ARTE MODERNO - 03 - RENACIMIENTO EN ITALIA - DONATELLO
09 de octubre 2018
16 de octubre 2018
DONATELLO - Donato di Niccolò di Betto Bardi (1386-1466 )
- · Escultor más influente del s-XV
- · Definió el lenguaje nuevo estilo
- · Nació en Florencia donde desarrollo la mayor parte de su obra
- · Alumno de Ghiberti
Donatello fue amigo íntimo de Brunelleschi y fue escultor
de los Medici y estuvo trabajando dentro de loa corte de Cosme Medici, por lo
tanto era un los grandes escultores del momento, además no solo trabajo para
los nobles sino que también trabajo para las ordenes monásticas, esto era
importante porque las ordenes daban mucho trabajo a los artistas, cuando un
escultor o un pintor no era bueno trabajaba para los monasterios.
En España el ejemplo más notorio de este asunto es cuando
se habla de Velázquez se asocia a Felipe IV, pues el gran pintor fue nombrado
pintor del rey en 1623, y su maestro Pacheco le dijo que se fuera de Sevilla
porque si no iba a ser un pintor de iglesias
y sería un pintor religioso y correría la misma suerte que Zurbarán que
fue un pintor que pasó bastante desapercibido por la historiografía artística,
básicamente porque su carrera pictórica se basa en trabajar para las ordenes
monásticas de Sevilla.
Lo mismo ocurría con los escultores, pero Donatello supo
traspasar eso y trabajó para las ordenes monásticas, pero también trabajó para
los grandes señores de Florencia, además se supone que el nació en Florencia y
se supone que era alumno de Ghiberti, pero muchas veces eso no se sabes, que es
lo mismo que ocurre con el Españoleto -
Ribera que pudo ser alumno de Ribalta que era un pintor y escultor importante de ese momento y se
asocia su formación con el artista del momento, pero no se sabe de cierto.
En Florencia fue donde hizo la mayoría de su obra, el
prestaba mucha atención al cuerpo humano, al mundo renacentistas, y a las
formas greco-romanas.
Se dio cuenta que los romanos no solo iban a dar mucha
importancia al cuerpo sino que también tenían una escultura que se asociaba
directamente con el mundo romano y el conjunto escultórico, así como la
escultura ecuestre.
ESTATUA ECUESTRE MARCO AURELIO
Se fue de viaje con Brunelleschi a Roma y vio la imagen de
Marco Aurelio, impresionándole tanto que tomó esa imagen para crear su
Gatamelatta.
La diferencia era que Donatello lo puso sobre un amplio
pedestal con relieve que era de un concepto mucho más renacentista, el
simbolismo era el mismo que el romano.
Iglesia de Orsanmichele – Florencia
Una de las primeras obras que iba a hacer eran las
esculturas de Saint Michael y realizaría San Jorge (1417).
Este tipo de esculturas eran un tránsito entre el mundo
gótico y el mundo renacentista, esta escultura se la encargó el gremio de los
artistas de los escudos., es la única escultura que haría, San Jorge como
guerrero o caballero medieval que salva a la princesa como en las historias
medievales, pero con la característica ya de un rostro renacentista, pero con
una concepción gótica, más estilizada y lo vistió como un caballero medieval, jugando
con ese concepto.
Cuando Donatello se dio cuenta que lo que estaba haciendo
era una escultura más gótica que renacentista, para arreglarlo puso justo
debajo de los pies, un relieve en el que puede ver claramente a San Jorge
matando al dragón y salvando a la princesa como si fuese una diosa vestal, y
ahí es cuando hace el tránsito entre el mundo gótico y el renacimiento como lo
hizo Alberti en su momento.
Este concepto en la época de Cervantes se olvidaría y
acabaría dando lugar a una crítica al concepto de la caballería y de esos
caballeros tan importantes que en la realidad no lo eran tanto, y el concepto
de noble, que iba desde conde-duque que
sería el máximo frado al que se podía acceder en España siendo un conde grande
de España, o ser un noble se segunda categoría que vendría después de muchas
generaciones heredando parte de un mayorazgo pequeño, en ese caso San Jorge
sería un noble grande.
16 de octubre 2018
Ese concepto de escultura básicamente medieval pro la
escenificación que tenía la imagen y la personificación de la imagen parece un
avance respecto al mundo gótico, ese concepto de romper la historia haciendo
una cronología de la época moderna, y justo en la basa hace ese grabado en que
esculpe a la princesa como una sacerdotisa vestal y la lucha del guerrero doncella,
pudiendo poner esa imagen antes o después de la lucha.
La noción de mirar de frente al ser reflexiva parece
anterior a la lucha, y ese sería un elemento que tomaría Miguel Ángel para
poder hacer su David, de modo que Donatello sería una persona muy importante
para los artistas posteriores.
PROFETA HABACUC
Museo Opera del Duomo – Florencia (1427-1435)
Esa imagen sería la típica de Donatello para poder explicar
la influencia del mundo clásico greco-romano sobre todo porque lo vistió como
un filósofo griego, con una túnica, personificando esa persona, no es un
retrato al ser un personaje idealizado apreciándose ciertos rasgos al no
dominar el retrato y que irá adquiriendo con el paso del tiempo.
CARACTERÍSTICAS DE DONATELLO
Una de las cosas que caracteriza a Donatello es el hecho de
poner arrugas en la frente, él no haría una Prima Porta como se hacía en la
época de los romanos en que Augusto era joven, aunque en realidad no lo fuera,
en el Ara Pacis seguía siendo joven, lo mismo ocurría con Olivia que era la
misma siempre al principio y al final y eso era lo que caracterizaba la época
de la familia Julia Claudia, en contrate con la familia de los Antoninos que ya
se ponían ciertos elementos para distinguirlos. Esto sería un avance en cuanto
a la escultura renacentista.
Otra característica de Donatello sería el hecho de tomar el
mundo paleo cristiano también como referencia, en el que había unos sepulcros
que se dividían en diferentes escenas a través de columnas o pilastrillas con el
fin de dar distintas cronologías a las esculturas, tomando el mundo romano y
que se iba olvidando poco a poco para terminar de olvidarse por completo en la
Edad Media.
CANTORÍA
Museo Opera del Duomo – Florencia (1433-1439)
En este casi Donatello haría algo más novedoso tomando ese
concepto de pilastras para dividir pero con un friso corrido de niños jugando
para dar mucho más dinamismo a la Cantoría, ubicado en Florencia, a modo de
Palatinaicas como en el Partenon donde
aparece un friso corrido con escenas de las procesiones que se hacía a Atenea,
y Donatelo toma eso desde ese punto de vista, pero con un concepto de niños que
corren, o angelitos como los putti (putto) tomados directamente del mundo
clásico y que Donatello los adapta al mundo cristiano.
