sobre lienzos, aunque el fresco aún se emplea sobre todo para
la pintura en techos o interiores de los edificios, bóvedas, cúpulas o techos de iglesias y demás
edificios barrocos.
La profundidad y el
dinamismo son las principales características de las obras pictóricas del
barroco, en las que domina el volumen y la tercera dimensión.
Pintan la realidad,
buscando el naturalismo y recurriendo en ocasiones incluso a lo feo y lo viejo,
buscan plasmar la realidad tal y como
es, con la mayor precisión posible en lo que se conoce como fotorealismo.
LA TEMÁTICA es muy variada, pero todavía predomina el tema
religioso comenzando a surgir una fuerte
pintura pagana con representación de la vida cotidiana, la naturaleza y
retratos.
ROELAS
El estilo pictórico
de Juan de Roelas arranca de una supuesta formación italiana, por su estilo se
cree que contactó con la Escuela veneciana, pues su colorido cálido y su
sentido equilibrado de la composición hablan del Veronés y Tintoretto, cuyos
lienzos debió conocer, aprendido el estilo italianista del último Manierismo,
Roelas introdujo efectos de luz a lo Bassano, que hacen fácilmente reconocible
su obra.
Era un buen retratista
de la vida cotidiana, pintaba temas
sagrados con elementos absolutamente vulgares y de la vida diaria, que fueron
muy criticados por otros pintores del momento (como Francisco Pacheco).
Roelas supo mezclar
la fuerza con la dulzura, añadiendo el estudio del natural, por lo que se le
considera la transición entre el artificio del Manierismo y la realidad
naturalista del primer Barroco español.
También a él se debe
el empleo generalizado de un determinado formato de cuadro de altar dividido en
dos mitades yuxtapuestas, la mitad superior refleja el mundo divino, y la mitad
inferior representa el mundo terrenal.
Martirio de San
Andrés – Roelas (1610-1615) Museo Bellas Artes de Sevilla
Es un óleo sobre
lienzo, que se encuentra en Museo de Bellas Artes. Sevilla, es muy grande y fue
un encargo de los dominicos del Colegio
de Santo Tomás en Sevilla, este cuadro estaba en la iglesia del Colegio.
Los Flamencos afincados en Sevilla durante el siglo XVII, lo
visitaban porque era el patrón de borgoñones y flamencos, y de ahí viene su
elección.
Roelas hace el
transito del arte sevillano, que evoluciona desde el Manierismo hasta el
Barroco.
Los rasgos
predominantes en el lienzo lo confirman, pues combina una serie de personajes
de rostros crispados y movimientos agitados, que muy bien recuerdan lienzos de
medio siglo anterior.
La luz dorada y
uniforme, los colores cálidos de matices dorados, el rompimiento de gloria y el
naturalismo de las expresiones están hablando del nuevo estilo que se impone
entre los artistas españoles del momento.
2.LA NOBLEZA
Lo importante para
los nobles era ser leales al rey y leales a la religión, y algunos miembros de la alta nobleza,
especialmente los más cercanos al rey y quienes desempeñaron tareas de gobierno
en Italia y Flandes, reunieron grandes colecciones y, en ocasiones, caso de los
virreyes de Nápoles con Ribera o de Olivares con Alonso Cano, actuaron como
auténticos mecenas, patrocinado retablos
y obras de arte para hospitales, conventos.
Entre ellos se
encontraban «algunos de los más ávidos coleccionistas de Europa, en la primera mitad del siglo Carducho mencionaba
veinte importantes colecciones madrileñas entre las que destacaban las del
marqués de Leganés, con predilección por la pintura flamenca, etc.
ALGUNAS
ANOTACIONES
1.Dominio del
realismo: Conmover el alma
Conocer a Dios
-Modelos
individuales
-Interés por el
detalle
-Expresiones para atraer
la fe
2.Temática el
Retrato
-Conocer a la
familia real
-Conocer al monarca,
tener información
-Miembros de la
nobleza
-Personajes de
palacio
3.Miembros de la
Iglesia
Felipe IV -1634/36
-Velázquez – Museo del Prado - Madrid
Pintado para la torre
de la Parada, pabellón de caza.
Felipe IV aparece
vestido con un tabardo marrón, sobre el que destaca un cuello de encaje de
Flandes, con calzones y medias oscuras y cubierto con una gorra que, en una
primera versión del cuadro, llevaba el rey en la mano izquierda. En la mano
derecha porta una escopeta y a sus pies reposa sentado un mastín.
Inmediatamente tras el rey destaca un roble y en la lejanía un paisaje amplio
en el que idealmente se representarían los bosques del Pardo y las sierras
azules de Madrid. El cielo, gris y nuboso, es el típico de una tarde de otoño.
Retrato Felipe IV
(1653-1655) – Velázquez
El retrato evidencia su carácter de estudio del natural,
destinado a servir de modelo para los retratos oficiales del monarca, que en el
momento de ser retratado rondaba los cincuenta años.
Existían aduanas en el barroco, porque la única forma de
conocer a esas personas era a través de retratos, si estos no salían de su país
y aprovechando estos traslados había fugas de obras de arte por lo que se
establecieron aduanas.
Solían retratarse a caballo con el fin de que otros nobles
o gente llana vieran su poder de validos del rey.
Los personajes del palacio eran los que vivían en el nobles
o plebeyos y se relacionaban con la familia real o los nobles, como los
bufones, enanos, llamaban lagartijas despectivamente, cortesanas, a los que
ellos, lo raro, lo deforme, les gustaba.
INOCENCIO X – Velázquez
A los miembros de la Iglesia les gustaba aparecer en los
cuadros, para darse a conocer en otros lugares donde no iba o bien para dar un
mensaje del poder de la Iglesia, en su persona.
En la obra tendría aproximadamente 66 años cuando le retrató Velázquez, era un
hombre muy vital, y decían que muy feo, y cuentan que algunos decían que su
fealdad le descalificaba para ser papa,
De todas maneras, Velázquez, que fue el inventor del Photoshop lo arregló bastante.
El artista sigue el modelo establecido por Rafael al
colocar al papa de media figura, sentado y girado hacia su derecha, con bonete
y mantelete rojos, y el roquete blanco.
Los ropajes están captados con el mayor realismo,
obteniendo una increíble calidad en las telas a pesar de la pincelada suelta, que
ofrece toda la gama de rojos existente.
En la mano izquierda llevaba un papel donde el pintor se
identificaba como el autor de esta excelente obra, de la que se quejó Inocencio
X que era demasiado real, al ver acabado el cuadro.
Bodegón de Ramírez (1628-1632) – Museo del Prado
A las personas de la época nos les gustaba el bodegón, pero
sí su realeza.
Juan van der Hamen y León (Madrid, 1596-1631)
Este bodegón de van der Hamen está muy relacionado con las
pinturas de mesas servidas de las escuelas del norte de Europa; pero el maestro
español dispone ordenadamente los objetos y presenta una composición de
claridad arquitectónica, la iluminación
en el bodegón es tenebrista.
