PINTURA RENACENTISTA s-XV – Artistas – guadahumi3
23 de Octubre 2018
AUTORETRATO DE BOTTICELLI
Botticelli es un apodo que significa “botijo” su nombre era
Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi y le apodaron de esa manera porque su
hermano era gordito y bajito y se le puso ese mote a la familia.
Botticelli fue muy importante para la pintura del s-XV y en
Florencia por marcar la diferencia el artista más mitológico de su época, como
por ejemplo Massacio hacia pintura religiosa, Botticelli también la hacía pero
sobre todo se basaba en la pintura mitológica como la Primavera o el nacimiento
de Venus.
Botticelli era un artista de élite de los Medici y de las
personas pudientes, sus pinturas eran incomprensibles para las clases populares
al tener que conocer mitología y los mitos griegos.
Botticelli tuvo un problema en su momento al sobrepasar la
línea de lo correcto y lo incorrecto sobre todo en el tema del desnudo, aunque
no solía hacerlo muy provocativo, pero en Florencia hubo un momento en el que
los Medicis fueron expulsados perdiendo ese esplendor, las ciudad las Hogueras de la Vanidades fueron invento de Savonarola, en las que se pidió que se quemaran todos los
libros y aquellos cuadros que estaban fuera de lo que debía marcar una sociedad
cristiana, Savonarola era un predicador que acabaría en la hoguera en la Plaza
de la Señoría.
Botticelli vio como muchas de sus pinturas fueron lanzadas
a las hogueras de las vanidades, acusándole de sodomía, pero al final no fue
juzgado, su vida siempre estuvo ligada entre el bien y el mal, por lo que su
pintura estaría en esa línea.
REBELIÓN CONTRA LA LEY DE MOISÉS - Botticelli
Además hizo pintura religiosa, como se observa en esta obra
en la que presentó un escenario clásico del imperio romano, siendo un momento
importante para él al demostrar su conocimiento sobre el imperio y sus
técnicas, usando todo lo que se estaba expandiendo en el momento que era el
Arco del Triunfo que estaban por todo la Península Itálica, se puede ver una
reinterpretación del arco de Constantino, etc. siendo un arco más barroco que
el arco de Tito que era mucho más clásico, pero da la sensación de ser un arco
de Septimio Severo, porque en la Capilla Sixtina Miguel Ángel no fue el único
pintor, pues los paneles que están alrededor de la capilla fueron realizados
por pintores en el s- XV como Botticelli, Ghirlandaio, Perugino, Rafael, etc.
que formarían parte de la escuela del quattrocento auque sería Miguel Ángel
quien acabaría la cúpula de la Capilla Sixtina.
La pintura de Botticelli es una pintura dinámica, enérgica,
y movimiento, sobre todo tomando lo que y había aprendido de Masaccio de
colocar historias en distintos puntos cronológicos explicando una misma
historia que ocurría en distintas etapas en el mismo lienzo.
Lo importante de Botticelli es el punto de fuga marcando muy
bien la perspectiva ya que la conoce, aunque haciendo la perspectiva solo en ocasiones, soliendo
usar escenarios de vegetaciones para evitar hacer profundidades.
En esta obra de Moisés se ve claramente como las personas están
mirando para introducirnos directamente en la obra, se puede ver el arco del
triunfo, los arbolitos que eran propios
de la Roma de Perugino de ese momento, que era el maestro de Rafael.
En el lienzo se observa que pintó a grandes artistas como
Rafael, Leonardo y Miguel Ángel vestidos al estilo de la época del s-I, moda
romana, aunque la escena era anterior, pero ellos no tenían una cronología muy
marcada del antiguo Testamento y todo lo que era de esa época lo colocan en el
mundo romano, pues todavía deberían aprender mucho de ese mundo, marcando claramente
las ruinas romanas pues en ese momento.
Sin embargo, a la izquierda pintaría un edificio de la
época renacentista jugando con el concepto de Masaccio.
ANUNCIACIÓN – Botticelli – Uffizi – Florencia (1485–1490)
Botticelli marcó los sentimientos en el rostro como de
alegría, de pena, o incluso de sorpresa como ocurría en esa obra de la Anunciación
de María donde se observa una Virgen representada con cara de sorpresa cuando
en ángel la anuncia que será la madre de Dios. Botticelli aprovecharía ese
momento para marcar una distancia con los brazos, jugando con el mundo del
escorzo y del volumen que hasta ese momento no habían usado muchos artistas,
haciendo que a través del suelo marcaría la perspectiva hacia el fondo con una
profundidad marcada sobre todo en el árbol que es el que marca la lejanía, esa
idea estaba tomada directamente de los primitivos pintores flamencos que ya
eran conocidos en ese momento.
Otra noción interesante es el velo transparente en el ángel
y la virgen que es tan importante en Botticelli, teniendo sus pinturas vestidos
elegantes a la vez que sensuales, otra característica son los vientres abultados
como se observa en ángel y la Virgen.
Hay una gran diferencia entre las alas de Botticelli y las
alas de Fra Angelico como se puede observar, por lo tanto, muchos años después el
mundo de la naturaleza, animales, mitología, etc., se conocía mucho más que en
el tiempo de Fra Angeluico, teniendo en cuenta que 1489/90 era una época contemporánea
con Leonardo Da Vinci.
Leonardo en esa época estaba empezando y era un aprendiz,
pero como poco a poco la ciencia iba avanzando y se notaba a través de las
pinturas.
LA PRIMAVERA – Botticelli – Uffizi – Florencia - 1478
Esta alegoría es una de las pinturas más importantes de
Botticelli dando a entender que era el renacer de una época y de nuevos
pensamientos, nuevos conocimientos como el humano, científico, cuerpo, que era
todo lo que se había perdido en la Edad Media se volvió a tomar, viendo esta
pintura como algo más allá de una alegoría de algo mitológico.
