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ARTE MODERNO - 02 - RENACIMIENTO EN ITALIA

09 de octubre 2018

CREADOR NUEVO LENGUAJE RENACENTISTA 

FILLIPPO DI SER BRUNLLESCO (1377- 1446)

El creador del nuevo lenguaje renacentista fue Brunelleschi que en algunas ocasiones resulta pesado ya que repite demasiadas veces lo mismo.

Brunelleschi usaría los arcos de medio punto, que suelen apoyarse en fragmentos como una especie de dintel o entablamento que recorrerá todo el perímetro de la iglesia, jugando con esos módulos dando más volumen y más plasticidad al edificio que es el decorado que tiene, sobre esos arcos de medio punto va a recorrer todo un dintel por el perímetro interior del templo recordando todo lo ha hecho en el Imperio Romano.

En el renacimiento se utilizan los tres tipos de columnas dórico, jónico y corintio, pero tnato Bruneleschi como Alberti utilizarían las corintias aunque las que más se usaban era las dóricas que eran mucho más sencillas y geométricas, pero como estos dos artistas eran los padres del renacimiento usaban esa novedad, ya que si ellos inventaban ese lenguaje hacían lo que les gustaba.

Se usaba generalmente el fuste liso y eso era importante por la diferencia con el fuste estriado que Brunelleschi lo usaba en los pórticos y recordando esas basílicas paleo cristianas de nave de cruz latina que se cubrían con techos de madera, estos arquitectos las usarían.

Ellos hacían porque aún no sabían usar bien la técnica de las bóvedas de medio punto y las bóvedas de cañón, y hasta que cuando las estudiaron bien, poco a poco las bóvedas de crucería o góticas ya se irían cambiando.

CAPILLA PAZZI 

Los Pazzi serían unas de las familias más importantes de Florencia junto con los Medici teniendo rivalidad entre ambas, con la conjura de los Pazzi relacionada con el mundo de los Medici, y ellos encargaron a Brunelleschi la capilla Pazzi como un modo de competir con los MNedici.

Esta será una de las capillas más bellas de Florencia porque se pueden encontrar todas las características de Brunelleschi en un pequeño espacio.

En el exterior de la capilla Pazzi usaría pilastras corintias.

PÓRTICO DE LA CAPILLA PAZZI

A ambos lados tiene bóveda de cañón con los dos casetones con flores que bebe del mundo del Partenon y que poco a poco lo fueron aprendiendo y usando cada vez más.

Hay una seudo cúpula, al no ser una cúpula y estarían comenzando con la arquitectura  fingida, jugando con los volúmenes y que utilizarían los barrocos.

En las pechinas que es donde irían los tondo colocan las veneras que se comenzaron a usar en el renacimiento y se usarían no solo en los edificios, sino también en las esculturas y en las fuentes.

TRITÓN DE BERNINI

Una de las fuentes más importantes sería el Tritón de Bernbini que se ubica enfrente del Palacio Barberini.

Parece la entrada al Partenón con diferencias, de menor tamaño, pero lo básico es similar que era su pretensión.

Este tipo de arco de medio punto es racional, pues no desvía la atención, porque la intención de los renacentistas era que los espectadores viesen en conjunto el edificio, para que desde la entrada se viera el edificio al completo, con el fin de que no se desvíe la atención por ninguna parte, por lo que todos tienen simetría y proporción,  sin embargo el barroco tratará de dar un efecto sorpresa en cada elemento, lienzo, paredes, arcos o conjunto escultórico, obligando la parada y no permitiendo ver en su conjunto el edificio, sino ir poco a poco observando todos esos misterios e enigmas.

El bicromátismo dará un poco más de decoración utilizando el tono gris y el blanco que es la típica arquitectura propia de Brunelleschi.

SECCIÓN AÚREA

Brunelleschi utilizará para que todo será correcto las matemáticas usando la sección aúrea que ya se conocía en época romana que era medir todo lo máximo posible para crear medias exactas.

Felipe II en el Escorial para no abrir la puerta al infierno hará el monasterio del Escorial justo encima del agujero donde salía el infierno usó ese tipo de proporciones.

Capilla de San Lorenzo que hace Brunelleschi en origen y la Capilla que Miguel Ángel años después, en planta prácticamente  es la misma, parecida y simétrica.

La basílica de san Lorenzo se fue agrandando con ampliaciones sucesivas, en el número 2 está la  "Sacristía Vieja" obra de Brunelleschi,  y el número  7 está  la "Sacristía Nueva" obra de Miguel Ángel.