EL RAPTO DE PROSERPINA -
Rubens – Museo del Prado
La mitología era escasa y había poca formación al respecto,
salvo en contadas ocasiones donde la clientela lo solicitaba.
..... CONTINUACIÓN
22 DE ENERO 2019
PINTURA BARROCA EN ESPAÑA – 19
Ribera, Zurbarán, Velázquez, Alonso Cano – guadahumi3
22 DE ENERO DE 2019
LOS GRANDES MAESTROS
Los retratos de Ribera y de Zurbarán, son del s-XIX, nos
son de su época que hacían retratos suponiendo como debían ser, Alonso Cano sí
es él y Velázquez es un autorretrato, pero se supone.
Fue una persona muy importante en el mundo de la pintura y
por lo general se suele debatir, si era español o italiano, pero había nacido
en Xativa en Valencia, pero artísticamente, es un pintor italiano, no tiene
nada de español.
De Italia a Valencia es el puerto que une directamente,
porque aunque Sevilla era el lugar donde llegaban las novedades, pero primero
llegaban siempre a Valencia, y desde allí ya se exportan hacia la zona del
Guadalquivir.
No se sabe cómo fue su formación, no se sabe nada de sus
primeras pinturas y sobre todo a Ribera se le conoce desde Italia, desde 1615 a
1652 estaría allí y no pisaría nunca más España, se fue muy joven para allá
alrededor de cuando tenía veinte años y se quedó allí para siempre, pero su
pintura si estaba en España, porque los comitentes principales de Ribera eran
españoles, el duque de Osuna, Monterrey, Alcalá, etc. que hicieron que en sus
casas hubiera pinturas de Ribera.
Ribera nunca llegó a conocer a Felipe IV, no tuvo contacto
con él, pero el rey si le conocía directamente a través de sus pinturas.
Ribera no conoció nunca a Olivares ya que al volver de
Italia donde había nacido, nunca más iría de nuevo, en el año 1599 y se le
consideraba sevillano de adopción, pero si conoció a Velázquez.
La conexión entre Velázquez, Olivares y Felipe IV, era
tenían contacto entre ellos y se conocían.
Se cree que Olivares le aconsejó a Ribera que fuera hacia
la zona del sur de Italia y después de dar muchas vueltas por Italia estuvo; en
Venecia, Bolonia, conociendo la pintura de los Carracci en Roma pero al final
se afincó en Nápoles.
A Ribera se le catalogó de ser una persona cruel, sangre por sangre, martirio por martirio,
fealdad por fealdad, y Ribera se le trató de esa manera hasta el s-XX, pues se
pensaba que era un pintor dramático y trágico y que solo sabía pintar sangre ,
era algo incierto.
La pintura barroca española es de la cotrarreforma y
muestra el martirio como un modo para expresar el sentimiento que se quiere que
la gente tuviese de la contarrreforma,
contra la reforma de Lutero, no es que pintara sangre x sangre, sino que estaba
basando en lo que marcaba la contra reforma en España.
1.Interés por la realidad
La mujer Barbuda – Ribera – Museo del Prado
Es una de las principales pinturas de Ribera que se la
encargaron y una vez acabada fue directamente para España al Hospital Tavera en
Toledo y que se encargaba básicamente por ese interés que se tenía, lo que
ellos consideraban algo extraño, deforme, enanos, bufones.
Esa mujer existió y se llamaba Ventura, tuvo su hijo con
casi cincuenta años, y ya era extraño que una mujer se embarazara en esa edad,
pues lo normal eran que se embarazan en la adolescencia, y a partir del momento
en que se quedó embarazada le comenzó a
salir barba.
Esta pintura les gustaba porque era algo extraño que
amamantara al niño, con la barba y el marido está detrás con cara de
circunstancia, pues su mujer se había convertido en un animal de circo, y eso
era algo normal en el s-XVII, XVIII, pues si se tenía una deformidad y se era
algo de normal le hacían un retrato.
En el s-XVII si se tenía algo que la gente consideraba
extraño, se podían dedicar al circo, donde trataban muy mal , o podían
contratar en las cortes, y a partir de ahí vivirían muy bien, como el primo, el
niño de Vallecas y todos los bufones de Velázquez eran cortesanos y al vivir
con el rey estaban protegidos, y además esas personas podían hacerle burla,
jugar y reírse de él hasta que Felipe IV decía basta.
El concepto es una realidad cruda donde no hay ningún caso
de fantasía, llama la atención el contraste entre una persona que parece un
hombre dando de mamar a su hijo y eso como llamaba mucho la atención siendo la
razón del encargo.
2.Forma directa del a pintura
Hacia una pintura muy directa
EL SILENO EBRIO - Ribera – Museo de Nápoles
Esta pintura no es nada decorosa, ni sensual, ni sexual,
sino todo lo contrario, este Sileno se caracterizaba por ser el fiel
compañero de Baco y siempre estaba con
él y bebía más de la cuenta, desde la época clásica siempre fue considerado
como una imagen sexual y erótica.
Este cuadro es un choque frontal con la realidad, incluso
en muchas ocasiones el propio Ribera es más fuerte y más real que el propio
Caravaggio, que había muerto bastantes años antes en el año 1610, y se puede
observar como era un gran discípulo de ese pintor, sin haber llegado a conocer
al propio artista, pero Ribera conoció todas las pinturas de Nápoles.
No influyó de ningún modo la pintura de Ribera al realizar
Velázquez sus Borrachos, porque esa pintura fue un poco anterior, pero el concepto
de realidad que inspira Ribera lo conocía Velázquez a través de sus grabados, a
través de las pinturas que llegaban a Sevilla, y por eso el primer Velázquez en
algunas ocasiones recuerda a Caravaggio, pero no es tan caravagesco, ya que
recuerda más a estas pinturas que son siempre pinturas marrones, colores
apagados, reales sin ningún tipo de artificio todo natural, tal y como se
muestra.
La figura del PÍCARO, abajo a la izquierda, es genial,
recordando mucho a los picaros propios de Ribera que después tomarían tanta
importancia en España con Velázquez y sobre todo con Murillo que los haría en
repetidas ocasiones porque en la Sevilla de Murillo había muchos pícaros
ladronzuelos, robaban el dinero en la zona de la catedral, por el patio de los
Naranjos, donde actuaban, en Madrid actuaban en la zona de la Puerta Cerrada,
que era una zona peligrosa por la noche, siempre estaban por las zonas donde podían
pasar desapercibidos porque siempre había muchísima gente, está claro que ese
niño está tomado de las pinturas de Caravaggio.
El BURRO es una imagen totalmente real, aunque en la obra
aparece un poco más claro.
No hay ningún tipo de artificio a la hora de representar al
SILENO, al que hace gordo, sin ningún tipo de problema, ni arreglo pictórico
(Photoshop), y eso no se veía en la época clásica porque todas las figuras que
eran clásicas y formaban parte de ese mundo mitológico siempre eran figuras muy
musculadas, figuras que siempre estaban representando el concepto erótico, que
al fin y al cabo es lo que la mitología se daba.