La primavera siempre representada como alegorías mujeres, y
en este caso en el Juicio de Paris, están representadas las tres gracias, diosas
del hechizo, la alegría y de la belleza, siendo un elemento fundamental en la
pintura mitológica a partir de ese momento pro ser la representación de las
tres mujeres que moviéndose en corro darán la oportunidad a los artistas de
hacer movimiento, dinamismo, realizar contrapposto.
Se puede observar que Botticelli se atreve a poner un semidesnudo
en Paris ya que en los hombres no estaba mal visto que se hiciera al no
considerarse erótico, siendo en las mujeres más difícil, pero él jugó con
transparencias para que no le pudieran juzgar por un desnudo pues no estaban
desnudas, pudiéndose ver claramente a través del velo la desnudez del cuerpo.
El putti, ese angelito tomado directamente del mundo romano,
como eran los cupidos, pasaría a ser un angelote prácticamente religioso, por
lo tanto en la pintura de Botticelli se va a mezclar lo que se conoce como la
Pintura del Humanismo Religioso.
Flora, Eolo, etc. son alegorías que aparecen constantemente
en sus pinturas, permitiendo a Botticelli realizar trajes con una gran elegancia
y representación vegetal.
Botticelli no realizó grandes perspectivas, sino que eran
escenarios básicamente cubiertos de árboles, haciendo que no le permita
realizar perspectiva que no conocía muy bien.
En la primavera pintaría árboles y manzanas, y en la escena
se observan a las tres grandes diosas disputándoselas.
Ese mito del juicio de Paris sería muy importante a lo largo
de los años, casi todas las pinturas de Botticelli se encuentran en la Galería
Uffizi de Florencia.
Se observa en la pintura que la parte oscura estaba dando
paso a la primavera que era un momento claro de luz que iba anunciando que
pronto llegaría el verano, así mismo se ve como el otoño agarra a una de las
mujeres.
Una de las características de las figuras de Botticelli son
la riqueza de los trajes, las transparencias, vientres prominentes y los rostros ovalados.
NACIMIENTO DE VENUS – Botticelli – Galería Uffizi - Florencia
Otras de sus grandes pinturas donde se ve como Venus nace
una mujer adulta, siendo Afrodita la diosa del sexo, del amor lujurioso durante
la época clásica y en el s-VI, pero en el s-XVII se transformaría en la diosa del
amor.
Venus fue infiel a Vulcano como Boticcelli por las noches cuando se iba con otros dioses,
sin embargo, Botticelli tuvo que dar en ese momento un giro e hizo una
representación mitológica como una representación filosófica mezclando el
invierno, la primavera, el nacimiento de Venus, el nacimiento del amor, de un
sentimiento caliente, primaveral, siendo algo bonito y en esa noción se ve a
Venus vestida en representación de Flora, naciendo en una concha, naciendo de
la espuma, siendo una alegoría a las cosas bellas, dando una idea diferente a
lo que la diosa era.
Una de las máximas representaciones del renacimiento fueron
las conchas, las veneras que se irán representando no solamente en las pinturas
sino también en la arquitectura.
Se puede observar como Botticelli es un pintor que no
domina la perspectiva, ni la profundidad, lo que hacía era dejar en nebulosa ese
escenario, haciendo con agua horizonte totalmente azul.
La pintura de Botticelli es elegante, es preciosista, evidenciándose
en los pétalos de flores, ondas en el agua, los trajes de Flora y la vegetación
de las equinas.
La obra de Botticelli era una pintura para que disfrutara
la élite y personas que supieran entender el mito de Afrodita, de lo contrario
se disfrutaba de la belleza de Afrodita, de los rostros, de los trajes y las características
de su obra.
VENUS Y MARTE – Botticelli – 1483 - National Gallery de
Londres
En esta pintura se ve como la diosa Afrodita (Venus) no
está desnuda, sino e observa nuevamente esa muestra tomada de las famosas Venus
del mundo clásico como al de Milo que nunca están desnudas, siempre están
tapadas de manera muy pudorosa como el caso de Diana saliendo del baño, sin
embargo, en los hombres como en el caso del Fauno puede enseñar todo su cuerpo
al completo desnudo.
La pintura de Botticelli roza el erotismo con elegancia
pudiendo ser susceptible de ser nominada para las hogueras de las vanidades.
En la obra de Venus y Marte en uno de esos momentos donde
Afrodita le era infiel a Vulcano con Marte, se observa como ella está despierta
y Marte dormido se supone después de un encuentro amoroso, pensativa de cómo había
sido infiel a su marido.
De esta pintura cuentan que podía ser una representación de
Lorenzo de Medici, pues podía haber tomar como modelo a uno de ellos.
En la pintura se ven seres mitológicos como los pequeños
faunos con sus cuernecitos en una representación mitológica de los putti.
En algunos libros de corte machista, comentan que era una
representación de cómo la mujer está totalmente atenta al momento en que el
hombre duerme, velándole el sueño.
FAUNO BARBERINI - Gliptoteca de Múnich.
La representación de Marte viene directamente del Fauno,
representación de los museos vaticanos escultura post-helenística en la que
está representado a un fauno un ser mitológico con cuernos y en ocasiones con
pies de minotauro, que está durmiendo.
No cabe duda que tomó esta representación de un hombre
dormido despreocupadamente, piernas abiertas, en ese caso para los renacentistas
no era ofensivo, ni se consideraba erótico, aunque realmente era erótico pues
las personas de esa época tomaban esas figuras como si fueran revistas eróticas
de hoy día.
Con este tipo de obras Botticelli era difícil que se
salvara de las hogueras de las vanidades, pues algunas pinturas eran de
contenido muy fuerte para esa época.
LA CALUMNIA DE APELES –Botticelli – Uffizi – Florencia (1495)
Otra pintura de las importantes con la representación de
Apeles pintor de Alejandro Magno, uno de los pintores clásicos junto a Zeuxis y
Polignoto, los tres más conocidos de la época.
Botticelli representó lo que hizo en un momento determinado
Apeles. Una obra muy difícil y complicada por ser una Alegoría de la Verdad,
Sospecha e Ignorancia.