Miguel Ángel aunque era un arquitecto que iba a salir del entorno renacentista evolucionando y dando formas manieristas respeta mucho a Brunelleschi que no quería que en planta la capilla fuese distinta.

La decoración aunque iba a estar mucho más barroca seguiría usando el bicromátismo, de modo que usaba la idea de Brunelleschi e intentó tapar la fachada que al final no se realizó por falta de recursos económicos, que era muy común que las fachadas no se acabaran en Italia.

Brunelleschi además de jugar con los arcos de medio punto, las bóvedas, y los techos de madera, jugaría con el cubo y para ello iba repitiendo en todos sus edificios y en cada uno de los módulos.

Las iglesias por lo general se dividen en diferentes tramos, la sobre las pechinas, y puede ser una iglesia de planta latina, cruz griega, etc. dividida en x tramos y con un dintel que suele recorrer todo el perímetro del edificio.

Brunelleschi lo que hizo es que en cada uno de los tramos solía poner un cubo esfera, pero como cubría las iglesias con techumbre, eso lo pudo hacer en las grandes iglesias como San Lorenzo y el Santo Espíritu, sin embargo cuando tenía la posibilidad lo hacía como fue el caso de la Capilla Pazzi en que usó el cubo esfera cubriendo todo el edificio con esa geometría.

Con este edificio se subraya aún más las proporciones, el estudio casi obsesivo que tienen por esas formas al crear sus edificios, Brunelleschi era muy consciente de que sus edificios son depurados y sin decoración, por lo que utilizará siempre elementos arquitectónicos para la decoración como las pechinas, los nervios de la propia cúpula, o en las pechinas usaría los tondo mezclados con pequeños relieves creados por la familia de los Robbia.

Por lo que la arquitectura de Brunelleschi es muy fácil de reconocer al no tener ningún tipo de misterio.

Se puede observas en la capilla de los Pazzi que en cada una de sus capillas utilizó el concepto del circulo metido dentro de un cubo siendo mucho más geométrico.

CAPILLA PAZZI

A lo largo del edificio puso pilastras subrayando el bicromatismo, por lo general las pilastras son grises, los lienzos son blancos pastel y entre las pilastras solía poner arcos de medio punto para subrayar aún más esa geometría.

Detalle rosetón columna

Lo que caracteriza esta arquitectura es el bicromatismo que acentúa la geometría.

SAN LORENZO Y SANTO ESPÍRITU

Estas dos capillas no son pequeñas pues para él el concepto de iglesia era importante, no es que los templos fueran grandes, sino que el bicromatismo acentuaba la perspectiva y la geometría, engañando al ojo. Una de las características de los renacentistas es que copian lo greco-romano para engaña a través de la arquitectura, dando la sensación de perfección aunque no lo fuera, como por ejemplo el Partenon que tiene un abombamiento de sus columnas para conseguir una imperfección perfecta.

Brubelleschi estuvo dominando la escena arquitectónica durante el cuattrocento, la primera mitad del s-XV.

LEÓN BATTISTA ALBERTI  (1404- 1472)

León Alberti era contemporáneo de Brunelleschi, no fue su alumno pero estudio y se conocía todas las técnicas de Brunelleschi, considerándolo como el padre de la arquitectura.

Alberti fue el arquitecto teórico del Renacimiento, en los libros se suele hablar de los artistas del renacimiento y eso incluye todas las especialidades, a Leonado se le llamaba el Hombre del Renacimiento porque sabía ciencias, escultura, pintura, era inventor, pero en realidad todos los hombres del renacimiento eran hombres de su tiempo.

Alberti era pensador, escritor, poeta, pintor, escultor, arquitecto, y al contrario de Brunelleschi escribía más que elaboraba, pero los edificios que hacía son muy importantes por incluir algunas novedades respecto a Brunelleschi.

Alberti conocía el mundo de los Medici y estaba dentro de ese mundo del mecenazgo, a diferencia que Brunlleschi que su arquitectura estaba básicamente en Florencia, Alberti viajó mucho y tenía obras por diferentes lugares como por ejemplo Mantua siendo algo novedoso, pues sus ideas no se quedaron únicamente en Florencia, sino que se expandieron por otros lugares de Italia.

RETRATO LEÓN ALBERTI

Este tipo de retratos suelen pertenecer a libros de hombres ilustres que es algo que se hacía mucho en el Renacimiento y durante el Barroco, esos hombres eras ilustres pro haber hecho algo importante en su época, enseñando cuales eran sus características y sus obras.