MARTIRIO DE SAN ANDRÉS – Ribera – Museo Bellas Artes
Lo mismo ocurría con el martirio, pero los martirios que
hacía Ribera, no eran tan crueles, se aprecia un momento tenso, difícil, donde
se plasma un sentimiento de crueldad con los verdugos atando, y la expresión
que suele representarse a través de las expresiones, donde el verdugo siempre
está en acción atando, tratando de poner algo de congoja de lo que ocurriría,
siendo el momento anterior al martirio.
Toda la imagen, es una imagen tensa, oscura y que no tiene
mucha luz, y la luz sobre todo va hacia en Santo para llamar la atención de
dónde dirigir la mirada, esto recuerda nuevamente al Caravaggio de 1628, veinte
años después de su muerte, el último gran caravaggista fue Ribera.
LAS FORMAS
La pintura de Ribera es una amalgama de todos, Miguel
Ángel, Caravaggio, Ribera trataba muy bien a Buenarroti al que hacía guiños,
por lo que el rostro recuerda a Miguel Ángel, el tratamiento anatómico, las
venas tan bien tratadas y estudiadas.
APOLLO Y MARSIAS – Ribera – Museo Arqueológico
En esta obra se aprecian esos momentos de crueldad a través
de la tensión expresada en la cara, recordando a Medusa de Caravaggio.
Ribera tuvo mucho éxito sobre todo con Monterrey que sería
virrey de Nápoles y de ahí tendría mucha importancia, así como una gran clientela
con los duques de Osuna, el CALVARIO de la Parroquia de Osuna que es de Ribera,
también tuvo mucho éxito con los Monterrey con las Agustinas de Salamanca, los
Alcalá encargaron mucha pintura a para que en el Palacio de Pilatos en Sevilla.
El dinamismo en los paños es el Barroco que se mezcla con
ese movimiento y tensión, siendo quizás lo que cambie de Caravaggio, es decir, el color, las
vestiduras que son más fuertes con un color mucho más atractivo a la vista que
no tiene todos esos colores ocres que generan y suelen dominar en la pintura de
Ribera.
A la derecha se aprecian unas personas en un segundo plano
en las que se como ya está dando una imagen doble, para mostrar una imagen
narrativa, dando a entender que la escena principal son Apolo y Marsias, pero
hay que fijarse en todo el cuadro que es de grandes dimensiones e importante.
ESTILO
3.Monumentalidad
Generalmente si por algo se destaca Ribera es por la
monumentalidad de sus figuras, una monumentalidad que hace que sean figuras que
rompen con la simetría y con la proporcionalidad, pero que son proporcionadas.
La característica del color de la piel de las obras de
Ribera es un tono dorado, porque les da directamente el color en la piel y el
resto de la pintura lo pinta en un color neutro, un color negro, un color
oscuro.
SAN ANDRÉS – Ribera – Museo del Prado
En 1631 Velázquez ya había ido a Italia en su primer viaje
y conoció la pintura de Ribera de primera mano, pero no hay datos de que
conociera a Ribera en el primer viaje, pero en el segundo viaje si fue a
Nápoles directamente.
Velázquez en el primer viaje estuvo centrado en Roma, en
conocer las colecciones de los Medicci, los Barberini, y las obras de Miguel
Ángel, Rafael, Leonardo, a todos los grandes que le darían a su pintura un tono
mucho más azul, tonos más italianos, concepto de la proporción y la simetría, y
sobre todo el concepto de la mitología que no había ningún tipo pintor en
España en esos momentos que trabajara ese tipo de pintura.
Hubo algunos pintores españoles como Luis de Vargas pintor
de Sevilla que estuvo por Italia en el s-XVI, pero en ese periodo no hubo
ninguno más importante como Velázquez.
LA MAGDALENA – Ribera – Museo del Prado
En la que se observa esa monumentalidad, son figuras que
aparen solas, en un entorno de paisaje generalmente rocoso, con poca
perspectiva, con bruma que se va alejando poco a poco y que recuerda a la
pintura de Da Vinci por su sfumato famoso, al fondo con esos tonos azules.
Muy distintas las imágenes de Leonardo a las de Ribera que
eran muy grades, tienen un gran misticismo todas, tienen un gran estudio de la
expresividad, haciendo pensar en la congoja, sentimiento que la Magdalena tiene
y eso que expresa es básicamente el
mensaje barroco.
Expresar los sentimientos a través de un cuadro que a
priori no dice nada, pero Ribera consigue que traspase la mente del observador
y que enlace directamente con los sentimientos del que mira.
4.ETAPA FUERTE
TENEBRISMO
Sevilla en esa época superaba en arte a cualquier ciudad de
España porque tenía; Velázquez, Zurbarán, Martínez Montañés, Juan de Mesa, Mena
también estuvo, Murillo más tarde, y era tal la cantidad de artistas que
salieron de Sevilla que la pregunta era como se podían mantener todos esos
artistas, y lo lograban gracias a los nobles porque sí había muchos pintores es
que había muchos nobles y una gran clientela religiosa para poder hacer posible
todo eso.
Los Duques de Osuna eran importantísimos en Sevilla, los
duques de Alcalá muy importantes en Sevilla, los nobles de Tarifa que eran
básicamente los de Alcalá que venían de los Medina Sidonia y parientes de los
Olivares, de modo que estaban todos unidos, los Marqueses dela Algaba de Guzmán
muy importantes que fue una familia que hizo el palacio de la Algaba del s-XV
que esta cera de la iglesia de Sancto Sanctorum de Sevilla de las de Felipe
III, Alfonso X de la reconquista.
Miguel de Mañara que era el comitente del gran Hospital de
la Caridad de Sevilla, cerca de la Torre del Oro.
Todos ellos hacen que Sevilla sea la cuna del arte, siendo
más importante que Madrid a la que venían por compromiso, si la corte no
hubiera estado en Madrid, nadie hubiera pasado por la ciudad.
Ribera trabaja para la clientela Sevillana y si esa
clientela en un momento dado se va a otro lugar seguiría trabajando para ellos,
como ocurría con las Agustinas de Monterrey.
EL CALVARIO (Duques de Osuna) 1626 – Ribera – Colegiata
En el que se puede observar la primera etapa, porque la
figura de Ribera fue variando, todos los artistas son distintos desde su
comienzo a los últimos, como Velázquez que haría las Meninas comparando con la
vieja friendo huevos, que es una pintura muy importante pero que tiene muchas
faltas de un pintor nobel, se ve que es un pintor que sabe pintar muy bien,
pero no son las Meninas, que gracias iría adquiriendo a las enseñanzas de
Italia, viajes a la corte y distintos lugares le darían un aprendizaje.
Este primer Ribera es totalmente tenebrista, en el que sus
figuras parecen casi esculturas, y la relación de la cruz y Jesús parece una
escultura porque era algo que se solía hacer en la época, porque las pinturas
que parecían esculturas daban mucho más realismo, y pensaban que la escultura
era más realista qu4e la pintura.