La verdad se encuentra totalmente desnuda, pues es como
siempre se representaba, pues la verdad no se oculta, pero las víctimas se iban
alejando poco a poco de la verdad a través de la compunción, calumnia, odio,
llegando a ser juzgados por la Sospecha y la Ignorancia de algo que no habían
cometido, como se puede ver la Calumnia y el Odio están llevando de los pelos a
la víctima alejándola de la Verdad que
está desnuda, en un escenario
totalmente clásico como es un templo que podía
ser del rey Midas tomando la referencia del mundo clásico llevando claramente a
una época muy oscura como era el s-XVII la época de la Inquisición, cuando la
calumnia era lo más cruel de esa época.
ARQUITECTURA DEL CINQUECENTO – RENACIMIENTO EN ITALIA
TEMPLETE DE SAN PIETRO IN MONTORIO
La diferencia entre el Barroco y el Manierismo.
El manierismo es un estilo que se daría a partir del año
1530 en el que sobre todo se deformarán las formas, se deformará la escultura,
la estructura de los edificios, hacer edificios mucho más caprichosos, les
ponen, sillares, los decoran, con jardines, etc.
La escultura la hacen con formas que son totalmente
irreales, esbeltas, con cabezas muy pequeñas y extremidades muy grandes.
La gran diferencia con el Barroco es que no cambia de
formas, el barroco añade decoraciones, escudos, esculturas en las fachadas,
escenografías en las fachadas, pero no cambia de formas.
Roma del s-XVI, el Cinquecento, es el siglo de las Luces
Europeas, siendo un siglo importante donde el Papado ejerce una gran
influencia, el Vaticano, siendo el Comitente principal de la ciudad de Roma,
había otros comitentes como eran las familias importantes en la que los
Barberini con el paso del tiempo en el s-XVII sería muy importantes.
El Cinquecento es un s-XVI que se dividirá en dos partes:
por una parte está el CLASICISMO, la época clasicista en la
que se van a asentar todas aquellas bases que se habían inventado en el s-XV y
que se había aprendido como por ejemplo con Brunelleschi, Botticcelli, Alberti,
Donatello, etc. en todas las disciplinas comenzándose a plasmas en el s-XVI.
1. CLASICISMO
- - Expresión de los estudios del quattrocento
- - Edificios con mayor escala y desnudos
- - Amortización antigüedad con humanismo cristiano (concordatio)
- - Unión de ciencia y arte (da Vinci)
- - Artistas intelectuales
Claustro pequeño del convento de Santa María de la Paz
(1500- 504). Bramante
ESCALERAS DE MIGUEL ÁNGEL – Biblioteca Laurenciana –
Florencia 1524
2. Manierismo (década 1520)
Della Porta – Portada il Gesú, Roma (1571-1575)
Había artistas que ya estaban cansados de todas esas
disciplinas, y de repetir siempre lo mismo, apareciendo unas mentes geniales
que investigaban poco a poco las pinturas, esculturas, raras, con otras
perspectivas apareciendo Miguel Ángel Buonarotti, y como pensaba que ya sabía
todo que debía saber dio un nuevo giro a la arquitectura que era totalmente
distinta a la anterior, sin despreciar a Brunelleschi, Alberti, etc., sin
embargo le daría una nueva perspectiva y una nueva manera “MANIERA” de hacer
arquitectura, de modo que la nueva maniera era el MANIERISMO.
El manierismo aparecería con Miguel Ángel siendo el Padre
del Manierismo, por ser un artista que conocía absolutamente todo, dando lugar
a ese manierismo a partir de 1525/30 que sería la frontera en la historia del
arte.
EL VATICANO – ROMA
Una de las principales fachadas relacionadas con el
manierismo, aunque en realidad era una fachada jesuita, una arquitectura
jesuita que marcaría la tendencia en Europa.
Se le llamó manierista porque se hicieron cosas diferentes,
apareciendo un escudo en la mitad rompiendo la perspectiva de la fachada,
también aparece un frontón triangular, rompe con una especie de dintel,
aparecen volutas, es un edificio esbelto, pero en realidad es una tipología de
fachada, como lo sería la fachada carmelita que era una reconstrucción de esa
misma fachada.
El clasicismo está en torno año 1525/30 se harán todo lo
que se había aprendido y se harán todo tipo de desnudos sin ningún pudor, los
edificios se harán a gran escala, pues hasta ese momento los edificios de
Brunelleschi y de Alberti , salvo San Andrea, San Andrés de Mantua que era un
edificio mucho más grande de Alberti, por lo genera los edificios eran mucho
más pequeños, a partir de ahora serán mucho más monumentales, llegando
finalmente al concordato humanista, que es la que une el humanismo por una
parte y por otra el mundo religioso, y eso vio claramente sobre las
arquitecturas de las iglesias, uniéndose la ciencia y el arte del que será
protagonista Leonardo da Vinci que fue una persona importantísima en el s-XVI,
pero no tanto en arquitectura por ser un arquitecto inventivo y que hacía las
arquitecturas en bocetos, ya que él se dedicaba sobre todo a la ciencia, a
conocer el cuerpo humano, a estudiar los
embarazos, haciendo pinturas de fetos,
bocetos de embarazos que estaba totalmente prohibido, pudiendo ser juzgado si se daban cuenta de
sus trabajos.
A partir de ese momento el artista sería intelectual,
siendo muy importante porque el artista durante la Edad Media era un mero
artesano y siempre pertenecía al gremio y nada podía hacer sin consultar al
gremio, nada podía hacer sin consultar al maestro, sin tomar en cuenta el
contrato, pero a partir de ese momento serán los arquitectos los que empezarían
poco a poco a abrir ese camino al
artista, siendo el primer intelectual, el pintor y el escultor habrá que
esperar a finales del s-XVII principios del s-XVIII ya con el ACADEMICISMO, que
marcarían el paso de artífice a artista.