En un retrato de principios del quattrocento porque todavía la imagen no está mirando al espectador, los rostros no miran de frente y eso es una de las características de esta época, cuando el retrato es lateral es de comienzo del renacimiento influenciado por la numismática, Boticchelli trabajaría este tipo de retratos.

Hay dos hitos importantes en el Renacimiento:

TRATADO DE ARQUITECTURA – ALBERTI

De re aedificatoria -  El arte de edificar

El famoso tratado de Alberti que sería una especie de tributo a Vitrubio que era el arquitecto de Augusto que fue Emperador de la Familia Julia Claudia que instauró el Imperio Romano.

Estos arquitectos se basaron el Vitrubio para poco a poco poder hacer todas las novedades que volvieron a florecer después de haberse olvidado durante toda la Edad Media.

Este libro de 485 tuvo muchas tiradas por ya existir la imprenta, sin la imprenta no se entendería la Edad Moderna ya que a lo largo de esos años todos los libros tenían que ser copiados a mano en los conventos en ese momento ya eran tiradas que llegaban a España, Francia, Portugal, Londres, haciendo que el arte italiano se conociera en la corte de París que antes era mucho más difícil.

El tratado de Vitrubio se encontró en esos momentos y una de las características de los conventos de la Edad Media  era copias los tratados romanos y gracias a eso muchos de esos tratados romanos y han llegado a nuestros días de lo contrario se hubieran perdido.

A Alberti lo caracteriza frente a Brunelleschi era el estudio de la música, porque la geometría, matemática, etc. les era común a los dos, sin embargo, los edificios de Alberti eran edificios mucho más melódicos según lo denominan historiadores del arte.

El estudio de la música Alberti lo aplicaba al tener formas más armoniosas, más delicadas, semejantes a las partituras de la música.

SANTA MARÍA DE NOVELLA (Florencia) 1436

Una de las principales obras de Alberti fue la terminación a mediados del s-XV de este edificio que ya existía, y uno de los principales problemas que había en Florencia era que la mayoría de los edificios estaban sin terminar desde la época gótica.

Lo ocurrió con la Catedral, con San Lorenzo, Santa María Novela es que no las terminaron por falta de recursos, y a mediados del s-XV a Alberti le encargan que termine la fachada de la iglesia gótica encontrándose con un problema y es que ya estaba medio hecha y todos los arcos inferiores estaban acabados y Alberti aplicar las nuevas características de la nueva arquitectura no fuese muy impactante a la hora de terminar la fachada.

Alberti hizo un tránsito hacia las nuevas ideas, para lo cual puso un semi arco apuntado, no es un arco apuntado ni un arco de medio punto, de modo que jugaba con las formas.

Para terminar con un gablete que era algo característico de la arquitectura gótica, además puso dos cuerpos laterales en los que predominaba la geometría a través de los arcos de medio punto apoyados en pilastritas que no servían para nada y eran únicamente decorativas, estas pilastras hacían que el módulo pareciera más grande y además las dividía en esos dos módulos para que se viera claramente la proporción y que todo estaba medido.

Un cuerpo lateral era similar al otro cuerpo de modo que si se doblase la fachada sería simétrica.

La parte superior de la fachada ya estaba hecha, Alberti hizo la inferior y posteriormente se encargaría fue de hacer una entrada principal mostrando cual era la entrada al templo demostrando las novedades, haciendo un arco de medio a modo de arco del triunfo siendo otra de las características de Alberti que sus fachadas serán Arcos del Triunfo, apoyándose en dos y debajo de los cimacios estaban las pilastras básicamente para dar altura.

En Italia no solía haber esculturas, lo normal eran las pinturas en frontones semi circulares, bebiendo de los mosaicos de procedencia bizantina, esta iglesia es una copia de La Basílica de San Miniato al Monte del mundo románico.

Alberti hará un segundo cuerpo apoyado sobre dos entablamentos uno más grande y otro más pequeño usando diferentes molduras y jugando con el mundo geométrico y la repetición, ese cuerpo lo hace alto para seguir la línea que se venía siguiendo desde la época paleo cristiana y la nave central siempre más grande que las naves laterales, y el problema era hacer el tránsito entre esas naves laterales y la nave principal para lo que usaría dos grandes volutas.

Se puede apreciar el valor de la elegancia y la armonía de la música, teniendo en cuenta que ese tipo de molduras entre la nave central y las laterales es algo que se hará famoso con los Jesuitas.

Alberti terminará el edificio con un frontón triangular propio de los templos greco-romanos. Alberti hace el tránsito hacia las nuevas formas, las columnas son un ornamento decorativo, pues esas pilastras no son estrructules.