Cuando se ve en Sevilla el Cristo de la Clemencia o el Cachorro, Cristo de la Buena Muerte (Mesa) en
la capilla de los Estudiantes en la universidad, el Cristo del Buen Amor (Mesa)
en la Iglesia del Salvador, el observador se da cuenta que está ante una imagen
que están vivas y llamaban más atención porque parecían que se iban a mover de
un momento a otro, y las pinturas son reales, pero están más alejadas y si se
parece a una escultura va a estar más cerca de la realidad de lo que parece.
El Cristo de Velázquez es una escultura, el Cristo de
Zurbarán es otra escultura, porque se toma como referencia la escultura, por
eso son tan importantes los escultores para los pintores, y por eso es tan
importante Juan Martínez Montañés en la enseñanza del primer Velázquez, que se
une a la amistad que tenía Pacheco con Montañés.
INMACULADA DE LAS AGUSTINAS – Ribera
El final de su vida, donde fue adquiriendo madurez, con una
paleta con muchos más colores, mucho más viva, dinámica, mucho más barroca, y
en torno a 1635 ya en Italia había una absorción absoluta del caravagismo, y se
estaba ante esos artistas que hacían frescos en las grandes iglesias, en las
bóvedas, por lo tanto esta imagen de la Inmaculada, es la representación del
fresco en un lienzo de lo que se hacía con juego óptico en arquitectura.
Como se puede comprobar
se suele hacer con la misma representación en iconografía de la
Inmaculada, la media luna con las puntas para arriba, aunque Pacheco decía que
tenían que ser para abajo, las doce estrellas, los querubines sujetas la nube
que da mucho más movimiento y dinamismo, la túnica blanca y el manto azul, como
había dicho Pacheco se cumple e Ribera y no se cumple en el propio Pacheco
porque dice que tenía que ser así a partir delos años 40, pero las imágenes de
Pacheco de los primeros años del s-XVII años 10 el manto de la Virgen es azul,
pero la túnica era roja.
El color rojo se asociaba a la imagen de María por eso se
ponía en un principio ese color.
Ribera no hace caso a esas imágenes que decía Pacheco de
que la Virgen tenía que tener 13, 14, 15 años, va a evitar ese concepto y
además coloca las manos en el pecho, dando un sentimiento mucho más natural que
no las dos manos juntas referencia típica de Sevilla.
La imagen de la Inmaculada se conoce en toda la
contrarreforma, está claro, pero esa imagen es básicamente una iconografía que
se asentar sobre todo eso en España. El concepto de la Inmaculada que se conoce
se va a dar casi solo en la Península Ibérica.
Que los dominicos estaban en contra de aceptar que María
fue concebida sin pecado original, dando lugar a un debate muy fuerte entre otras
órdenes religiosas y que llegaría a oídos del propio Ribera, contribuyendo a
ese bombardeo publicitario que se dio en Sevilla en 1613, en Sevilla justo
enfrente de la catedral hay una iglesia con una imagen de la Inmaculada en una
columna que muestra el concepto de cómo en Sevilla fueron los primeros en
aceptar el dogma de la Inmaculada Concepción incluso antes de ser dogma.
EL PATIZAMBO - Ribera
La imagen de este niño, es la imagen de una persona
traviesa, que si alguien se lo encontraba tenía que tener cuidado porque por lo
general eran niños de los estratos bajos de la sociedad y que tanto gustaban a
la clientela, porque no los tenían cerca y no se juntaban con ellos, el mundo
del s-XVII en el arte español también era muy curioso porque querían tener
gentes extrañas en sus casas, pero después no tenían contacto con ellos.
Si tenían algún tipo de alteración en el cuerpo mucho
mejor, como el caso del patizambo con esas piernas cortas, otras veces grandes,
gordas, eso era gracioso y atractivo para la colección de la nobleza y por eso
los pintaban.
La paleta de Ribera en los años 40 se había aclarado
muchísimo, pero aún así había tonos ocres y la influencia del fondo ya no era
Velázquez quién tomaba cosas de Ribera sino al contrario, porque se puede
observar que ese fondo recuerda mucho al Pardo, a esas pinturas de Velázquez de
los cazadores, y es probable que entre ambos surgieran debates y se conocieron.
Y puede ser, no seguro que en algún momento se
intercambiasen láminas, pinturas, estampas, etc.
MARTIRIO DE SAN FELIPE – Ribera – 1939 - Museo del Prado
Es una imagen similar a la de San Andrés y con esta pintura
consiguió el título de pintor sangriento y cruel, teniendo en cuenta la contrarreforma
año 39.
Ribera expresa en esta pintura una tensión del momento del
martirio a través de las cuerdas, de los brazos, y se pude observar la
influencia de Miguel Ángel a través de los músculos.
Los grandes maestros siempre tenían cabida en la pintura de
los discípulos, pues todos los pintores del s-XVII son en mayor o menor medida
alumnos de Miguel Ángel, porque llamaba mucho la atención.
Torso Belvedere – Museos Vaticanos - escultor ateniense
Apolonio de Atenas
Cuando llegase Velázquez a
Italia también mostraría influencia de Miguel Ángel a través de la pintura de
la túnica de José y en la fragua de Vulcano se ve ese concepto se todos los
maestros Miguel Ángel, Rafael, en el cuerpo con ese tono del Belvedere haciendo
que la pintura de Velázquez sea una pintura exquisita y uno de los mejores
pintores universales.
SUEÑO DE JACOB (1639) – Ribera – Museo del Prado
Esta obra es una referencia a ese mundo interior, mundo de
la mente, mundo psicológico, que se tocaría a partir de la ilustración y de un
conocimiento más interior, pero en este momento se está expresando un sueño en
ese rostro más allá de la vida que se mete en el mundo de una persona que está soñando
y durmiendo, con ese rayo que da directamente a Jacob y que lo engloba en una
pintura religiosa al impactar directamente esa luz con el personaje.
Los pintores del s-XVII no suelen dar referencias a
pinturas religiosas si no se marca expresamente o través de cosas muy
puntuales.
Velázquez va a ser una persona que no va a pintar casi pintura
religiosa, hay muy pocas referencias a esa pintura, él sobre todo hará retratos.
JUAN JOSÉ AUSTRIA (1648)- Ribera
Esta obra está en el Palacio Real, este hombre tuvo mucha
suerte y eso le vino muy bien a Felipe IV.
Juan José de Austria fue su hijo reconocido en un momento
determinado que no se le iba a reconocer, pero le vino bien, por el panorama
que tenía el pobre Felipe IV con la muerte de Baltasar Carlos, el Próspero, y con
la llegada de Carlos II.