Ese tipo de cantorías también tienen decoraciones de
veneras, jarrones, etc. tomadas del mundo griego desde el punto de vista
romano.
CANTORÍA - Robbia
Hay otros autores como della Robia. esta cantoría se
encuentra en Florencia y es más clásico todavía, tomando el concepto de paleo
cristiano, dividiendo las escenas e impidiendo hablar de una escena única, sino
de distintas escenas rememorando distintos aspectos del mundo clásico como
escenas cotidianas, y a partir de ese momento en el Renacimiento las escenas
diarias se van a representar sin ningún tipo de intención, simplemente es para
dar movimiento, perspectiva, profundad, etc. los ropajes están tomados el mundo
clásico, las pilastras son también corintias estriadas.
A partir de ese momento se tomará otro elemento que se usó en el mundo medieval, que era la
epigrafía latina que se colocaban en los dinteles de muchos templos, siendo el
modelo principal San Pedro del Vaticano del arquitecto Maderno del s-XVI-XVII
que realizaría una de las fechadas más bonitas utilizando ese tipo de epigrafía
que era muy habitual en el mundo romano como en el Panteon, con el fin de dar
las gracias a los dioses o las personas que lo habían hecho o encargado, esa
idea se verá a lo largo de la historia
en la mayoría de los grandes imperios o grandes culturas, posteriormente
lo harían los árabes, como en la Alhambra con los cantos Mahoma, a la belleza,
etc.
Los renacentistas se consideraban una gran civilización por
ser los herederos directos del mundo romano.
ESTATUAS ECUESTRES
Felipe IV a caballo - barroco
Una de las principales características de Donatello es que
tomará el mundo romano imitándolo, en España tenemos diferentes tipos de
caballos como el de Felipe IV del barroco, sobre dos patas y es un ejemplo de
equilibrio porque en esta escultura estuvo ayudando Galileo como científico,
Martínez Montañés, Velázquez, de modo que colaboraron varios genios alrededor
de una escultura y que se encuentra
ubicada en la Pl. de Oriente de Madrid, procedente del Buen Retiro.
En 1443 el dominio del equilibrio no se sabía usar y
tuvieron que pasar muchos años para lograrlo y Donatello en el viaje que
realizó con Brunelleschi a Roma vio uno de los modelos más importantes del
mundo antiguo que se salvó gracias al
error ya que pensaban los cristianos que era Constantino, pero en realidad era
Marco Aurelio y no la fundieron.
ESTATUA ECUESTRE MARCO AURELIO
Esta escultura quedó como ejemplo de un emperador que
permitió la religión en el exterior, Donatello tomó este ejemplo para crear a Gattamelata.
Gattamelata – Padua (1443-1453)
Gattamelata, simulaba un guerrero militar contratado por
otras ciudades estado luchando contra otros gobernantes en otras ciudades, esta
escultura es una de las más importantes, incluso ese tipo de militares tuvieron
mucha importancia en esa época que hacían fortuna y se hacían nobles con la
guerra, y en un momento determinado cuando ya tienen mucho poder ya no luchan
para otros y se convierten en dictadores de una ciudad.
En el caso de Gattamelata
sería de Padua y Donatello hizo esa escultura tomando como modelo el mundo
romano, con una involución no solo desde el punto de vista iconográfico, sino a
la representación del emperador tomando todo lo que se hacía en Roma, y
recuperar todo lo que se había perdido durante la época de la Edad Media, solo
conservándose un caballo importante que era el de Carlo Magno del que copiaría
para volver a hacer un caballo ecuestre como el renacer del imperio romano hubo
alguno más que pasaron desapercibidos en la Historia.
Este tipo de caballos se volverían a ver en bronce,
representando de frente al general con el bastón de mando, con las espuelas, el
arma, la armadura, pero era muy distinto al general medieval, es un general
romano, un general renacido, esto se tomaría con el paso del tiempo llegando a
España como el caso de Felipe IV, pero había otros muchos como el de Felipe III
o las pinturas de Diego Velázquez que eran representaciones en pintura de ese
tipo de caballos representando a Felipe III, Felipe IV , Isabel de Borbón,
Margarita de Austria, etc.
Diego Velázquez pintó a las reinas llegando a Carlos y al
Valido, tanto Lerma en el caso de Rubens como a Olivares en el caso de
Velázquez, el conde duque de Olivares no posó a caballo por casualidad, sino
que utilizó esa representación para marcar que era el dueño y señor de un
Estado, de una monarquía, ya que el personaje era el que gobernaría por encima
del propio Rey, Felipe IV estaría siempre moviéndose entre dos lados, pues por
una parte tiene a la reina y a todos los consejeros de un lado, incluso a
Baltasar Carlos que era rival de Olivares, y por el otro lado estaba Olivares,
con Leganés, etc. llegando a hacer una
guerra.
Todo ese simbolismo tiene un caballo ecuestre, retomándose
en la época de Donatello.
El Desnudo
Otras delas imágenes iconográficas, icono del principio
de la Edad Moderna 1440, mediados del
s-XV, es el primer desnudo que se hacía desde la antigüedad que era muy normal
de las que hay muchísimas representaciones como el Apoxiomeno de Lisipo, Diadumeno,
Venus, Fauno, Laoconte, etc. pero llega un momento en la Edad Media en el que
no se permitía el desnudo y durante muchos siglos el concepto del desnudo se
olvidó, de modo que en 1440 los Medici le encargan a Donatello que represente
un desnudo, pero que no sea de San Jorge pues ya estaba pasado de moda, y
además ellos no querían copiar a nadie y sí se hacía a San Jorge era lo que se
hacía siempre, y pidieron un nuevo héroe que sea poderoso que no de la
sensación de muy fuerte pero que sorprenda la heroicidad que hizo, y Donatello
investigando textos sagrados llegó a la conclusión que David era la mejor
representación de unos gobernantes que parecían ser débiles, pero que
conseguían todo lo que se proponían y esa era el mensaje que daba David.
El David de Donatello lo ubicaron en medio del claustro del
Palacio de los Medici. Donatello tomo el modelo praxiteliano.
MODELO CURVA PRAXITELIANA
Del modelo
praxiteliano lo que tomó fue al curva praxiteliana, con una pierna
doblada y la otra pierna estaba en tensión para dar un contraste y por lo tanto
hay que tener en cuenta que el modelo que se toma es directamente de Praxíteles
que fue uno de los grandes escultores de la época alejandrina, posclásico y una
de las características de sus esculturas era la curva que le dotaba de
elegancia, movimiento y dinamismo.
Otra de las características que tenía Praxíteles era pulir
el mármol como si fuera una piel, consiguiendo un brillo muy especial.
Donatello usaría bronce y una de las características es que
se puede ver por todos los lados, pudiéndose dar la vuelta a la escultura para
admirarla bien, y como el escultor estudió en ese caso la anatomía para
representar muy bien el cuerpo humano que se había olcidado.