TEMPLO DE MALATESTA – San Francisco de Rimini  (1450)

Significa templo loco. Italia se dividía en distintas ciudades como es el caso de Rimini que estaban gobernadas por dictadores, Malatesta por encargo de los Medici le encargaron que reconstruyera el templo que tenía una estructura gótica.

La fachada no era habitual no estaba acabada por lo que Alberti tuvo una libertad absoluta, y en el interior hizo ciertos juegos ópticos con lo que el gótico quedaría distorsionado por el arte renacentista.

La imagen recuerda cualquier templo greco-romano, con una gran diferencia y es que generalmente suelen estar un pedestal y grandes escaleras, los renacentistas reinterpretan y no lo hacen a imagen y semejanza, y para jugar con el concepto de templo romano es hacer un pequeño pedestal para jugar con la altura y sobre ese zócalo creará molduras geométricas que recuerda al Ara Pacis con flores y elementos geométricos, además coloca grandes columnas sobre ese entablamento.

La fachada recuerda un arco del triunfo que está dominado por un gran arco central de medio punto, acompañado de pseudo-pilastras, pilares, y utilizará dos cuerpos gemelos modificando un poco al jugar con los arcos de medio punto sin tener un arco profundo, sino un arco como moldura. Alberti tampoco terminó esta fachada por la falta de recursos económicos.

INTERIOR IGLESIA MALATESTA DE ALBERTI

En el interior lo primero que se solicita es crear una gran planta, con una cabecera que fuera una gran elipse, que si la hubiese acabado habría sido la primera gran obra del  renacimiento anterior a San Pedro del Vaticano, que no se acabó por nuevamente falta de recursos económicos, de modo que creó una cabecera normal y redonda sin pretensiones artísticas.

PLANO TEMPLO MALATESTIANO

Es una nave y en los laterales están las capillas.

En el interior son arcos apuntados ya que no podía jugar con la estructura, pues no iba a destruir todos los arcos para crear uno nuevo, sino que adornó con distintas molduras y distintos conjuntos escultóricos lo que en principio era un edificio puramente gótico, de manera que la estructura gótica queda disfrazada por conjuntos escultóricos renacentistas.

Alberti puso molduras, pilastras en cada uno de los pilares de las capillas, haciendo un templo a la antigua, cuando los renacentistas hablaban de templo a la antigua se referían a templos greco-romanos, cuando se referían a templos a la moderna, se referían a templos góticos. Para los renacentistas un templo gótico era moderno.

Alberti era bastante más dinámico que Brunelleschi a la hora de realizar edificios, como se plasma en uno de sus grandes monumentos que será San Andrea en Mantua.

SAN ANDRÉS EN MANTUA – LEÓN ALBERTI - 1470

Es un edificio imponente en el que de nuevo Alberti volvió a jugar con la fachada de arco de medio punto. Este tipo de arquitectura era muy importante para los renacentistas, pues el arco del triunfo suponía para ellos la vivencia de Roma en que tenían arcos importantes y que no habían desaparecido en la Edad Media como era el caso del Arco de Tito, el Arco de Trajano, etc. todos esos arcos serían objeto de estudio para los artistas renacentistas, como una de las pocas cosas que quedaban eran los arcos, pues como loas iban a destruir y lo que intentaron reproducir dentro de las fachadas de los templos, Alberti sería uno de los que lo llevó a cabo.

El Arco del Triunfo sería muy importante a lo largo de la historia de la Edad Moderna sobre todo en Italia.

En España cuando se hacían las famosas entradas de la reinas a Madrid, una de las más importantes que se llevó a cabo en 1570 con Ana de Austria que será la cuarta y última esposa de Felipe II se decoró toda la villa de Madrid con arcos romanos de arquitectura fingida de cartón piedra, basándose en el arco de Tito, etc. de ahí se observa la importancia que tenía el arco para los hombres del s-XVI, XVII, el propio Felipe II, no tenía el título de emperador, pero hacía las veces y todo el asunto de los arcos lo desarrollaba muy bien, incluso a veces se ponían esculturas que se podían mover para dar esa sorpresa barroca, todo esto bebía del mundo greco-romano.

En esta fachada ocurre algo importante y es que es un arco del triunfo reinventado donde utilizaría un gran arco central para el acceso como el arco de Tito que era el lugar por el que pasaban los vencedores, por lo que simbólicamente el templo era un lugar de triunfo.