A partir del s-XVI había dos principales representantes en
el mundo de los comitentes que había en los s-XIV y s-XV fueron los Medici y en
el s-XVII estarían los papas que en algunos casos venían del mundo del os
Medici, por lo general eran distintas familias que se disputaban el papado.
Lo que ocurría es que había guerras encarnizadas entre las
familias romanas para poder acceder al papado, familias como Los Farnesio, los
Barberini, etc. y todas estas familias comenzaron a llenar el Papado en el
s-XVII, pero que se estaban estableciendo en el s-XVI, era muy importante
llegar al papado porque era el lugar de la mayor expresión del arte, el Papa a
partir de ese momento sería el que llevaba a cabo el renacer de la Iglesia
dejando de ser simplemente un lugar culto o una institución para rezar y estar
con Dios, sino que sería una institución básicamente publicitaria, utilizando
esa publicidad a través de las obras de arte.
Papas Julio II y León X
Fueron los dos comitentes más importantes dela época, sobre
todo Julio II sería “amigo” Miguel Ángel y era comitente de Rafael, harían del
clasicismo su lenguaje oficial.
En España estaban los RRCC a principios del x-XVI con
Cisneros, los Austrias fueron conscientes de que el clasicismo no les representaba,
pues para ellos lo importante era el gótico que marcaba la religiosidad, con
esas vidrieras que daban un mensaje mucho más divino, por lo tanto, no llegaría
a España hasta el s-XVI con la llegada de Carlos siendo el momento en el que
pasan las tendencias más importantes, salvo excepciones que ocurrían por
ejemplo con los Mendoza en Guadalajara o en Cogolludo, pero para el Clasicismo
hubo que esperar a la llegada de Carlos I.
Los Papas eran más adelantados que los RRCC pues hicieron
del clasicismo algo que la Iglesia no debía haber tomado, por haber una lucha
continua entre el clasicismo, el mundo religioso, mundo romano pagano, pero los
Papas decidieron que sí depuraban el clasicismo con un mensaje religioso lo
podían utilizar.
MENSAJE DE GRANDEZA – Cúpula del Vaticano
El mensaje oficial que darían con el clasicismo sería de un
mensaje de grandeza, un mensaje papal, invitando a todos a estar unidos con
ellos, y no pensar en otras religiones, ellos hacían todo eso porque estaba
llegando el momento principal a principios del s-XVI de Lutero que explotaría
absolutamente todo y por lo tanto el papado sabía lo que estaba pasando, y fue
consciente de tener que llamar a los fieles.
Lutero pensaba que estaba usando la propaganda de poder
para llamar a los fieles con bulas y pagando reliquias sin saber si eran
ciertas, llenado las iglesias de oro, de mármol y eso para él no tenía sentido,
porque el papado lo que marcaba no era ser mensajeros de lo divino, del cielo,
sino que se mostraba la riqueza en la tierra, y la riqueza es algo efímero, y
se estaba dando más importancia lo que había abajo que a lo de arriba, y en se
momento se rompió.
La Iglesia dijo lo contrario apareciendo el BARROCO como
mensaje de contra-reforma absoluta, sí antes había santos en ese momento había
muchos más en el s-XVII, y en España muchísimo más.
BRAMANTE - Donato di Angelo di Antonio
Es el primer arquitecto del s-XVI con formación clásica
considerándose el padre del clasicismo de edificios con referencia al
cuattrocento, pero ya conociendo todas las características de la arquitectura.
Los primeros años los dedicaría a la pintura, pero cuando
los arquitectos se dedican a otra cosa que no sea la arquitectura no son
buenos, salvo Miguel Ángel que hace bien cualquier cosa, lo mismo ocurrió con
Bernini que se dedicó a la pintura pero no le salió nada bien.
1-PINTURA
BRAMANTE
ARQUITECTO
TÉCNICO PRÁCTICO
Como en la época del quattrocento
SANTA MARÍA PRESSO – SAN SATIRO – Milán 1478
- -Falso Foro
- -Iluminación óptica (perspectiva fingida)
- -Pintura al servicio de la arquitectura
- -Centralización del espacio dando importancia a la cúpula
- -Equilibrio del espacio
Bramante comenzaría su trabajo en Milán, siendo muy
importante por la Santa María de Leonardo y Bramante estaría dentro de ese
entorno que se desarrollaba a finales del s-XV y principios del s-XVI del joven
Leonardo.
ALTAR SAN SÁTIRO PINTURA FINGIDA
En esta iglesia haría una pintura que traspasaría los
límites de la realidad, era una pintura totalmente fingida y haciendo capillas
a través de la pintura, creando capillas que en realidad no existen, porque es
una pintura, en la bóveda de cañón se ve claramente que no es de verdad,
Leonardo acentuó esa especie de cúpula a través de una falsa cabecera o coro,
en la que asienta un altar y no hacía falta dar más profundidad a la iglesia,
pues a través de la pintura engañaría.
Bramante no conocía al cien por cien la arquitectura por lo
que tomaba como referencia a los artistas del quattrocento como a Piero della
Francesca, Brunelleschi, Alberti, y a los romanos, había una técnica romana que
usaron mucho en Pompeya y en las villas romanas que era la técnica de la grisalla
que es la imitación del mármol a través de la pintura, o bien haciendo
esculturas o grandes losas de mármol en edificios fingidos.
Bramante era un bien pintor sabiendo manejar la
perspectiva, la profundidad, pero tenía un problema y es que quería dedicarse a
la arquitectura.
SANTA MARÍA DE LA GRECIA – Milán 1490
Le encargaron que hiciera Santa María de la Grecia y que no
terminara la fachada, sino de darle un aspecto nuevo con la cabecera, siendo
muy complicado por varios motivos, porque sí la fachada fuera de arquitectura
gótica le podía dar una nueva visión de modo que al entrar se veía toda la
arquitectura gótica, sin embargo, en una arquitectura gótica propia de Milán,
lo que hacían era que al cuerpo gótico se le ponía un crucero renacentista, el
paso entre el cuerpo gótico y el renacimiento debía ser suave, siendo un tabajo
muy difícil para Bramante.