Felipe IV tenía cartas en las que expresa el dolor profundo
hacia la deriva que va a tomar la monarquía tras su muerte, porque él no
confiaba nada en su heredero, Baltasar Carlos, porque nació con problemas no
empezó a andar hasta los 8 años, iba en taca-taca, siempre le llevaban a
caballo, nunca iba solo y Mariana de Austria estaba continuamente con el niño,
posteriormente tenía problemas y sexualmente era muy activo y las damas de
palacio le tenían miedo, no querían verlo, y además tenía muchos problemas mentales
de lo que le habían contado, pues le dijeron que estaba endemoniado, le
acostaban con la momia de San Diego de Alcalá, para que le sanara, dormir con
reliquias, etc. y todo eso le afectó psicológicamente, tam
La salvación de la monarquía era Juan José de Austria que,
sin considerarse valido, lo fue, con Valenzuela que posteriormente hicieron que
la monarquía de los Austrias sea un leve recuerdo de lo que había hasta en la época
de Felipe IV.
Estos tenían problemas importantes por parte de Cataluña,
Portugal, Italia, el conde duque estaba tan desesperado que se quería tirar por
una ventana, pero esos problemas no eran nada comparados con los que tendría la
monarquía española con Carlos II que ya era agónica.
Actualmente se está estudiando el tema de una manera más
sosegada, fuera de esos términos del s-XIX y XX e intentando dar una visión
distinta de Carlos II ya que parece que no fue tan tonto y que se hacía el
tonto, porque así las cosas le iban mejor.
Mariana de Austria era una mujer muy importante para Carlos
II y era una persona muy buena, según fuentes era adorable, siendo la mujer
perfecta hasta el propio Felipe IV lo dijo. Es la mujer perfecta sino fuera
porqué fallé a quién no tuve que fallar, refiriéndose a Isabel su anterior
mujer, pero estaba profundamente enamorado de Isabel, y fue tan infiel que
cuentan que tuvo más o menos 40 hijos ilegítimos.
Arrepintiéndose después de que muriese Isabel y quería
mucho a su sobrina Mariana de Austria, pero no estaba enamorado de ella, pero
aun así decía que era una mujer perfecta, porque le entendía, le atendía, era
cariñosa, y adorable, y como eran familia los genes se juntaron y nació Carlos
Baltasar.
FRANCISCO ZURBARÁN
Fue contemporáneo de Velázquez, siendo un personaje bastante
curioso, nació en Fuente de Cantos de Badajoz, allí vivió poco tiempo, porque su
formación fue en Sevilla, considerado sevillano de formación.
Típica Casa de la zona donde nació, pero tuvo su taller en Llerena,
formándose como pintor una iniciada su formación en Sevilla volvió a su región
para después de un tiempo volver para Sevilla.
Ya que era el lugar donde tenía su clientela, como los
monjes de la Merced, que le encargaron que hiciera grandes obras de arte y
sería allí donde tuvo su formación.
Antes de instalarse en Sevilla definitivamente, fueron esos
monjes de la Calzada que le encargaron hacer una serie de lienzos, siendo
lienzos que generalmente se solían poner en las pandas de los claustros de los
monasterios. Por ejemplo Vicente Carducho que fue un pintor de grandes círculos,
en el Paular hizo muchas pinturas que se recuperaron hace poco tiempo y que
recorren todas las pandas del Paular.
Convento de la Merced (Sevilla) – Sevilla
La mayoría de las pinturas que se pidieron a Zurbarán
estaban en este claustro, estas pinturas son muy importantes y famosas.
VISIÓN DE SAN PEDRO NOLASCO – Zurbarán – Museo del Prado
Se encuentra en el Museo del Prado. La mayoría de pinturas
están en ese museo, porque con la desamortización se llevaron al museo de la Trinidad
que pasaría ser parte del museo del Prado.
Las características principales de la figura de Zurbarán, que muestran como era el
pintor, era una persona que pintaría en un momento determinado y fue hijo de su
época, posteriormente Zurbarán no prosperó, pues en el momento en que en Sevilla
le salió un competidor como Murillo, Zurbarán se quedó con unos pocos clientes
y con pocos encargos y sobre todo su pintura la llevaría a las Indias, al Nuevo
Mundo , porque la religiosidad allí seguía siendo muy parecida a la que estaba
en España en el s-XVII, siendo una religiosidad muy profunda, muy
contrarreformista.
En España iba cambiando y cada vez se necesitaban cosas
mucho más claras, con mucho más sentimiento, mucho más profundo, no una
contrarreforma por la contrarreforma, entonces aparecieron Murillo, la Roldana,
que eran mucho más sosegados y delicados.
Monumentalidad en sus figuras, un caravagismo muy distinto,
no tiene nada que ver con un tenebrismo claro, acartonado, y un tanto frío,
este pintor era un teórico.
Las figuras vana a ser, figuras donde se va a marcar las
formas y los perfiles sobre todo en la vestimenta, figuras fuertes, figuran que
están pegadas al suelo, como un tronco, como se puede observar tanto en San
Pedro como en el ángel se puede observar que son figuras pesadas, duras, imágenes
fuertes, porque Zurbarán por lo general se basa también en la escultura de ahí
esa influencia.
Aparición del apóstol San Pedro a San Pedro Nolasco –
Zurbarán
Otra pintura importante que también se encuentra en el
museo del Prado, esta es probablemente la más importante.
Zurbarán fue olvidado en el s-XVII, XVIII, XIX, y fueron
los neoclasicistas impresionistas los que pensaron que Zurbarán tenía muchas
posibilidades y cuando vino Mané a España y se comenzaron a interesar por ese
realismo español, con un concepto historicista que en España aparece
posteriormente las pinturas famosas como Julio Romero, etc. que hablan de la
España como una potencia a través de la contrarreforma y poder resucitar, es el
momento en el que Zurbarán vuelve a resurgir, al igual que Velázquez, el que
nunca desapreció fue Murillo que apareció en el s-XVII y fue un pintor universal hasta muchos años
después.
Esta pintura es sencilla, porque a Zurbarán le dicen que
tiene que ser un mensaje sencillo para que se entienda en un momento determinado.
Solo una o dos figuras, nada de mensaje completo y si hay fondo
que sea neutro o un poco dorado para marcar que es una imagen religiosa.
Zurbarán lo que hace es que lo sagrado lo hace cotidiano,
hasta tal punto que es tan divino lo que hace y con tanta sencillez que hasta
un bodegón es a veces hasta divino.
Lo hace porque asemeja todo a la imagen del cordero, lo
asemeja a la imagen que tenían los paleo cristianos de la imagen del Buen
Pastor con un mensaje que hubo en esa época, del primitivo cristianismo, de la época
del imperio.
EL AGUADOR DE SEVILLA – Velázquez
VIEJA FRIENDO HUEVOS – Velázquez
En 1629 ya Velázquez había hecho la vieja de los huevos, el
aguador de Sevilla, por tanto, su influencia ya era patente en los primeros
pintores contemporáneos.