En ese momento quedaba poco tiempo para que se produjera la contra reforma que sería la escisión europea y ya estaba cambiando el ambiente, estas personas ya sabían que la iglesia tenia ciertos apoyos flojeando y que en un momento determinado todo explotaría, de ahí que fuera importante poner la imagen de las iglesias como templos grandiosos y de triunfo.

Alberti tapó el arco de medio punto con una bóveda de cañón con casetones que era una réplica de lo que hizo Brunelleschi en la capilla e los Pazzi, haciendo un guiño al padre del Renacimiento.

A ambos lados el arco de medio punto se apoyará sobe pilastras corintias y a ambos lados se van a enmarcar en dos grandes pilastras con Fuster y caoitel corintio que  se denomina en arquitectura PILASTRAS DE ORDEN GIGANTE que generalmente las suele utilizar Miguel Ángel que las tomó directamente de ese tipo de arquitectura.

Miguel Ángel era un artista pero que no era ajeno a todo lo que se había hecho anteriormente y él lo que hizo fue beber de diferentes fuentes haciendo una mezcla dando lugar al MANIERISMO.

En ambos lados Alberti usaría el juego de volumen a través de puertas adinteladas, hornacinas, en las que situaban esculturas o las ventanas, en ese momento se construían las iglesias que tenían ventanas pudiéndose observar en San Pedro del Vaticano las ventanas en la que la fachada es básicamente un palacio, nadie podía pensar que eran iglesias gótica o románica como iban  a tener ventanas, ellos veían el concepto de casa del triunfo, la casa de Dios, por lo tanto, era como que sentirse acogidos por el Padre si se pasaba a ese lugar que era el lugar del triunfo, el lugar de la fe.  Los renacentistas siempre tenían un mensaje interior.

INTERIOR NAVE SAN ANDRÉS DE MANTUA – Alberti

Culminando la fachada con un frontón triangular de estilo romano. En la Nave central nuevamente la bóveda de cañón con casetones, observando la imagen no se ve un edificio renacentista.

El problema de los edificios en Italia fueron las adaptaciones posteriores, ya que la sociedad moderna tenía por costumbre buena y mala simultáneamente, a ellos les gustaba mucho adaptar los edificios a su época, decorándolos y al observar los edificios llenos de mármol, de bronce y colores se ve que es un edificio adaptado al efecto sorpresa barroco.

En España ocurría también con otras obras de arte como por ejemplo la Mezquita de Córdoba, pusieron la famosa Catedral que era básicamente una capilla mayor dentro de la selva de columnas de la Mezquita, lo mismo ocurre con la Alhambra y Carlo V, que iban adaptando los edificios y lo mismo que hacían con los edificios árabes lo hacían con sus propios edificios.

Se observa un claro modelo entre la bóveda de cañón y casetones y la pintura de la Madona de Piero de la Francesca.

Esta obra Conocida como la Virgen del Huevo de Piero della Francesca, de la virgen y el niño en la capilla mayor, por que cae un huevo de la bóveda.

Los pintores serán una fuente de expiración para los arquitectos en muchas ocasiones, porque la arquitectura es mucho más difícil llevar a término una idea, sin embargo,  los pintores le van a servir para si les gusta un tipo de cubierta de las pinturas llevarlas a termino.

La planta sería de cruz latina, en el transepto los brazos laterales son más cortos, ya comenzando a jugar con el concepto de planta centralizada combinada y planta e cruz latina, no se divide en tamos al ser una nave única. Lo que hay es una nave central y dos naves laterales con distintas capillas.

Se observa que en la planta de las capillas están cerradas, no teniendo conexión entre ellas, esta idea es de principios del renacimiento procedente de la arquitectura paleo cristiana y con el paso del tiempo y la llegada de los Jesuitas y los Marianistas en el s-XV, XVI una de las cosas que aducen los Jesuitas es que las capillas laterales deben estar abiertas y conectadas entre sí, para poder facilitar al peregrino o al fiel puede andar bien y pasear por el templo sin molestar a los ritos, esa es una idea de los Jesuitas que se extenderá a toda Europa y más en España siendo muy importante en Madrid, en Alcalá de Henares está la Iglesia de Santa María en las que las capillas están conectadas unas con otras porque siguió el modelo Jesuita.

Las capillas eran un lugar importante para los nobles porque cada capilla sería una de sus capillas si el Papa daba bula para ello.

En la Edad Moderna los nobles que eran muy importantes en esa época tanto los españoles como los italianos, pues un noble podía ser dueño de una iglesia, como por ejemplo la princesa de Éboli o su marido, los duques de Pastrana podían ser patronos de iglesia como ocurre.