Es el símbolo del triunfo, pero David además tenía una
representación especial, pues no era una persona normal, era débil y tomado del
mundo clásico con un concepto muy extendido del hermafrodita que en esa época
se puso otra vez de moda, e incluso en España se daría un giro más fuerte
creando la barbuda de Ribera con un concepto cómico, pero que no dejaba de ser
el producto de una sociedad.
En España y en Europa en ese periodo en todas las cortes
importantes había un sector en la corte que estaba dedicado a lo que llamaban
sabandijas, lagartijas, monstruos, etc. que era la parte oscura de la corte formado
por seres deformes a los que llamaban enanos y que en muchas ocasiones no eran
tan tontos como hacían parecer, como lo refleja Velázquez en el primo de
Vallecas.
EL NIÑO DE VALLECAS – Velázquez
La corte de los italianos, de los Austria, de Portugal que
pertenecía a España, eran como niños que descubriendo cosas nuevas, y estaba
habiendo tantas novedades desde América y que estaban descubriendo tantas cosas
y querían hacer todo en un momento determinado, llegando en ocasiones a ser de
mal gusto, desde el punto de vista actual.
Verrocchio, retrato ecuestre del Condottiero Bartolomeo
Coleoni, Venecia, 1479
- Acción
- Movimiento
- Contrapposto
- Expresión.
Verrochio fue importante porque era el maestro de Leonardo
da Vincie hizo una obra muy distinta al
David de Donatello teniendo un gran contraste.
Como ejemplo era el
caso del Condottiero Bartolomeo Coleoni, que era una persona que haría fortuna
siendo un militar que trabajaba para otros hasta que en Venecia cogió el poder
y montó una dictadura.
La representación de ese Coleoni que es muy diferente a
Gattamelata al estar ya entrando en el tiempo de Leonardo. Miguel Ángel,
Rafael, etc. en ese caso ya se atrevían a poner una de las patas del caballo
alzada sin la famosa esfera, pues ya iban controlando el tema científico y
controlando mucho más el equilibrio ya que iban estudiando.
Otra de las cosas importantes y que es de lo que más
destaca del caballo es la acción y el movimiento contrapuesto, así como la
expresión del rostro no teniendo nada que ver con el Gattamelata, pues es una
persona altiva, mientras que Gattamelata está mirando al frente Coleoni está
girado dando a entender que él estaba allí y es quien llevará el gobierno de la
ciudad, y ese era el mensaje que se quería dar con ese tipo de representaciones
ecuestres.
En la escultura se ve al caballo muy desornamentado, pero
los caballos en esa época como se observa en los caballos de Velázquez iban muy
ataviados casi más que los propios reyes, lazos, trenzas, las sillas de montar
muy decoradas, etc. siendo un espectáculo hasta el punto que los propios
caballos servían para hacer fiestas para que la gente viera como iban las
distintas libreas que era el nombre que se daba a los equipos, librea azul,
amarilla, verde, etc.
RENACIMIENTO EN ITALIA PINTURA DEL QUATTROCENTO
Dividida en dos partes: primera mitad s-XIV y segunda mitad
s-XV
- · Piero della Franccesca
- · Masaccio
- · Fra Angelico
- · Botticelli
Durante el Renacimeinto la pintura conoce un importante
desarrollo sin características comunes.
De los pintores se conoce mucho más de sus vidas, sobre
todo porque son grandes protagonistas de la época.
Esta época se divide en dos partes; la primera mitad del
quattrocento y la segunda mitad del quattocento.
LA ANUNCIACIÓN – Fra Angelico
Una de las imágenes más importantes del Renacimiento
italiano es la Anunciación que se
encuentra en el Museo del Prado (Madrid).
Una de las principales características que tiene el
Renacimiento en Italia en el quattrocento en pintura es la cantidad de artistas
existentes y que no permite poner características comunes, pues cada artista
dará una novedad, unos darán más interés al o científico, otros al color, a la
perspectiva, profundidad, etc. y cada uno irá añadiendo sus gustos como Miguel
Ángel, Leonardo o Rafael.
TRES GRANDES GENIOS
De estos artistas se conoce muchas de las características
de su vida y según cuentan el más simpático era Rafael al ser una persona muy
risueña, alegre, hablaba con todo el mundo muriendo de una enfermedad
contagiosa pues decían que solía frecuentar los burdeles.
Los otros dos eran más introvertidos que es la
característica que les definía, no se llevaban demasiado bien, probablemente
por el choque de artistas.
Todos trabajaron para los Medici, para la élite, siendo
grandes artistas y a partir de ese momento se conocería a los personajes a
través de sus vidas.
Por ejemplo Caravaggio fue un artista con mucha oscuridad
en su biografía haciendo honor al caro oscuro de su obra, de los grandes
artistas del Renacimiento y del Barroco los más divertidos eran los personajes
oscuros dentro de este gripo podría recogerse a Alonso Cano del que hay
muchísima biografía acusado de asesinar a su esposa.
1. PUNTO DE PARTIDA - TRECENTO
DEPOSICIÓN DEL CUERPO DE CRISTO - Giotto
– Capilla Scrovegni s-XIV
El punto de partida de esa pintura sería Giotto s-XIV,
trecento, en la pintura del cuerpo de Cristo, que se encuentra en la capilla Scrovegni,
lo importante de la obra de Giotto es el comienzo del estudio de la naturaleza,
del cuerpo humano, expresión, sentimiento, que había desaparecido durante la
época medieval y que en el s-XIII y s-XIV esos artistas del trecento como
Lorencetti, etc. los primitivos flamencos del Norte de Europa iban a rescatar todo
aquello que se había perdido.
2. TÉCNICAS
Fresco
Oleo (a partir del s-XV, antes
usaban el temple)
Soporte lienzo (introducido
por los venecianos en el s-XV)
Fue una época importante por las nuevas técnicas, por una
parte estaba el fresco, que ya se habían hecho durante la Edad Media siendo la
técnica más importante, pero uno de los principales problemas del fresco era la
rapidez con la que se secan las capas de yeso, haciendo que los artistas aplicaran
dos capas de yeso y trabajar en turnos de ocho horas para que no se secara y el
problema que tenía Miguel Ángel en la vista era que al no poder dejar de
trabajar una vez empezada la jornada, volviéndose obsesivo con la capilla
Sixtina comenzando sus problemas de vista porque la pintura le caía a los ojos
y al final de su vida estaba casi ciego, y ese era uno de los problemas del
fresco que había que trabajar seguido para que no se secara.
Uno de los grandes ejemplos de la técnica del fresco en la
Edad Media es San Vicente de Tahull en Lérida el Pantocrátor de la iglesia, y
otros como San Isidoro de león con su capilla sixtina medieval.