Zurbarán conocía a Velázquez que le llevaría la corte, a
Alonso Cano, etc. pero Zurbarán era una persona que era consciente que su pintura
era limitada a las órdenes religiosas y en 1629, se instaló definitivamente en
Sevilla y como había entrado en contacto con otros pintores, como: Herrera el
Viejo, Roelas que estos dos marcarían el paso hacia el Barroco en Sevilla, los
dos hacen grandes imágenes para retablos, Roelas trabajaría para la Iglesia de
la Anunciación en Sevilla, trabajando también en pinturas y en yeserías a
principios del s-XVII.
Algunas de las pinturas que habían venido de Ribera
influirían en el propio Zurbarán a la hora de representar alguna imagen.
FRAY PEDRO MACHADO – Zurbarán
Se encuentra en la Academia de Bellas Artes de San Fernando
de Madrid, y en la que se puede observar la influencia de Ribera en una imagen
monumental como hacía Ribera y lo acartonado de Zurbarán y lo suelto y pincelada
libre de Ribera.
La pintura transmite el mensaje de esa frialdad de
Zurbarán.
Está en el Museo de Bellas Artes de Sevilla, donde se puede
comprobar como es un pintor totalmente académico, frio e hierático en muchas
ocasiones y al pintura de Zurbarán ha quedado desapercibida por ser un pintor religioso.
SAN SERAPIO – Zurbarán
Zurbarán tuvo un momento de suerte y en un momento
determinado estaba Velázquez, que en su época movía masas, porque tenía cosas
muy buenas para algunos pintores y muy malas para otros.
Para los que no tenía cosas buenas era porque le había quitado
el puesto de pintor del rey, como era el caso de Vicente Carducho.
Para los demás por lo general Velázquez era bueno, era una
persona que ayudaba, y formaba parte de esa clientela selecta que había traído
Olivares de Sevilla.
No se puede hablar de Velázquez como un amigo de Olivares,
pero sí tenía más favor que podría tener otro pintor, Zurbarán llegó en 1634 a
Madrid a instancias de Velázquez y probablemente el conde duque lo quería como
su pintor.
Olivares quería un pintor para él, dicen que lo hizo como
una estrategia política, para decir que era importante y por eso tenía hasta
pintores.
SALÓN DE REINOS – PALACIO DEL BUEN RETIRO
A Velázquez en 1634 le llamaron para trabajar en el Palacio
del Buen Retiro e hizo las figuras de Hércules, y se volvió otra vez al sur,
primero a Jerez de la Frontera para trabajar en la Cartuja, y después para
Cáceres a la sacristía de Guadalupe.
Para el Monasterio de Guadalupe se le encarga la vida de
los Jerónimos ya que eran muy importantes para la monarquía, porque en los Jerónimos
en Madrid habían sido los que llevaban el asunto dela jura delos príncipes y se
encargaban de ese momento tan especial en su cuarto de San Jerónimo, y le
encargan ocho lienzos de la vida de la orden con un sentido narrativo.
SACRISTÍA MONASTERIO GUADALUPE
Es un Monasterio muy bonito con un claustro muy especial, que
muestra el concepto mudéjar, extremeño.
Hizo esas pinturas de las que destacan:
FRAY GONZALO DE ILLESCAS
(1639) - Zurbarán
Zurbarán cuando no sabía hacer algo, lo enmascaraba con
cortinas, la mayoría de los retratos de Velázquez con cortinas son de personas
que formaban parte de su círculo y el solo pintaba la cara y las manos.
Velázquez tenía un taller importante en la corte en el que
se encargaba de realizar las partes más importantes de la obra que era la cara
y las manos, pero el resto lo hacían otros artistas, y eso hay que tenerlo en
cuenta, y uno de los recursos usados por los otros artistas eran las cortinas
barrocas que quitaban perspectiva, profundidad y la gente ya se fijaban en lo
que debían.
Zurbarán era un poco acartonado, pero el Fray Gonzalo de
Illescas, era un retrato sorpresa.
BODEGÓN MÍSTICO - Zurbarán
Es un bodegón porque con muy pocos objetos dice mucho sobre
todo con el concepto de vanitas, del tiempo que se marcha, que es fugaz, y que
a todos más tarde más pronto le llega, reflejando la muerte muy bien.
LAS TENTACIONES DE SAN JERÓNIMO – Zurbarán
Otra de las pinturas es sobre las tentaciones, este lienzo
es un mensaje caravagesco, filtrado por los de la escuela de Artemisa Gentilescci, que usaban esos
instrumentos y Borgiani vino a España, trabajaban esa pintura, y Zurbarán lo
hizo porque lo vio en Madrid.
SAN FRANCISCO MEDITANDO – Zurbarán
Zurbarán tenía un concepto de pintura tenebrista.
COMIDA DE LOS CARTUJOS – Zurbarán
Esta obra la hizo para Santa María de las Cuevas de la
Cartuja de Sevilla.
Se puede observar que la perspectiva y la profundidad está
muy mermada, sobre todo en la representación del personaje central que es mucho
más pequeño, no ha jugado con la perspectiva, creando una imagen extraña.
LA VIRGEN DE LA CUEVA – Zurbarán
La creo también para la Cartuja.
Zurbarán lucho mucho para conseguir un puesto, pero más allá
de Sevilla, no hacía nada.
La cara de la Virgen se queda fuera delo plano no
transmitiendo el sentimiento, los personajes quedan descolocados, parece que
puso los monjes y después puso a la Virgen por encima, no crea capas en la
pintura.
Velázquez sabía crear las capas y transmitir, ese paso
entre capa y capa dando sensación de profundidad y lejanía.
Zurbarán no sabe, y pone un fondo dorado, dando la sensación
de un Giotto o pintores del treccento italiano, cuando esto ya estaba superado,
Zurbarán no sabía.
INMACULADA – Zurbarán
Esta Inmaculada de los años 30 se basa directamente en Pacheco,
por el manto azul, túnica roja, cara de niña, las doce estrellas, la luna
invertida,la Giralda al fondo, un concepto de nubes muy barrocas y especiales,
y la cara tan bella que supo hacer.
EL BODEGÓN DIVINO - Zurbarán
Un fondo oscuro y una mesa gris es el escenario donde se
expone el motivo único del cuadro: un cordero merino de entre ocho y doce meses
de vida. Se encuentra todavía vivo, tumbado y con las patas ligadas con un
cordel, en una actitud inequívocamente sacrificial, que recuerda famosas
imágenes de santos martirizados. Esta pintura no es la única de
tema similar que realizó Zurbarán, pues se conocen otras cinco versiones de su
mano con algunas variantes iconográficas que testifican lo bien aceptada que
fue esta representación por una clientela.
BODEGÓN CON CACHARROS – Zurbarán
Es una obra sencilla, con cuatro objetos objetos de la
vajilla tradicional y la luz como únicos protagonistas.
Uno de los pocos bodegones conservados del pintor
extremeño, apreciándose el crudo realismo y la ternura por las pequeñas cosas
cotidianas, que dan como resultado un misticismo rústico y de hermosa solidez.
ALONSO CANO
Se formó en Sevilla con Francisco Pacheco que era maestro
de Velázquez y de Alonso Cano.