En el caso de los duques de Pastrana conocidos como los príncipes de Éboli serían los patronos de la Colegiata de Pastrana y que era muy importante en su época y ellos le dieron un gran impulso para convertir esa Colegiata que tiene aspecto de Catedral por su gran tamaño, ocurriendo lo mismo con los Mediana Sidonia, Los Olivares, etc. lo mismo.

Cuando un noble es patrono de una iglesia, o tiene la Escritura de Patronazgo de una iglesia por lo general tiene el derecho de ser enterrado en el lado más sagrado que es el presbiterio, capilla mayor, pudiendo ser enterrado en esa  capilla mayor, o en la cripta que generalmente está en la zona bala del presbiterio como es el caso de Olivares en Loeches.

En esa Iglesia si la persona dueña, quiere, puede poner en las escritura de patronazgo que las demás capillas están en alquiler, de modo que otras familias pueden poner sus sepulcros en cada una de las capillas, dejando establecido en las escrituras que ellos son dueños y señores de la iglesia que suele estar anexionada a un monasterio o convento, teniendo derecho a poner sus blasones, sus armas en todos los lugares que ellos quieran de la iglesia, por eso a veces algunas iglesias tienen heráldicas de la familia que sea.

Por lo general la heráldica del presbiterio, en la capilla mayor estará hablando de la familia importante que era la que tenía el Patronazgo de la Iglesia.

CAPILLAS LATERALES SAN ANDREA – MANTUA

Si la heráldica y las armas están en las capillas laterales, eso significa que era una familia que tenía alquilado o comprado la capilla para que su féretro esté en su capilla, por eso eran tan importantes las capillas en la Edad Moderna, porque formaban parte de la sociedad, pues lo nobles iban a tener su memoria en esas capillas o en la iglesia.

En ese tipo de escrituras generalmente los nobles establecían o llegaban a cuerdos con la madre superiora, abad, prior, dependiendo de quién sea la iglesia y acuerdan un precio al año y ese dinero podía ser utilizado para construcción, reparación, sustento de los monjes, etc. y los nobles asocian una serie de rentas de la iglesia que pertenece al monasterio que irán rentando a lo largo del año.

ESCULTURA EN ITALIA EN EL QUATTROCENTO

GATTAMELATA - Donatello

Escultura ecuestre al condottiero Gattamelata fue uno de los grandes políticos del sur Italia en Montepetro, obra de Donatello uno de los grandes escultores del Renacimiento

Ghilbelti,  Donatello, della Querecia, Verrocchio, maestro de Leonardo y  eran arquitectos contemporáneos de Brunelleschi y Alberti.

Como ocurría con la arquitectura la escultura tuvo una evolución natural desde el gótico hacía las nuevas formas, esa evolución fue visible dese el s-XIV al XI, en el S-XIV la escultura se fe teniendo poco a poco ese sentimiento que se querían hacer llegar a las figuras, a los relieves, dando un aspecto mucho más humanizado, con proporciones mucho más humanas, no tan imperfectas como ocurría en el románico que eran imágenes sin perspectiva, sin proporción, figuras repetitivas, todas estas características desaparecieron.

La escultura del renacimiento era personalizada dando lugar a un mayor desarrollo del retrato, los escultores  que trabajaban en esa época se preocupaban por la sociedad y vayan analizando por las calles los rostros, gestos, expresiones, Leonardo y Miguel Ángel iban a los hospitales para ver como se hacían las autopsias para poder analizar los músculos, huesos, etc., los otros escultores analizaban por la calle.

La mentalidad de los escultores cambia desde el punto de vista de los héroes que van cambiando a lo largo del tiempo. En la Edad Media San Jorge era el héroe de la sociedad.

El Moisés, es una de las pocas esculturas que se mantiene del proyecto principal de la tumba de Julio II, todo lo demás desaparece

LAOCONTE Y SUS HIJOS

Al igual que ocurre en la arquitectura que se volvería a descubrir el Vitrubio, en la escultura en 1506 volvería a aparecer el Laoconte, que no había desaparecido.

El Laoconte era una escultura que se supone que era helenística, una escultura posalejandrina, esta escultura no será la escultura original, pues sería de bronce que era como los griegos hacían generalmente las obras, y después los romanos hacían en vaciado y las reproducían en piedra o mármol. La copia es la que se conoce y es obra de los romanos.