Bramante cerró el crucero a través de una cúpula que es
básicamente un cimborrio circular.
Los cimborrios son estructuras cuadradas o circulares que
se ponen sobre las cúpulas y no dejando ver una cúpula mixta como sería la
cúpula de San Pedro, o la del Escorial, el cimborrio tapa la cúpula.
En España se usan las propias cúpulas encañonadas, que
además de no verse la cúpula como tal están hechas con cañones de madera al
abaratar los costes.
Bramante lo que hizo fue que en ese cuerpo totalmente
gótico del cuerpo central y naves laterales, junto un cuerpo que era oval
enmarcándolo en una estructura rectangular, jugando con una cúpula que no era
redonda, sino que jugaría con la deformidad de la cúpula poniendo en ese cuerpo
otros dos cuerpos semicirculares a ambos lados a modo de capilla para jugar a
modo de contraste entre lo circular y el concepto de estructura rectangular, y
además la cabecera la hizo rectangular haciendo un guiño a las antiguas
arquitecturas románicas, góticas, cerrando la cabecera del templo con otro
espacio semicircular, por lo tanto jugaría con distintos espacios como el curvo
y recto dándole un aire totalmente novedoso a una iglesia que en principio era
una iglesia totalmente gótica, sobre todo en el concepto de esa nueva forma que
tanto triunfaría en el mundo renacentista y sobre todo en el mundo barroco. Esta imagen recuerda a Bernini con la plaza del Vaticano.
Interior de la iglesia decorada con pinturas, las iglesias
decoradas con pinturas suelen ser modificaciones hechas con el paso de los años.
La cúpula tiene forma de elipse colocada sobre pechinas y
en esas pechinas las decoraciones de tondis para situar diferentes esculturas
como se había hecho en la época del quattrocento.
CLAUSTRO DE SANTA MARÍA DE LA PAZ – Roma 1500
- -Estilo sobrio
- -Escasa decoración
- -Monumentalidad
Cuando Bramante se traslada a Roma el estilo de Bramante
cambiaría de una manera drástica porque al ir a Roma vio el estilo del arte
desde diferentes puntos de vista, aunque Milán era una zona interesante y con
comitentes, no era tan importante como Roma donde se estaban creando los más
importantes artistas en el Vaticano.
Bramante fue a la Santa María de la Paz que era un claustro
que tenía una estructura clásica de los conventos del s-XVI y s-XVII, que tenía
un claustro con cuatro pandas en los laterales, la primera parte con un cuerpo
con arcadas que generalmente eran arcos de medio punto apoyados en grandes
pilastras en medio de esas pilastras había pilares y en medio de los pilares
había pequeñas pilastras que se superponían a un pedestal para darle mucha más
altura al edificio.
Como marca de Bramante a partir de ese momento en el dintel
iría para dividir el primer y segundo cuerpo poniendo epigrafía a la romana
donde decía que era el modelo romano como si fuera el nuevo imperio, ya no
usaría triglifos y metopas, donde explicaría quien hizo el edificio, quien lo
mandó construir, la fecha de cuando se hizo, etc., siendo un dato muy
importante para los historiadores del arte, copiando al Panteón de Agripa.
Bramante con esto quería decir que él conocía la técnica de
los romanos al jugar con los elementos que usaban los romanos en el Coliseo con
la superposición de órdenes, poniendo un jónico, y un corintio, dando más
dinamismo a través de esa superposición de órdenes y para hacer el edificio
mucho más dinámico y plástico hizo diferentes los dos cuerpos de manera que sí
el cuerpo de abajo era con arcos el de arriba era un cuerpo totalmente
adintelado, y el de abajo tendría que estar cubierto de bóvedas de arista y al usar el adintelado se
usó techumbre de madera, haciendo un contraste.
El templo totalmente desnudo con una geometría matemática,
por lo tanto, la arquitectura de Bramante es desnuda, usando dos tipos de
bóveda en el mundo renacentista, una la bóveda de cañón y la de arista siendo
las dos bóvedas más importantes.
Normalmente las bóvedas centrales siempre cubiertas con
bóvedas de cañón y en ocasiones con casetón, pero lo habitual molduras
triangulares a los lados y generalmente las naves laterales tendrían bóvedas de
arista, por lo general los coros que se colocan a los pies tendrán bóvedas
esquifadas que son más bajas, siendo el tipo de arquitectura renacentista y
barroca.
SAN PIETRO IN MONTORIO, Roma, 1502
Es un templete redondo propio del mundo griego y de la
época clásica como los tolos, que eran templos redondos como el de Vesta, etc.
su particularidad es que está dedicado a San Pedro como padre de la Iglesia y
se encuentra en el claustro de un convento que no es clásico como el de Santa
María de la Paz, siendo un convento mucho más gótico.
En el claustro se sitúa a la entrada dominando todo el
espacio del convento algo muy marcado de la época del barroco, ya que un
espacio muy pequeño se usaba para hacer algo grande apareciendo como la plaza
de la Fontana de Trevi, lo mismo ocurre con la plaza de España que es más
pequeña que las grandes escaleras, dando lugar a espacio sorpresa que comienza
en el renacimiento.
El templete se hizo en 1502 tomando como modelo una pintura
de Perugino que era el maestro de Rafael de modo que los arquitectos se basan
en los pintores que eran los primeros en hacer las grandes novedades.
La particularidad de ese edificio, por una parte se supone
que era el lugar donde crucificaron a San Pedro y que como no quiso
crucificarse como Jesús lo hicieron boca abajo.
Martirio San Pedro - Caravaggio
REYES CATÓLICOS - ISABEL Y FERNANDO
Por otra parte, fueron importantes los Reyes Católicos
Isabel y Fernando que no solo estaban en España y América, sino también
conocidos por el Mediterráneo como muy guerreros y muy religiosos, y tuvieron
la oportunidad de patrocinar un edificio importante y simbólico como era el
Tempetto de San Pietro por lo que mandaron edificar con dinero de la corona de
Castilla, y fuera de las fronteras españolas quisieron hacer edificios
renacentistas, sin embargo en España hacían gótico.