Alonso Cano nació en 1601 y Velázquez en 1599, son de
parecida edad, y el taller de Pacheco se situaba en la calle de Trájano, cerca
del Gran Poder, yhoy se llama San Francisco de Borja.
Retablo de San Juan Evangelista de Sta. Paula (Sevilla) (1624)
– Alonso Cano
Una de las primeras pinturas que se conservan del artista, en
las que más delante se podrá apreciar como ira variando y cambiando a medida
que va pasando el tiempo.
Como se puede observar es una imagen todavía dura, que
muestra influencia de la pintura de Velázquez ese primer Velázquez de la Vieja
friendo huevos, de la adoración de los Reyes, del Aguador, etc.
El primer gran maestro de Alonso Cano le inculcó las mismas
enseñanzas que había inculcado a Velázquez siendo mejor pintor Alonso Cano
pero, que además de pintor fue arquitecto y escultor.
Alonso Cano pintó para el Monasterio de Santa Paula el
Retablo, pero las pinturas se encuentran repartidas por diferentes museos tanto
de Sevilla como en París, y eso solía ocurrir cuando llegaron a Sevilla los
franceses, que en ese momento el que estaba en el Cabildo Religioso de la
Catedral, pidió que se guardaran todas las pinturas porque si no se iban a
llevar absolutamente todo, y hoy día todas las pinturas que se ven de Murillo,
Zurbarán o Alonso Cano fue porque se guardaron ante la invasión francesa, sino
muchas de ellas estarían hoy Francia.
También hubo un expolio universal para las colecciones
privadas que muchas de las pinturas de Alonso Cano no se saben dónde se
encuentran.
San Juan Evangelista exorcizando al demonio- Alonso Cano
Retablo Santa Paula
En esta obra se puede comprobar que sigue siendo una
pintura muy velazqueña ya que estaba muy influenciado por Velázquez en el primer
Alonso Cano.
En la obra se ven esos tonos marrones y grisáceos con un
fondo totalmente neutro, en ese modo de concebir la cabeza y los brazos, es
totalmente realista cotidiano, solían ser figuras tomadas de la sociedad, que
era lo que gustaba en el ese momento en Sevilla, y había pasado ya el
manierismo y estaba llegando un barroco cada vez mucho más parecido a lo que se
había producido en Italia hacía ya muchos años con el caravagismo, en Sevilla
estaría influenciado por la figura de Ribera y por también por el realismo que
vino desde los Países Bajos.
MAQUETA ALCÁZAR de Madrid
Se supone que así debería ser el Alcázar, esta es una
reconstrucción. Alonso Cano vino a Madrid en 1638, a instancias del conde duque
de Olivares nombrándole pintor de su excelencia el gran conde duque, y estuvo
trabajando en el Alcázar juntándose directamente con Velázquez, los dos amigos
que se habían formado en el taller de Pacheco.
Alonso Cano tuvo éxito sobre todo teniendo en cuenta que
estaba patrocinado por Olivares.
DOS REYES GODOS DE ESPAÑA – Alonso Cano
Pintó una imagen de los Reyes Godos, esta imagen está hecha
para ser vista desde arriba, y está vista desde abajo, por eso las figuras son
grandes y el cuadro también es muy grande, y están pintadas según la moda del
s-XVII que era el estar gordo, pues era un símbolo de nobleza, riqueza, de
buena salud, pero estaban muy enfermos la mayoría.
También estaba de moda tener la piel blanca, el blanco
radiante se conseguía comiendo arcilla, barro líquido, y en el s-XVII tenían la
costumbre de que ser guapo era estar blanco y si no se era blanco es que se era
un campesino, por lo que las nobles y mujeres sencilla no campesinas, pusieron de
moda en Madrid beber barro y cerámica, teniendo mucho prestigio la cerámica
portuguesa, y a medida que tomaban arcilla se iban poniendo más blancos porque
estaban anémicos.
La copa de la Infanta Margarita de las Meninas de Velázquez
hay un debate si es chocolate o barro, pues ambas cosas eran una adicción para
las nobles del s-XVII.
Como comían tanto chocolate tenían muy mala dentadura, y como
los efectos del barro eran muy malos, llamaban mucho al médico por la anemia y
problemas intestinales, estaban débiles, sufrían de mareos, se desmayaban, se
caían y generalmente le solía ocurrió a las mujeres.
También había hombres coquetos que bebían barro, llamados
los LINDOS, que eran una hombres que tenían un bigote hacia arriba, tenían el
pelo largo, y esas tendencias venían de Francia y de Italia como por ejemplo Richelieu
o Buckingham que era un valido, Olivares tenía un problema de alopecia, y para
ser un lindo llevaba peluca.
Los médicos del s-XVII no sabían mucho y colocaban
sanguijuelas para hacer una sangría y para la caries ponían alcohol, o tomaban
bebidas alcohólicas.
El remedio del medido era fundir o calentar una barra de
acero metiéndola en agua y se bebían el agua, para que surgiera efecto debían
PASEAR EL ACERO, y eso era pasearse por el Paseo del Prado para ir bebiendo la
medicación, porque necesitaban hierro para quitar la anemia, y paseando por el
Prado aprovechaban la ocasión para el flirteo, y quedaban para verse.
Eso dio para la trama de una mujer que hizo simular que
tenía el MAL DEL BARRO, para verse con su amado todos los días y pasear el
acero y LOPE DE VEGA lo plasmo en su obra: EL ACERO DE MADRID, donde se ve la
costumbre de beber acero en Madrid.
Olivares era gordo, porque le gustaba comer mucho y cuando
era joven montaba a caballo hasta que tuvo un accidente y con el paso del
tiempo engordó. La gente decía que era una persona con muchos cambios de humor
muy fuertes. Hay una pintura de Olivares que no se sabe si ese lienzo era de
Alonso Cano.
Olivares por la noche solía estar despierto, pue son dormía
y cuando le llamaban por la noche salía corriendo y en 1623 vino Buckingham el rey de Gales a Madrid, porque quiso
pretender a la hermana de Felipe IV a
María y ella no quería casarse con él porque era anglicano y Olivares hizo todo
lo posible para que no se casaran y le hizo jurar que se convertiría al
catolicismo no acepto volviéndose para Inglaterra sin María.
Una noche cuando le avisaron Olivares tuvo que salir
corriendo al encuentro del rey salió con camisón y con un gorro pues en privado
cuando se quitaba la peluca siempre llevaba un gorrito. En esta época los
hombres eran muy coquetos.
Los religiosos criticaban mucho los bigotes cargos, con
caracolillos, porque era cosa del diablo y que era pecado comer chocolate y
fumar, mascar, o esnifar tabaco.
El chocolate bebido lo inventaron unas monjas en Oaxaca en
México llegando a España y la gente estaba anonadada con ese sabor tan rico.
El tabaco era peor todavía, porque causaba adicción y los
religiosos lo veían como algo diabólico.