En 1506 curiosamente se descubre esta obra en la Domus Aurea de Nerón que estaba ubicada muy cerca del Coliseo en las ruinas y una de las personas que estaba viendo el descubrimiento era Miguel Ángel acompañado por otro arquitecto “Julio Romano” y después en nuestra época una historiadora explicó una hipótesis de lo ya establecido en los años 60/70 aduciendo que el Laoconte encontrado podría ser una escultura copia de Miguel Ángel, y que el propio escultor hubiese creado la copia del Laoconte pro ciertas posiciones loas manos, brazos, músculos, y la semejanza del rostro que tenía con el Moisés, y la casualidad de que estuviese en el descubrimiento.

Miguel Ángel hizo algo parecido con una escultura con la que engañó a Lorenzo de Medici diciendo que era una escultura antigua y que en realidad la había hecho él, usando técnicas de barro antiguas.

Lorenzo de Medici era muy buen mecenas, pero como cualquier persona no era muy entendido en arte, y en se momento Miguel Ángel no era el Miguel Ángel de la Capilla Sixtina un hombre de carácter duro y fuerte, muy atormentado por sus historias y condición sexual que plasmaba en sus esculturas y pinturas, y sobre todo porque pensaba que todo el mundo le engañaba, de modo que el dinero que ganaba lo tenía escondido en su casa.

Era una persona muy abierta, que hablaba con todo el mundo y que murió fruto enfermedades de índole sexual al frecuentar burdeles y contraer una enfermedad venérea.

Dicen que Baltasar Carlos el heredero de Felipe IV oficialmente murió de viruela con unas fiebres muy altas, perro otras voces hablan de noche de pasión, lujuria y desenfreno con diferentes mujeres en su viaje a Zaragoza.

El Laoconte influiría mucho en loa Escultura, pues hay dos etapas, por un lado,  está el quatroccento y el cincueccento en las que se puede englobar las esculturas.

CARACTERÍSTICAS GENERALES

1-  Inspiración en modelos clásicos

PROFETA HABACUC (Donatello - 1425)

Museo de la Opera de. Duomo de Florencia.

Cuando aparece el Habacuc casualmente aparecen una serie de características que cambian la escultura, no dejando de ser una escultura clásica que podría ser de Policleto, Fidias, etc.

Se ve claramente que es una copia de un personaje antiguo. Se comienza a añadir el movimiento la expresión del rostro, y poco a poco se comienza a dar una dimensión a la atmosfera, término bastante novedoso para esa época, que despacio esa escultura irá traspasando la frontera, de ese Habacuc que básicamente es un pilar, no se puede pensar cual será la dinámica de esa evolución que haría con Bernini.

Demóstenes de Polieucto (280-279 a.C.)

Este tipo de esculturas servirían de modelo para las obras futuras, este escultor era de la escuela de Atenas. 

Donatello fue el padre de la escultura, como Brunelleschi de la pintura, y en ese momento no sabían aún cómo afrontar esa escultura

2 -  MATERIALES

Los materiales que utilizaban era el mármol, broce y en ocasiones la terracota.

La TERRACOTA la usaba la familia Robbia, en los tondos redondos donde colocaban la imagen de la Virgen, imágenes simpáticas, eran escultores graciosos que no tenía dramatismo y solían usar la terracota de varios colores y por lo tanto sería mucho más dinámica esa escultura.

SANTA MARÍA DE NOVELLA (Florencia, 1436)

El MÁRMOL era un material que desde la antigüedad estaba asociado a la escultura rica, de buena calidad, y por lo general el mármol de carrara era el que utilizaría Miguel Ángel ya que estaba muy interesado y lo refleja en todos sus documentos, en los que continuamente dice que necesita más mármol de carrara, pero al llegar al David se le dice que use el mármol disponible o no lo hace, y el mármol que había era un pilar que estaba muy desgastado, situado cerca de la cúpula de Santa María del Fiori y fue donde lo hizo. Miguel Ángel se enfrentaba muchas veces con los mecenas que le decían que eso es lo que había y si no pues no había obra, ya que eran los que pagaban.

Se enfrentó con Julio II al tener una relación más o menos íntima, pero al concejo florentino no  se podía enfrentar y era lo que ellos disponían y podían dar el trabajo a otro, por lo tanto, acataba.

EL BRONCE

BALDAQUINO de Bernini

El bronce se solía usar en lugares ricos, pues sería algo que se usaba desde la época romana, los romanos lo usaron en las puertas del Panteón, en las flores.

Una frase de la época barroca dice: todo lo que no destruyeron los bárbaros, lo destruirán los barberinis, refiriéndose a los bronces porque los Barberini arrasarían con todos los bronces romanos y los fundirán para hace el Baldaquino de Bernini.

Los renacentistas adoraban la antigüedad pero si tenían que destruirla lo hacían.