Técnica del óleo a partir del s-XV cuya diferencia es el
aceite con los que se mezclaban los pigmentos de la pintura, pues anteriormente
se mezclaba con agua siendo prácticamente una témpera el temple y nueva técnica
daría más brillo a la pintura pues el aceite generalmente vegetal servía para
que se pudiera modificar la pintura en cualquier momento al tardar mucho más en
secar.
El problema que tenían los renacentistas era que el término
del óleo llegó en el s-XV conociéndose antes que el lienzo, entonces en muchas
ocasiones usaban el óleo con tabla, madera y eso era un gran problema porque el
óleo se absorbía mucho mejor en el lienzo, y hasta que todo eso se fue controlando
pasaron algunos años, por ejemplo, Fra Angelico sobre todo trabajaría en tabla,
y todos los artistas del primer renacimiento algunos trabajaban el lienzo, pero
la mayoría lo hacían en tabla.
El ÓLEO Y EL LIENZO
El lienzo era importante porque lo introdujeron los
venecianos, el óleo lo introdujeron los primitivos flamencos, y estas fueron
las grandes novedades del renacimiento.
3. TEMAS PINTURA RELIGIOSA
ANUNCIACIÓN – Fra Angelico – Convento San Marcos –
Florencia (1450)
Los temas que usarían sobre todo era el religioso. Las
pinturas religiosas podrían estar en el 70% el Italia y cerca del 85% es
España, siendo el tema principal, los
problemas eclesiásticos ya estaban en el ambiente con una ruptura de las voces
críticas y pronto llegaría Lutero, cuestionaban el dinero que se gastaba la
Iglesia comprando cosas innecesarias, porque tenían mucho oro, mármol, etc. y
era lo que más criticaban era la adoración de las reliquias y que Lutero acabaría
con ese asunto, en España todo eso se multiplicaba de manera exponencial, de
modo que España hay pinturas y un estudio iconográfico para cada santo.
Cuando Lutero decía no, la contra reforma Española decía sí,
abundando los camarines y capillas de las reliquias como por ejemplo la del
Escorial, la Colegiata de Olivares, la Encarnación (pl. las Descalzas – Madrid)
.
El tema de la Anunciación era continuo, porque una de las
cosas que se criticaban en el s-XVII es la concepción de la Virgen de manera no
divina, y eso en España fue un choque tan fuerte que los dominicos, los
jerónimos, etc. estaban en contra y además había problemas entre las diferentes
órdenes monásticas, y en Sevilla a partir de los primeros del s-XVII una de los
asuntos más importantes era debatir sobre la Inmaculada Concepción de la Virgen
y eso haría que se hicieran alrededor doscientas cincuenta mil pinturas sobre
la Concepción y la Inmaculada pintadas por Pacheco, Herrera el viejo, etc.
En el asunto de las reliquias se había otro debate para
saber cuantos clavos de Cristo había, etc. por esas cuestiones hay tanta
pintura religiosa.
4. TEMAS PINTURA PROFANA
NACIMIENTO DE VENUS
- Botticelli – Galeria Uffini – Florencia (1485)
El estudio
mitológico en Italia era enorme, en España estaba oculta y secreta bajo llave y
detrás de los muros del Alcázar, de los palacios de los reyes, de modo que la
Venus del Espejo de Velázquez estaba escondida bajo llave por el marqués Medina
de las Torres, yerno de Olivares, siendo los privilegiados que tenían unas
pocas pinturas, pero en Italia había muchas porque no era ofensivo tener una
pintura de Venus.
Cuando se habla de Afrodita en el mundo antiguo se habla de
una diosa sexual, era la diosa del sexo, el amor desenfrenado, el amor carnal,
hasta tal punto que Afrodita era conocida por sus infidelidades a Vulcano con
Ares.
LA FRAGUA DE VULCANO
- Velázquez
De esa historia surge el cuadro de Velázquez la fragua de
Vulcano cuando le dice a Ares que le engaña con su esposa, quedándose muy
sorprendido, de modo que Venus era la diosa del sexo.
En la época renacentista que era una época un poco más
puritana hacen el cambio y que Venus fuera sexual no congeniaba con el
humanismo cristiano y la cambiaron a la diosa del amor, de la belleza, del
bien, del contraste, primavera, dándole un concepto más lírico y poético.
Se sabe porque está comprobando que los griegos y los
romanos utilizaban las imágenes desnudas como iconografía sexual, eran las
revistas eróticas de la época, los griegos iban a ver a la Venus o Apolo de
Praxíteles.
5. TEMA PINTURA HISTÓRICA
BATALLA SAN ROMANO – P. Uccello – Galeria Offizi –
Florencia 1458
A partir de ese momento, al igual que se toma el concepto
romano del desnudo, de la mitología, se tomará la historia, de manera que esas
personas que vivieron en su momento eran conscientes que ellos estaban haciendo
Historia y que habría un antes y un después, y para demostrar donde vivían y lo
que hacían, dando a entender que sabían lo que y había ocurrido anteriormente
como era el caso de la Batalla de San Romano, volviendo a rememorar batallas
antiguos, de la mima manera que en la Columna de Trajano se narraba una guerra
de la conquista del norte de Europa, los renacentistas harían lo mismo.
En este caso está Uccelo (Uccelino el pajarito), que era
una persona muy especial y en esos primeros años en Italia se mezclaba la
realidad con la fantasía, cuentan que Uccelo era un hombre que no dormía porque
había una cosa que le obsesionaba y no le dejaba dormir y que era la
perspectiva.
Uccelo, lo que quería era sacar la perspectiva más
correcta, con la profundidad más matemática y que nadie hubiera hecho hasta ese
momento, pero nunca la conseguiría y cada noche se atormentaba porque no lo
lograba.
Cuentan que uno de los modelos que usó para realizar esa
perspectiva y ensayar con ella fue la batalla de Romano, hoy día esta pintura
parece naif e ingenua, hay que tener en cuenta que la representación del
caballo que es el comienzo del contrapposto que es la invasión de la dimensión
física real.
CONTRAPOSTO
Eso hay que tenerlo en cuanta porque por ejemplo al ver la
imagen del pantocrátor, o el Pórtico de la Gloria reserva su espacio, pero a
partir de ese momento se encontrarían esculturas que tengan el codo apuntando
al espectador dándola sensación de invadir el espacio del observador, pues es
algo que se tiene que tomar en cuenta porque los pintores del renacimiento
querían que los espectadores fueran participes de lo que ven.
En España los temas de Historia eran a honra, gloria y fama
de Felipe IV, Felipe III, o los validos del momento, el Palacio del Buen
Retiro, la rendición de Breda,
Recuperación de la bahía de todos los santos (Maíno), etc.