En el s-XVII la sociedad tenían muchas adicciones también a
la prostitución, al juego, a la bebida habiendo en Madrid 300 tabernas que en
1561 no tenía más de 60.000 habitantes era muy elevado el número de esos
establecimientos dónde también comían la sopa boba, las gachas, y la olla podrida cada uno en su
nivel, ya que la de los ricos tenía guarro, capón, etc.
Rey de España – Alonso Cano
Alonso Cano, pintó una serie de reyes que fue desde los
reyes godos a la época de Felipe IV, y que rodearía uno de los salones del Alcázar,
en esta época los Austrias se veían como herederos de los Godos, se olvidaron
de los árabes no teniendo nada que ver con ellos, considerándose solo herederos
de los griegos, romanos, godos y tenían la idea de que estos vivían muy bien y como
querían asemejarse a esa monarquía que les había arrebatado a los árabes el
derecho a gobernar, cuando invadieron España en el 711.
La imagen es de grandeza, gigante, dando un mensaje de
autoridad como ocurría en el Palacio del Buen Retiro.
MILAGRO DEL POZO – Alonso Cano – Museo del Prado
Mientras San Isidro trabajaba su hijo que se cayó al pozo,
su mujer y él se pusieron a rezar junto al pozo y pronto el nivel del agua
comenzó a subir hasta que el niño salió a la superficie. rescatándole vivo y
ese milagro fue muy importante para Madrid, por ser de San Isidro que era su
Patrón.
Esta pintura es de 1640, veinte años después de canonizar
al Isidro y que además fue muy importante por estar puesta en la capilla Mayor
de la Iglesia de la Almudena, encargada por la reina Isabel de Borbón, se cree
que no la encargó a Velázquez por la cantidad de encargos que tenía y por esa
razón la encargó a Alonso Cano seguramente por mediación de Olivares.
La imagen ya no tiene nada que ver con sus primeras
pinturas, ya son imágenes donde se puede ver con que delicadeza trata el
rostro, el cuerpo, son imágenes totalmente realistas, tenebristas y estaba
diciendo que conocía todas las formas italianas y podía demostrar que conocía a
Miguel Ángel, las obras de Velázquez que había venido de Italia, y podía hacer
una escena costumbrista de un milagro.
MUERTE DE CRISTO – Alonso Cano
El Cristo muerto sostenido por un ángel básicamente era
algo distinto por ser una imagen un poco más divina sobre todo por ese color
blanquecino de Cristo, haciendo que la atención vaya directamente a esa imagen,
pero después es sobresaliente como hizo esa delicadeza con el rostro del ángel
que es totalmente bello, que muestra el concepto sin sexo, con un punto
femenino a la vez de masculino, y que está volando de una manera muy delicada,
pero a la vez muestra una pintura muy dinámica, con un fondo con una luz
preciosa, que es una luz rosada que muestra la belleza mostrando el
conocimiento de la profundidad y del cielo, como lo tenía su amigo Velázquez y
maestro, al que se asemeja mucho en las nubes que hace Velázquez en los
retratos de los reyes.
LA VIRGEN Y EL NIÑO – Alonso Cano
Es una Virgen que inspira dulzura, mostrando una ternura de
una madre hacia un hijo con la forma en que lo mira creando una ternura entre
la madre y su bebé que es tan bonito, que solo lo podía hacer Alonso Cano,
porque Velázquez no era capaz de hacer ese sentimiento, por eso el verdadero
afectado de Velázquez fue Alonso Cano que creaba con mucha delicadeza a los
niños siendo uno de los pintores más sobresalientes de España y que poco reconocimiento
tiene, hasta tal punto que fue pintor de Olivares pero nadie sabe que ocurrió
con Olivares, si le encargó pinturas o no.
Se puede observar en la obra como conocía la pintura de
Perugino con esos árboles finos, no lo conocía físicamente, pero sería a través
de estampas y además la corona hecha a través de las estrellas que a la vez
muestra como se funde con el cielo oscuro en la que la corona forma parte de la
constelación de estrellas, jugando con la profundidad para convertirla en
corona.
Se observa la delicadeza que tuvo a la hora de hacer la
bruma en una noche calmada, casi no hay pintores que hayan creado pinturas de
noche pues es muy difícil y por lo general las pinturas suelen ser de día, es
una noche dulce que da un mensaje que acompaña todo, y se puede ver otra vez de
nuevo a Leonardo Da Vinci en su Anunciación en la que se ve cono estudiaba la
botánica, las flores y las plantas, en esta obra está.
Alonso Cano sin irse de España fue un pintor italianizado,
pero no hizo mitología porque eso requería otro conocimiento que no tenía, fue
un pintor que ese basó en las estampas, por eso tenía tanta influencia de
Italia, porque muchas de sus pinturas tomando brazos, manos y cabezas de las
estampas de otros pintores del norte, etc. por eso en ocasiones parecen copias
de pinturas italianas, pero no, era porque se basaba en esas escenas.
LA ALHAMBRA DE GRANADA
Alonso Cano quería convertirse en Canónigo de la Catedral
de Granada, tuvo contactos con la élite de la Catedral y lo consiguió, pero no
en su primer viaje, sino en el segundo.
Después del primer viaje a Granada volvió a Madrid, estuvo
un tiempo y a su vuelta a Granada donde viviría hasta su muerte.
Alonso Cano nació en Granada, fue a Sevilla, a Madrid, a
Valencia, volvió a Madrid, fue a Granada, volvió a Madrid y muere en Granada,
ese fue el periplo de Alonso Cano.
En Granada le encargan que haga en la cabecera de la
Catedral, aparte de la fachada que realizó como arquitecto, donde se refleja la
vida de la Virgen, realizado esas pinturas.
LA VISITACIÓN - Alonso
Cano
Estas pinturas son monumentales y entre ellas la Visitación
que es una referencia clara a la imagen romana que se tiene en la mente de esos
pintores que realizaban unas imágenes de las grisallas, la representación de
los templos griegos, la representación de los grutescos en el mármol, en una
escena que ellos asimilaban y se representaba en el mundo antiguo.
La representación de la Inmaculada totalmente distinta
porque no tenía nada que ver con lo que decía su maestro, siendo mucho más
fuerte, con unos rasgos mucho más avanzados.
Alonso Cano fue gran pintor que estuvo en Madrid, y cuando
le dicen a Olivares en 1643 que tiene que dejar la corte Alonso Cano dejó de
ser su pintor y siguió trabajando, si hubiese sido pintor de Lerma hubiera
caído bastante mal.
VIRGEN DEL ROSARIO – Alonso Cano
Esta obra está en la Catedral de Málaga en la que se puede
observar la delicadeza, belleza y dinamismo barroco que iba teniendo la pintura
de Alonso Cano, a medida que iba avanzando en el tiempo y se iba alejando del tenebrismo
inicial.
En esta época Olivares seguía incordiando, y Alonso Cano le
cayeron todos los problemas después del exilio de Olivares, cuando se supone
que mató a su esposa, cuando se fue a Valencia y volvió siendo una época
difícil y de tambaleo artístico, porque Olivares le dio una gran seguridad como
todo gran comitente.