Esta fue una de las ocasiones de la unión de España e
Italia pues a partir de ese momento hubo mucho tránsito de artistas entre ambos
países, sobre todo los italianos iban más a España que viceversa.
Lo importante de este edificio es la cripta como sucede en
esos edificios, por tener mucho simbolismo al ser ese lugar donde se cree que
sucedió la crucifixión boca abajo.
INTERIOR DE LA TUMBA DE SAN PEDRO
Las criptas son los lugares más simbólicos.
usó el orden dórico, con triglifos y metopas siguiendo lo
que marcaban los griegos, ese modo de actuar estaba tanto en el interior como
en el exterior.
En el exterior se basó en los tolos griegos como el de
Vesta, encontrándose dividido en diversas partes, por una parte los peldaños
que rodean el edificio en su totalidad, la columnata que es periptera rodeando
todo el edificio y que son columnas dóricas, con un friso ascendente con
triglifos y metopas con una balustrada propia el momento, el tambor que está
metido en la balustrada dando sensación de invadir el espacio del observador y
una cúpula que es más grande que el propio claustro.
Bramante a partir de esta obra ya tuvo más fama y en 1504
le nombraron arquitecto oficial del Vaticano, Inspector ingeniero de obras
pontificias, y entre muchos trabajos que el encargaron hizo ampliaciones del
palacio, el patio Belvedere, que es el patio que está en terrazas del museo, y las
avenidas del Tiber que unirían Roma con el Vaticano, dando sensación de mayor
extensión a la propia arquitectura.
Lo más importante que hizo Bramante fue San Pedro del
Vaticano, que era una basílica paleo cristiana de la época de Constantino que
se construyó desde la perspectiva de la época, era una iglesia construida con
materiales muy baratos, en la que predominaba la madera, sobre todo en las
techumbres haciendo que la iglesia de Constantino desapareciera y se
reconstruyera en diferentes ocasiones durante toda la Edad Media.
A Bramante le encararon el proyecto de una iglesia para que
fuera la base de la Iglesia Católica para darse a conocer a los fieles y que no
se marchasen a otras religiones, pues la casa de Dios debía ser una casa fuerte
hecha con materiales de calidad y
nobles.
PLANO PLANTA SAN PEDRO DEL VATICANO
Bramante toma el encargo y todo lo que ha aprendido del
quattocento lo plasmaría en esa obra, e hizo una planta de cruz griega y en el
centro insertó un cuadrado haciendo que a los cuatro lados haya unas capillas
semicirculares jugando como ya había hecho en Santa María en Milán, espacios
redondos y espacios cuadrados, pero lo más importante de todo era la cúpula.
La cúpula era muy importante por ser la que indica donde se
encontraba el sepulcro con los restos de San Pedro, teniendo que dar un mensaje
directo cielo-cúpula-tierra-reliquias del Santo.
Con los cuatro ábsides Bramante quiso hacer una iglesia
centralizada propia de ese momento de la época
clásica, cúpula con tambor que sería la protagonista, pero no se llevó a
cabo por falta de recursos económicos y tuvo que aprovechar lo que había creado
para la iglesia de la Consolación
IGLESIA DE LA
CONSOLACIÓN – s-XV
La cúpula del Vaticano es muy similar a la de la
Consolación, porque Miguel Ángel la tomo como referencia, pero el problema de
Buonarrotti era que él se consideraba escultor.
Miguel Ángel era un artista que vició muchos años y en
activo, considerándose el padre del Manierismo ya que fue el que inició las
novedades en la arquitectura y como el sentía que ya sabía todo no quiso
pararse y decidió seguir avanzando y subir otro nivel y dar a conocer otro tipo
de arquitectura creando otras maneras de hacer, en italiano “maniera”.
Miguel Ángel basándose en la arquitectura clásica con sus proporciones, simetrías,
veneras, columnas, y con eso dar libertar a su mente para realizar su obra con
efecto sorpresa.
PROYECTO FACHADA SAN LORENZO – Florencia (2ª década)
Una de las principales obras que le encargarían a Buonarrotti
fue el proyecto de la fachada de San
Lorenzo que había sido hecha por Brunelleschi.
BASÍLICA DE SAN LORENZO
Como le encargaron a Buonarotti que hiciera la fachada, que
no se hizo por falta de dinero.
Esta fachada rompe con la idea de naves laterales mucho más
pequeñas que las centrales, conocida como fachada telón o pantalla, que es una
fachada totalmente regular que juega con el efecto sorpresa porque era un
escaparate que mostraba por una parte distintos módulos usando lo redondo,
triangulares, y vanos redondos, por lo general a Buonarotti le encantaba poner
superposición de órdenes y usar los frontones circulares y triangulares, en la
misma fachada, en ocasiones ponía triangular, semicircular, repetidamente,
dando mucho ritmo al edificio ya que hasta ese momento no lo podían comprender
y se hacían solo triangulares, unido a esto incluiría tondos, formas circulares
en la fachada y que no se había hecho hasta ese momento, pues un vano circular,
era un vano muy raro, pero en realidad no era un vano, al no ser totalmente
plano, sino que eran hornacinas donde se podía colocar esculturas.
Buonarotti hizo vanos, ciegos, triangulares y redondos, por
lo tanto la sensación de la fachada era una sensación claustrofóbica por ser
extraño el vano a través de las molduras geométricas que no se estaba
realizando y además Buonarotti hacía las columnas como si fueran columnas
enfajadas que se fueran a enmarcar pequeñas hornacinas en las que no se iba a
colocar nada al ser tan pequeñas y que además no eran vanos y por eso extrañaba
mucho al resto, también usaba entablamentos, frisos y dinteles muy grandes que
y hasta ese momento no se habían usado, así como compartimentando esos frisos y
dinteles como pequeñas columnitas.