6. TEMA PINTURA RETRATO
Botticelli de Joven – Galería Nacional de Londres (XV)
El retrato era muy importante en ese momento, sobre todo
teniendo en cuenta que había que retratar a los que hacían la Historia, y en
unas ocasiones aparece el retrato de Botticelli de joven, pero en otras
ocasiones el retrato un Medici, Gonzaga, Montefeltro, etc. se retrataban las personas importantes.
En España se conoce como era físicamente cualquier conde de
la época como: Princesa de Éboli, su esposo Ruy, marqués de Chinchón, marqués
de Leganés, los contestables de Castilla, etc.
Todo esto se hacía porque era importante que se conociera a
las personas, era importante que se supiera quien estaba arriba en el
escalafón, porque había que ser siervos de todos ellos, desde el punto de vista
de la élite.
También había algunos cuadros como es el caso de Felipe
III, Felipe IV, Olivares, etc. se usaban en muchas ocasiones para hacer
intercambios comerciales como eran lo matrimoniales, por ejemplo, como iba a
conocer Mariana de Austria a su pretendiente que no era Felipe IV, pues él se
casó por la muerte de Isabel, pero oficialmente era Mariana de Austria era
sobrina de Felipe IV estaba comprometida con su hijo heredero Baltasar Carlos,
pero al morir se casó Felipe IV.
En muchas ocasiones hay referencias como que Richelieu
había mandado un cuadro a Olivares, y Richelieu solicitaba otro de Olivares
para tenerlo él en su galería, ese tipo de intercambios eran muy normales e
incuso tener cuadros de enemigos para conocer cómo eran físicamente, la idea
era conocer al enemigo, dado que Francia y España nunca se llevaron bien.
7. LA CONQUISTA DE LA PERSPECTIVA
SANTÍSIMA TRINIDAD – Masaccio – Santa María de Novella –
Florencia s-XV
La imagen de la Trinidad marca un antes y un después siendo
una de esas imágenes que trastocaron la década de los años 20 del s-XV que es
una imagen que pretende engañar, hacer una falsa perspectiva creando una
capilla donde no la hay.
LA MADONNA DE LA ROCA – Leonardo da Vinci– Louvre – París
El gran genio Leonardo da Vinci conocía todo y al leer su
biografía se observa que este hombre estaba destinado a ser lo que fue porque
lo mismo hacia un invento que pintaba un cuadro, o rápidamente un boceto, y se
tuvo que cansar hasta tal punto de conocer lo decidió hacer algo distinto y ese
tipo de escenas que parecen de películas fantásticas actuales ya las hizo
Leonardo, pues sabia como era un paisaje y no quería repetirlo, y a través de
ese color azul, el sfumato que usaba en los perfiles de las figuras, la
perspectiva que daba unas imágenes con una sensación de que flotaban, siendo un
concepto totalmente distinto, pero Leonardo no era nadie sin Masaccio
conociéndolo muy bien a él y a otros artistas.
8. COLOR Y DIBUJO – QUATTROCENTO
CARACTERÍSTICAS ENTRE QUATTROCENTO Y CINQUECENTO
QUATTROCENTO: Dibujo más nítido y firme
CINQUECENTO: Importancia del color frente al dibujo
El quattrocento tiene un dibujo más nítido y firme, pues
esos autores no se podían permitir el lujo de hacer grandes cosas, pues en realidad
estaban aprendiendo con prueba y fallo y eran conscientes de que no eran
perfectos porque tenían que recuperar todo lo que se había perdido y lo
intentaron dando mucha más importancia a la línea.
Botticcelli pintaba retratos y también pintó escenas religiosas,
no todo fue mitología.
ORACIÓN EN EL HUERTO – Botticelli, Museo Catedralicio,
Granada (1500)
Se observa a Jesús en el monte de los olivos, pero todavía
deberían practicar mucho más y conocer mucho más la naturaleza y la
perspectiva.
En el cinquecento se le daría mucha más importancia a la
luz y al color, un color mucho más fuerte porque esos pintores eran mucho más
preciosistas como eran Rafael, que se distingue de Leonardo y Miguel Ángel,
porque él es el más simpático de los tres en el concepto de pintura, a la vez
de ser el más clásico pintando más mitología, alegorías, etc. y en ese concepto
es el más sencillo, pues los otros dos
grandes genios iban en un universo paralelo y pintaban varis cosas simultaneas
cambiando de una obra a otra, Miguel Ángel podía estar en la capilla sixtina y
a la vez haciendo la tumba de Julio II, lo mismo ocurría con Leonardo que se
iba de un lado a otro, lo mismo estaba en Francia que volvía, eran dos artistas
que no se pueden englobar en una época.
El Parnaso – Rafael de Sanzio – Museo Vaticano s-XV
Esta obra se encuentra ubicada en el Vaticano con una
imagen muy preciosista.
9. QUATTROCENTO Y LA LUZ
Esta época fue muy uniforme, y no hacen ni sombra ni luz,
estando muy lejos de de Caravaggio que tenía unos años de bagaje e investigación,
estos pintores lo que hicieron fue usar un concepto de pantalla plana.
SALOMÓN Y LA REINA DE SABA – della Francesca
En esta pintura Piero della Francesa hizo una escena uniforme
dividida en exterior e interior pero ambas partes es la misma, por lo tanto, es algo que deberán ir aprendiendo estando en
el 1450 no se tardará
LOA SAGRADA FAMILIA – Leonardo Da Vinci – Louvre 1508/10
Varios años después en el cinquecento da Vinci hará esa
gran obra en la que se vuelve a encontrar como el autor plasma para que el
espectador de fije en loa tres personajes y el resto de la escena al ser menos
importante daba igual y en la zona de la periferia del lienzo la ensombrece,
incluso el pequeño carnero que se intuya, de modo que el fondo es prácticamente
un boceto en el que se puede intuir unas montañas tan características de
Leobardo pero que se quedan en un boceto, eso era producto de estudios de
muchas décadas.
9.PREOCUPACIÓN POR LA NATURALEZA
Después se estudiaría la naturaleza y poco a poco el cuerpo
humano pero las primeras pinturas era un poco torpes, producto de la época, estos
pintores no eran Leonardo, Miguel Ángel o Velázquez, en el sentido anatómico y
representación de los sentimientos.
LA PRIMAVERA – Botticelli – Primavera – Uffiz – Florencia 1478
Botticelli pinta diferentes escenas y figuras que son básicamente idealizaciones, con Botticelli ya se puede dar mucha más importancia al escorzo, la invasión del espacio del espectador.
Ejemplo de algunos artistas. Perugino fue el maestro de
Rafael.
FRA ANGELICO
Sería uno de los grandes pintores del Renacimiento, pero
era un pintor sin formación renacentista, porque su formación era una formación
gótica. El gótico internacional era un gótico suave, esbelto, lleno de formas,
que se extendería por toda Europa y que sería característico de la escultura,
pintura y sobre todo de las miniaturas en libros.
MINIATURA DE FRA ANGELICO
Trabajo como ilustrador como se puede observar el detalle
preciosista, gótica y la delicadeza de
esta obra es maravillosa.
Las figuras son esbeltas y van como flotando, ese es el
gótico internacional, y el problema que tiene el artista es su formación y Fra
Angelico tenía un tormento y era como se iba a interpretar las cosas que se estaban
estudiando en relación a su pintura que era básicamente.
Ese era el problema de esa primera pintura. Caravaggio era un
fraile dominico, a partir de ese momento habría muchos frailes y monjes como
pintores.
En España había varios como Vicente Carducho y el otro
Bautista Maíno que sería uno de los principales pintores de la época de Felipe
IV y su maestro.
LA ANUNCIACIÓN – Fra Angelico – Museo del Prado
Es una pintura que refleja un Misterio que se hizo muy
importante con el la Contra reforma y el momento que plasma Fra Angelico es el
momento en que la Virgen recibe la noticia el ángel que será la Madre de Dios y
la imagen ofrece cara de extrañeza, la pintura indica que el artista trabajo
los sentimientos para reflejarlos en el rostro.
Esta obra fue vendida por los frailes a Mario Farnese en
1611 para sufragar los gastos de la construcción del campanario de la iglesia,
poco después este príncipe italiano la enviaba como regalo al valido del rey
Felipe III, Francisco Gómez de Sandoval, duque de Lerma que llevo la pintura a Valladolid a la Iglesia de
San Pablo enfrente del palacio real donde iba Felipe III que eran casa de Lerma
y el rey le pagaba el alquiler y fue donde estuvo la pintura por ser un lugar
importante.
Con el paso del tiempo esta pintura acabó en las descalzas
reales y en el s-XIX con la desamortización la llevó al Museo de la Trinidad y
de allí a la parte del Museo del Prado.
Esta pintura es un retablo muy pequeño que por sus
dimensiones podría haberse usado como retablo de oratorio y era muy normal en
la casa de los Austrias que se tuviera ese tipo de capillas privadas y
oratorio. En el Alcázar de Madrid vivían muchos nobles y cada uno de ellos
tenía su oratorio para rezar de manera piadosa.
PLANTEAMIENTO
Lo importante de este cuadro son los planteamientos góticos
y clásicos, se observa un concepto narrativo y que entre ambos no tiene que ver
nada uno con el otro como es el Génesis y el segundo que forma parte del Nuevo
testamento, el autor da a entender que el pecado de Adán y Eva será resarcido
con el nacimiento de Jesús que morirá en la cruz para recibir el perdón por el
pecado original.
La naturaleza ya no era como la de Ghiotto plana, sino que
hace distintos planos y volúmenes a través del distintos tipo de plantas y
frutas como la manzana con la que el demonio tentó a Eva, haciendo algo curioso
que era la mano expulsando y se van apenados, pero no se puede ver lo que hay
dentro del paraíso y lo único a lo que se tienen derecho a ver lo que nacen con el pecado original es
lo que hay fuera, dejando esa idea muy clara Fra Angelico.
Dentro de un portal semi-renacentista, pues aunque él usa
el arco de medio punto, también usará la perspectiva dando la idea de renovación pero no lo acaba
de hacer, usando los arcos y los tondi, que es totalmente clásico, el tipo de
cubierta que pinta unidas a los arcos de medio punto es una cubierta de cañón.
Influenciado por el gótico internacional usará el color
dorado que no marca tiempo, ni espacio, y lo usaban para todo lo que no se
podía marcar con nada, y usa el color dorado por muchas partes, en un intento
de evolucionar y el problema que tiene Fra Angelico es que la sociedad ha
avanzado e iba a un ritmo que él no alcanzaba, e iba colocando algunas
novedades sobre todo en el concepto de cronología, pero no se puede hablar de
Fra Angelico como padre de la pintura religiosa. Generalmente las personas que
hacían encargos a Fra Angelico eran muy conservadoras sobre todo su clientela
era de las órdenes religiosas.
VIRGEN DE LA GRANADA – Fra Angelico – Museo del Prado
Es una imagen preciosista en miniatura y muy atemporal y
eso no ocurría con los pintores renacentistas, pues el concepto del oro con ese
pan de oro que se utilizaba tanto en la Virgen medieval, era demasiado plana, al
niño le intenta dar un toque humano pero no lo consigue y recuerda a imágenes
de la Virgen sentada en un trono en la Catedral de Lérida. La fecha de las
pinturas dependía de donde se sentara el niño si estaba en el centro era mucho
más arcaico que si se sentaba a la derecha o a la izquierda es la marca de la
renovación.
Fra Angelico era consciente de que no controlaba bien la
perspectiva, aunque intentaba poner algo de perspectiva para dar profundidad.
Esta pintura está hecha entre 1425 y 1428 pudiendo ser de 1426, pero las fechas
puestas por los historiadores suelen ser aproximadas, pudiendo ser anterior a
la Anunciación, aunque el Prado la data posterior.
La belleza del humanismo religioso lo tenía controlado,
siendo el concepto de elementos puramente mitológicos como podían ser los
angelotes tomados directamente de los cupidos o la belleza infantil del niño
Jesús que sería muy copiado, aunque le costaba mucho evolucionar.
FUNERAL DE SAN ANTONIO ABAD - Fra Angelico, Museo del Prado 1426/30
Estas pinturas muchas veces no están expuestas al estar en
los almacenes del sótano museo.
Fra Angelico va colocándolos diferentes elementos poco a
poco, con algún elemento natural, como el árbol, la montaña, pero San Antonio está
colocado encima sin ningún tipo de volumen. En el cielo hay una imagen que
podía ponerse en cualquier parte, lo que indica que no controlaba el volumen.
LA ANUNCIACIÓN – Fra Angelico, Museo San Marcos – Florencia
Esta anunciación la haría en la segunda mitad del s-XV, y
ya habían transcurrido algunos años y se nota más cambiada, sobre todo por el
estudio de Masaccio, se observan las columnas que ya no son verdaderas, son
columnas que pueden sujetar los arcos de medio punto, trató de poner varios
planos con algo más real como son las vallas de madera e incluso como no
controlaba la perspectiva al cien por cien lo que hizo fue colocar una vegetación amplia porque
controlaba algo más la naturaleza, en esa obra se ve un Fra Angelico mucho más
experto y más conocedor de la perspectiva y de la profundidad, además él es
consciente y no quiere limitarse a poner algo que es imaginación, pues en
realidad lo edificios que veía muchas veces mezclaban los arcos apuntados con
los arcos de medio punto, y no quiere cambiarlo ya que era lo que él veía en la
realidad y no quería alejarse de ella. En Italia y en Florencia se veía esas
mezclas en sus edificios.