PLANO IGLESIA SAN
LORENZO – Florencia 1520/1534
Además junto a la fachada también le encargaron hacer una
capilla, una era la de Bruneleschi y la otra la de Buonarotti. La núm. 7 era de
Miguel Ángel y la núm.2 de Brunelleschi.
Como Buonarotti quería dar un nuevo mensaje, sentimiento y
quería hacer cosas nuevas, veía que la arquitectura era totalmente
cuatrocentista de Brunelleschi que era un símbolo para Florencia y pensaba que
se lo iban a rechazar entonces hizo de planta una capilla similar a la de
Brunelleschi comprometiéndose a jugar con la proporción, simetría y con el
renacimiento y la armonía.
SACRISTÍA NUEVA IGLESIA DE SAN LORENZO – Miguel Ángel
Manierismo:
- -Juego de volúmenes
- -Espacio reducido
- -Retroceder clasicismo
- -Ventanas ciegas
Sin embargo, en el interior no se comprometió a nada porque
había que jugar con las formas, y lo que hizo fue usar los mismos colores que
había usado Brunelleschi coor ceniza y blanco que eran el bicromatismo que él
usaba y la perspectiva a través de las formas, pero por lo demás es un espacio
que juega con la claustrofobia, simetría, ilusión óptica, pues en realidad los
vanos están tapiados con una sola ventana abierta, jugando con el engaño y
además sobrecargando mucho al tener en ambos laterales los sepulcros de los
Medici, ocupando básicamente todo el espacio.
Miguel Ángel era consciente de que su obra tenía que tener
un sentimiento interior religioso de uno mismo ya que la religión era la
comunicación con Dios, no hacían falta grandes fachadas, ni grandes espacios,
ni grandes luces, sino pequeñas vidrieras para que el sol hiciera conectar
directamente a uno mismo con Dios, y ese era el mensaje que quería dar Miguel
Ángel, por lo que su arquitectura eran sobrias y oscuras, jugando con esa
religión personal que se estaba dando en ese momento, todas esas
características es lo que se conoce como Manierismo.
ESCALERAS BIBLIOTECA LAURENCIANA .- Florencia 1524
- - Volúmenes
- - Decorativo
- - Agobio espacial de la arquitectura
- - Miguel Ángel controlada la obra constantemente
- - Miguel Ángel es escultura y escultura lo hacia todo
Otro de los grandes edificios que le solicitaron fue la
Biblioteca Laurenciana, en el s-XII, XIII, XIV las bibliotecas eran importantes
y las tenían los granes conventos, los monjes ya que ellos escribían los
manuscritos y transcribían los manuscritos romanos, pero a partir de ese
momento las bibliotecas serían muy importantes y los artistas tendrían
bibliotecas, Miguel Ángel tenía una gran biblioteca, la gran élite, los nobles
tenían grandes bibliotecas, por ejemplo como el Conde Duque de Olivares que
tenía una de las más grandes bibliotecas del momento.
Esto ocurrió porque el saber se extendería y la biblioteca
de Florencia sería un símbolo del saber llegando a la ciudad, a los nobles y se
le solicita a Miguel Ángel que realice el hall de la biblioteca, la biblioteca
era un espacio rectangular muy alargado no teniendo nada de Miguel Ángel,
solamente la sorpresa con un único foco de luz que era la entrada, de modo que
cuando alguien entra en el edificio estará absorbido del todo por la escalera
en forma de cascada que tiene movimiento, es elegante, armónica, siendo una
escalera que domina todo el espacio, dando sensación de claustrofobia del
edificio que era lo que quería mostrar Miguel Ángel.
A este espacio además Miguel Ángel le añade más elementos para
que el espacio pareciese sobrecargado, pero no barroco, que tenga fantasía,
para lo cual agrega volutas, escaleras, ménsulas, volutas en las paredes dando
sensación de que salen de los propios muros del edificio, usaría columnas
pareadas para dar sensación de que no se acaban y que el edificio es infinito,
jugaría con el color de Brunelleschi al considerarle como padre del
renacimiento dando una sensación de agobio queriendo abandonar el edificio,
dando sensación de angustia.
Miguel Ángel hizo algo diferente las columnas cónicas
llamadas estípites muy estrechas en la parte de abajo casi piramidales propias
de la arquitectura de Miguel Ángel que era algo muy novedoso.
A Miguel Ángel se
le permitía todo y jamás fue criticado, pudiendo rechazar obras en momentos
determinados, y al sentirse un artista muy importante decidió hacer la obra más
importante que fue al plaza del Capitolio.
Plaza del Capitolio (1536)
- -Obra en forma de trapecio y de elipse
- -1536 estatua Carlos V
- -Obras muy lentas
Esta plaza es el centro neurálgico del nacimiento de Roma,
una de las siete colinas, como era muy importante se lo encargaron a Miguel
Ángel, porque era una zona casi en ruinas y una sociedad que se asimilaba con
los romanos y pretendían ser romanos, no podían tener el origen de los romanos
en ruinas y abandonado por lo que le pidieron a Miguel Ángel que hiciera la
obra. Esta obra jugaba con el trapecio y la forma elíptica, esto se le encarga porque
iba a ir Carlos V el gran emperador europeo pasaría por Roma y no le iba a
levara visitar esa zona destrozada del nacimiento del Imperio Romano, y del
Renacimiento Romano, por lo que le pidieron a Miguel Ángel realizara el
proyecto, pero tendría grandes problemas y cuando llegó Carlos V la zona no
estaba terminada.
Miguel Ángel hizo un trapecio con una elipse y en su
interior crearía distintas formas geométricas volviendo a interponerlas. Miguel
Ángel se arriesgó con formas que no se habían hecho anteriormente como el
trapecio, la elipse y conjugar las dos formas
y que era algo muy raro en ese momento, además tenía que hacer algo
importante y era marcar el centro porque era donde se tenía que colocar la escultura
de Marco Aurelio que se salvó de ser fundida por error al confundirla con la
estatua de Constantino que había dejado la religión cristiana de manera libre.