Aunque no controlaba la profundidad ya tenía más concepto
de la perspectiva e incluso a las alas las intenta dar un poco más de realidad,
los vestidos ya no son tan dorados. Esta es la última etapa ya que moriría al
poco tiempo de realizarla.
CONVENTO DE SAN MARCOS
Fra Angelico tenía muchos encargos para este convento de
San Marcos está en Florencia y es muy importante porque a partir de ese momento
serían también museos que no eran públicos, eran interiores. Había diferentes
tipos de conventos, los de clausura y los reales, muchas veces los conventos de
clausura eran reales, entonces las obras de arte que había en el interior solo
los veía la comunidad o el rey o reina del momento que pagaba dinero para que
se hiciera un convento, como la Encarnación de Madrid que fue hecho por Fray
Alberto de la Madre de Dios en 1511 que fue pagado por Margarita de Austria y
Felipe III, es un convento real por el que los reyes pagan y a comunidad usa el
dinero para las reforman, mejoras o el ajuar. En estos conventos los reyes
tenían acceso libre unas horas al día para rezar o ver las obras de las
distintas capillas.
El convento de San Marcos es un convento privado, propio, y
los únicos que veían las obras de arte eran los monjes, en este caso los
dominicos.
Los conventos se dividen generalmente por una parte el
núcleo del convento es el claustro que divide las diferentes estancias a través
de sus pandas soliendo tener dos pisos por lo general y son rectangulares y con
galerías de arcos de medio punto y la parte de arriba acristalada.
Alrededor de esas pandas se solía disponer de distintas
capillas donde se colocaban los cuadros y pinturas, ejemplo modelo del convento
español carmelita que es el más importante.
Alrededor de los patios a medida que se iba avanzando un poco
por el convento se observa que detrás delas pandas del convento se desarrollan
las distintas estancias, entre ellas las celdas.
Los conventos dominicos como es el caso de San Marcos
pueden tener algo más de lujo, pudiendo tener alguna pintura, relicario,
crucifijo importante con joyas hecho a mano, pero los carmelitas no porque
Santa Teresa de Jesús era muy recta con los votos de pobreza y lo único que
podía haber en las celdas era una cama y una cruz de madera.
El convento de San Marcos al ser dominico se podía permitir
tener algo más de lujo como las pinturas que eran representaciones generalmente
de Santo Domingo y los ciclos de pintura estaban dedicados al santo fundador de
la orden.
TRANSFIGURACIÓN – Fra Angrelico – San Marcos
Había un gran fervor en ese momento por los monjes de
clausura y ellos pensaban que el interior de los conventos les iba a impedir intoxicarse
de todo lo exterior que era una sociedad muy libertina y malo que junto a las
pinturas hacían amuentar el fervor. Las pinturas se desarrollaban al fresco en
las paredes de las celdas, algunas son más preciosistas con el concepto del
dorado.
Esta transfiguración no tenía nada que ver con que haría en
posteriormente Rafael que sería mucho más renacentista.
LA SANTA CENA - San Marcos Ghirlandaio
En ese mismo convento de San Marcos Ghirlandaio que pinto
este fresco en el refectorio del convento.
En ese momento empezó tomaron mucha importancia los conventos
y la Santa Cena siempre estaba en los comedores para comer con Jesús.
En este caso Ghirlandaio marca una perspectiva con el fin
de ampliar la sala pareciendo mucho más grande, basándose en la naturaleza
romana recordando las pinturas de las villas de Augusto, Livia, etc.
AUTORRETRATO DE MASACCIO
Fra Angelico murió siendo monje y su obra la desarrollo siendo
un pintor que a lo largo del tiempo vivió en la orden pero no fue un pintor que
marcara tendencias, el padre del renacimiento en pintura sería Masaccio que
sería el más importante.
Este pintor Masaccio sería el padre del Renacimiento en
pintura por ser el primer pintor que mezclaría arquitectura con pintura,
autorretratándose en alguna de sus pinturas y era importante porque él era
consciente de la importancia que tenía como pintor, haciendo una pintura totalmente distinta a Fra
Angelico.
Características de su pintura
- No fondo dorado
- No elementos fantásticos
- Desaparición de naturaleza exótica
- No volumen constituido por la luz y el color
EXPULSIÓN DE ADÁN Y EVA DEL PARAÍSO TERRENAL – Masaccio
Este era un tema muy recurrido, en esta obra se observa una
manía muy mala que tenían después los posteriores del s-XVII de tapar con parras
los cuerpos para no mostrar desnudos integrales.
Se renovaron e hicieron grandes cambios en la pintura,
volviendo a colorear dando el brillo que tenían en su momento para devolver el
aspecto que tenía la pintura que hizo Masaccio en torno 1425.
Fra Angelico al ser contemporáneo intento tomar ciertas
cosas de Masaccio como los fondos arquitectónicos y el concepto de volumen haciendo
que sus pinturas fueran más parecidas a los cuerpos escultóricos, porque tomará
como modelo la escultura de la época.
Otra cosa importante que hará Masaccio era no dar solo
volumen a las pinturas también a los personajes no solo el estudio anatómico corporal
sino a la mente y plasmar los sentimientos, para ver si los personajes están
alegres, tristes, y en ese caso marcó claramente encuentran tristes y preocupados
porque han sido expulsados del paraíso.
CAPILLA BRANCACCI – Iglesia florentina del Carmine
Desde el trescento se hizo muy común pintar las capillas
como es el caso de San Pedro que se haría famoso por ser el padre de la Iglesia,
pero había que dignificar su figura pues fue el que hizo todo y otros querían empezar
a destrozar la Iglesia y quitar las bases establecidas desde su época y eso no
se podía consentir y ocurrió como con la Inmaculada, los santos, que en un
momento determinado empezar a estar en todas las obras.
Masaccio junto a otros artistas Fillipo Lipi, Fillipino
Lipi (hijo), Massolino, etc.
EL TRIBUTO DE BRANCACCI - Massaccio
Las figuras escultóricas eran muy importantes para
Massaccio como se observa todas las figuras tienen el mismo nivel, tomando
nuevamente el concepto que tenía el Ara Pacis en que todos los personajes
estaban al mismo nivel, nadie era más importante que otro, desterrando la idea de
Cristo mucho más alto, no teniendo nada que ver con la cultura gótica y por lo
tanto Jesús va a estar en medio de todos los personajes, después será cronológico.
En la pintura se ve a San Pedro, San Pablo, y Judas con las
monedas y haciendo que siempre haya un concepto cronológico, teniendo en cuenta
como principal característica de estos pintores renacentistas, la cronología y
la historia.
La expresividad psicológica, la distinción entre los
personajes, se individualizan las figuras, porque, sino se caería en la falta que
hacían los góticos, pues la pintura gótica no había desaparecido algunos pintores
seguían usándola.
RESURRECCIÓN DEL HIJO DE TEÓFILO Y TRONO SAN PEDRO
Llama la atención en ese tipo de pinturas y que lo va a
comenzar Piero della Francesca es el concepto de intentar hacer partícipes a
aquellos que miran las pinturas.
Había dos formas de hacerlo una era poner una persona que mira
fijamente, metiendo al espectador dentro de la pintura como ocurre con del Conde
de Orgáz – El Greco, y otra forma es hacer que el espectador se sienta
identificado con algo perteneciente a su época, en este caso Massaccio vistió a
los que miran la escena de la resurrección como personas de la época y están
contemplando una escena bíblica que no tiene nada que ver con su época, metiéndose
en dos épocas que se funden haciendo mucho más real lo que estaba narrando, y
para conseguirlo hace que las personas se sientan identificadas con esa escena que
desde otras perspectiva no tiene nada que ver.
Esta es una de las características de Massaccio y la
persona que acaba la obra que es Fillipo de Lipi terminando el boceto que dejó
Massaccio.
SAN PEDRO DE LOS ENFERMOS – Massaccio
Es una pintura muy diferente de la de Fra Angelico, no solo
la ropa sino también los edificios, no se puede pensar que S. Pedro iba andando
y se encontró con un edificio con sillares almohadillados y en ese caso lo que hace
Massaccio es tomar como referencia a sus contemporáneos como Brunellescci, etc.
que servirían para si no había ropa había arquitectura.
LA SNTISIMA TRINIDAD – MASSACCIO
Una de las pinturas más importantes de ese momento sería la
Trinidad que es una obra que se encuentra en Santa María de Novella, que es la
iglesia gótica que acaba Alberti la fachada y que va a marcar un antes y un después
en la pintura. Esta es una de las primeras pinturas que se hicieron de concepto
casi fantástico y arquitectura fingida, profundidad fingida, porque lo que
pretende hacer es una capilla que no existía.
Cuando se va a Santa María de Novella se puede ver que esa
pintura tiene tal profundidad que parece que se mete en una capilla, jugando
con esa mentira tan propia de los renacentistas. En realidad lo que hacía era
algo muy normal, sobre todo la escena con María, San Juan.
que está en forma de cuello blanco.
Massaccio juega con las capas, ya que es la manera de ver
la profundidad
-TEMPUS FUGIT
-VANITAS
En la muerte está el mensaje “Tempus Fungit”, el tiempo
huye, vive la vida, el mensaje es
disfruta la belleza que es efímera, y las
personas se arrugan.
El otro es mucho más agradable que son las vanitas que
dicen que hay que disfrutar porque al final se acaba siendo esqueleto como ese,
que es un mensaje típico del renacimiento y sobre todo del barroco.
En España se usaba mucho las escenas de las vanitas y en algunas
ocasiones se hacían estos esqueletos muy escatológicos.
LOS DONANTES
Existían desde hacía siglos, pero en ese caso se iban a
representar en la misma escena que las figuras sagradas siendo algo muy
novedoso.
Aparecen de perfil porque son las personas que pagan y
quieren aparecer en la pintura para que todos sepan que han pagado, siendo algo
muy moderno, era importante que los demás supieran todo lo que hacían las
personas.
ESTUDIO DE CÓMO ES LA PERSPECTIVA
Lo que pretendía era que lo primero a ver era la muerte,
después los comitentes o donantes para salvar su alma, y eso se lo están
pidiendo a la Trinidad.
Massaccio hizo una imagen de la Virgen adulta, se una
señora mayor, algo que Miguel Ángel le horrorizaba porque no quería a la vejez,
por lo que vivió en una eterna juventud en su mente, porque en su vida sufrió
mucho al ver que envejecía y en sus poemas se quejaba y usaba modelos jóvenes.
Rima 17
“Corazón cruel, acerbo y sin piedad,
envuelto en dulzura y de amargor lleno,
tu fidelidad es muy breve, y dura
aún menos que una flor en primavera.
Pasa el tiempo y es, repartido en horas,
al vivir nuestro un pérfido veneno;
él es la hoz y nosotros la hierba,
Fidelidad y belleza caducan,
mas una es consumida por la otra,
como tu pecado quiere mi mal.
todos los años siempre entre nosotros.”
En esa noción se puede ver claramente el arco de medio punto,
casetones propio de la arquitectura que se usaba en ese momento.
PIERO DELLA FRANCESCA – (1415-1492)
Era el gran desconocido del Renacimiento.
La Resurrección – Piero della Francesca – Museo Cívico Sansepolcro
El Análisis del cuadro es: Geométrico, luz artificial,
volumen, demasiado tosco, demasiado frio, muy metálico en algunas ocasiones, luz
uniforme, poco conocimiento de la naturaleza y lo tomaran personalidades como
por ej. van Gohg, Picasso, etc. de este
concepto plano, casi naif, pero desaparecerá hasta el s-XX por ser una pintura
muy fuerte, con colores muy duros, y no encajaba en la época en la que vivió.
Virgen con Niño bendiciendo y ángeles – Piero della
Francesca
El óvalo, el cilindro, no tiene perspectiva, es plana,
formas muy simples. Y los noños Jesús comienzan a ser regordetes.
Museo de la Vera Cruz – San Francisco de Arezzo
Tiene rigor matemático pero no usa volumen y se ve una
ciudad medieval sin perspectiva, no tiene profundidad, se observa un intento de
estudio anatómico pero quedándose muy por detrás de Massaccio.
LA FLAGELACIÓN DE CRISTO – Piero della Francesca
Una de sus pinturas más importantes es esta obra donde
della Francesa introduce la arquitectura pero todo es muy geométrico, matemático,
mucho volumen, muy fuerte muy tosco, una pintura muy irreal.
Sobre todo será característica su geometría.
LA SACRA CONVERSACIÓN – Piero della Francesca
La virgen del huevo. Donde el niño esta tumbado pareciendo
que va a caer, no controla nada, y como se puede observar la profundidad no
juega bien, colgando ese huevo para marcar que la protagonista es la Virgen.
BAUTIZO DE CRISTO – Piero della Francesca
SUEÑO DE CONSTANTINO – Piero della Francesca
Díptico de Urbino y Federico da Montefeltro y Battista Sforza -
Piero della Francesca
FEDERICO DE MONTEFELTRO Era un importante pintor arcaico
para la época en que estaba y no era real.
En esta imagen se puede observar que domina la perspectiva cuando
quiere, del paisaje tomando directamente los modelos de perfil y el retrato iba
evolucionando y se iba haciendo un torso más directo y mirando de frente.
Son de los retratos más arcaicos basándose en el retrato de:
Dante Alighieri (Botechelli) .
Dante Alighieri (Botechelli) .