ESTATUA ECUESTRE DE MARCO AURELIO
En el centro se colocaría la escultura ecuestre que sería
el símbolo del Renacimiento y el símbolo de la plaza, teniendo en cuenta que en
esa plaza ya había edificios y Miguel Ángel no iba a derruir nada, pero si
remodelar y limpieza y a esos edificios góticos se les daría un aire
renacentista y manierista, por un lado el palacio de los senadores, teniendo
representando el poder de Roma en la propia plaza.
Se hicieron dos grandes escaleras casi imperial dando
acceso a un edificio desde donde se iba a gobernar dejando solo un aspecto de
su antiguo concepto gótico como es la torre.
- -Escudos
- -Heráldica
La torre muy
remodelada, jugando con el centro dándole un nuevo aspecto, este tipo de torres
son muy comunes en Italia, jugando con distintos escudos, heráldica, las
grandes columnas y pilastras a ambos lados.
En la plaza lo
primero que se ve es el palacio de los senadores y a ambos lados los museos capitolinos.
Miguel Ángel trató de hacer una remodelación que no vería
pues murió antes y los edificios serían posteriores y seguirían usando las
formas que él había previsto.
Lo importante de los
edificios: dos cuerpos, uno de ellos aportalado y adintelado, con la
sombra que le gustaba a Miguel Ángel, en el segundo piso hay frontones
semicirculares que se encuentran rotos, dando profundidad, siendo un nuevo
concepto de la arquitectura de Miguel Ángel, pilastras monumentales apoyadas en
un pedestal para dar altura y una balustrada que abre el edificio y le da
perspectiva para que se pueda ver desde arriba.
Al otro lado el Palacio Nuevo un nuevo proyecto no de Miguel
Ángel aunque sigue con su arquitectura a través de las grandes pilastras
monumentales que las puso de moda Miguel Ángel aunque ya estaban antes.
Combinando arquitectura clásica pero dando una nueva
perspectiva.
LA CORDONATA
La cordonata, la
escalera que a patir de ese momento era un espacio igualo o más importante que
los propios edificios, hay estudios solo para las escaleras.
La escalera
claustral es la que se encaja a un vértice de los edificios, propias de los
claustros, las escaleras toman identidad propias porque en ella muchas veces se
encuentran grandes obras de arte que van a decorar el espacio de las escaleras
o el cajón de las escaleras.
Roma es una ciudad
que debía ser conocida pro sus grandes espacios, por su perspectiva y sus
escaleras uniendo diferentes lugares que están separados como la plaza alta y
la parte baja, siempre los espacios estando unidos por grandes escaleras como
en la Plaza de España, que unen la plaza de España con Santa María del Monte, y
que se harán a partir del s-XVI, XVII.
SAN PEDRO DEL
VATICANO (1547-1564)
Sin duda la obra
más importante de Miguel Ángel fue San Pedro del Vaticano, que después de
Bramante hubo que partir nuevamente de cero, no se asegura que San Pedro se
hiciera en el s-XVI por no haber artistas que pudieran igualar y llegar a pedir
lo que se pedía haciendo que hubiese muchísimas dudas.
PROYECTOS SAN
PEDRO DEL VATICANO
Rosellino sería el
que construyera la iglesia que sustituiría a la de Constantino que se hizo en
la época de la crsitiandas después Bramante planta de cruz girega, Rafael que también era arquitecto que propuso
una planta de cruz centralizada, latina, griega y las dos a la vez, Antonello
otro gran arquitecto de la época de Miguel Ángel propuso planta de cruz griega
con un cuerpo en la zona de entrada dando un asepcto de planta combinada,
Miguel Ángel tomaría la planta que hizo Bramante sin ningún tipo de retoque y
dando más importancia los volumnes geometricos, con el objetivo claro de yhacer
una planta centralizada y de cruz latina pero mucho más flexible con formas y
mucho más caprichosa y no tan encajonada como la cruz latina encuadrada con las
cuatro absides. Miguel Ángel Jugaría
con las formas, una yuxtaposición pulsante, que retomaría Borromini.
Lo más
importante es que el juego de volúmenes y de flexibilidad en los muros se
reflejaría en el exterior con formas que jugarían con una serie de olas
decorando con las propias estructuras de grandes dinteles, grandes cuerpos,
como la iglesia que se culminaría con un gran cuerpo muy tosco, macizo que
recuerda al Coliseo, jugando con distintos vanos de lleno y vacío …, por lo
tanto eso daría la sensación de ritmo y juego, con columnas o pilastras monumentales
de orden corintio a juego con distintos vanos triangulares, semicirculares, y
las hornacinas donde no se colocaría nada.
CÚPULA DE SAN
PEDRO DEL VATICANO
La gran
protagonista de todo el edificio sería la cúpula de Miguel Ángel que no la terminaría,
pero sí realizó el proyecto, el pretendía que lo divino debía reflejarse en belleza,
Miguel Ángel era una persona que quería que en la obra de arte se viera belleza
y que durante toda su vida estuvo torturado por el tiempo porque sentía que había
algo que no podía parar y por esa razón representaba siempre cuerpos jóvenes,
musculosos, y que aún no habían sufrido el paso del tiempo hasta tal punto que
ya a punto de morir escribió poesías y cartas en las que expresaba esa crisis
de ansiedad de que ya no le quedaba absolutamente nada de tiempo para poder
hacer todo lo que aún no había realizado, Miguel Ángel tenía mucho miedo a la
muerte.
La obra de arte
debía ser siempre algo bello y joven tanto en escultura como en arquitectura, y
la gran cúpula marcaba el centro de donde se encontraba San Pedro, la cúpula
está apoyada en un tambor jugando con las columnas pareadas y entre ellas los
vanos semicirculares arrancando desde ese pequeño tambor distintos espacios
decorados con guirnaldas volviendo al mundo clásico, apareciendo la cúpula con
nervios exteriores e interiores dando ritmo y juego a la perspectiva culminando
todo ello con una gran linterna rematada con una gran bola el mundo y sobre ella la cruz de Cristo.