LA MADERA

Cristo atado la Columna de Gregorio Fernández

La MADERA quien más la usaba eran los españoles  los flamencos, de modo que la escultura española estaba influenciada por el Norte de Europa y por Italia, pero los españoles querían crear esculturas duras que traspasaran el alma, esculturas que hiciesen llorar y sufrir, y al leer a Santa Teresa como el Éxtasis se observa una imagen que puede ser bella.

ÉXTASIS DE SANTA TERESA – BERNINI

Es un escultor duro y al ver la imagen no se piensa en la belleza sino en el sufrimiento, en la contra reforma, en el castigo, es una involución, Se hace en madera por ser un material más barato, pues lo que tenía España eran reyes que gastaban mucho en fiestas y despilfarraban el dinero, y al no haber dinero para arte las esculturas las hacían en madera.

Como había que llamar a lo católico el material como la piedra o el mármol se quedaba escondido en los palacios y Felipe IV le pide Velázquez que vaya a Italia y se traiga los moldes de vaciado de las esculturas romanas para poder hacer una réplica y adornar el Alcázar de Madrid y una de las pocas esculturas será uno de los leones del Museo del Prado.

Tiene una pata sobre la bola el mundo simbolizando el poder de los Austrias. El mármol se usaba en los palacios y la piedra en las fuentes en España.

3-    TÉCNICAS

Generalmente serán esculturas de bulto redondo, esculturas que serán totalmente distintas a las del gótico, también habrá relieves, de tipo alto relieves, bajo relieve o una pequeña incisión.

DAVID DE VERROCHIO

Museo Nacional de Bargello – Florencia (s-XV)

Este David es uno de los más desconocidos, los David están normalmente asociados, a Bernini, Miguel Ángel y Donatello.

Verrochio fue el ejemplo a seguir, David que era un personaje bíblico se adaptaba muy bien a las características clásicas, pasando del mundo de San Jorge al mundo de David, con ese concepto de heroicidad de San Jorge salando a la princesa y David venciendo a Goliat, incluso en ocasiones las granes familias como los Medici se asocian con la imagen de David, como los grandes que van a salvar del gigante a Florencia.

Relieve Puertas del Paraíso – Moisés en el Monte Sinaí

Detalle Puertas del Paraíso  Baptisterio s-XV de Gibberti.

El relieve es otras de las cosas que se hacían era el stiacciato o schiacciato (relieve aplanado), esta técnica consiste en que las imágenes del primer plano serán mucho más voluminosas y a medida que se va hacia los planos secundarios será un bajo relieve, consiguiendo una gran perspectiva, la misma perspectiva que había conseguido Brunelleschi en la arquitectura, lo harían sobre todo os escultores en el relieve, conociéndose con el nombre de relieve pictórico porque según como se observe, parece una pintura, un lienzo.

Si se pintara podría ser perfectamente una imagen de Masaccio que sería el que más imita al padre del renacimiento.

Todavía quedan ecos de ese Ghiotto con pequeñas montañas, ya que están empezando a incluir la naturaleza en las imágenes y todavía les quedaba mucho pro aprender.

Detalle Puerta del Paraíso Abrahán e Isaac.

El término schiacciato procede como otros muchos términos artísticos del italiano, deriva del verbo schiacciare que significa aplastar, y hace referencia al relieve que es lo más próximo a la definición.

4-    INDEPENDENCIA

La escultura se independiza de la arquitectura teniendo que permitiéndio estudiar el cuerpo humano en sus diferentes dimensiones.

Pórtico de la Gloria Catedral de Santiago

Algo importante de la escultura renacentista es que se va a independizar de la arquitectura, recordando cualquier tímpano de alguna Catedral española se observa que en el tímpano de las grandes entradas se va a encontrar el famoso Pantocrátor que generalmente está en el tímpano donde estaba situada la imagen del Pantocrátor que era el juez y el pilar que hacía de parteluz de las portadas, donde estaban las jambas que tenían imágenes de los apóstoles, imagen de los doctores de la iglesia y en el centro del parteluz estaba el titular.

Toda la imagen de las portadas, como por ejemplo el Pórtico de la Gloria es la escultura al servicio de la arquitectura, de modo que primero trabajaba el arquitecto y era el que decía dónde estaba el espacio para que los escultores usaran ese espacio para sus esculturas y que no se entendían sino estaban en la portada, no se podría quitar el Pantocrátor y colocarlo por ej. en una capilla o cualquier otro lugar, porque se perdía el mensaje que se quería dar ya que era un menaje unido a la arquitectura.

Durante el renacimiento la escultura podía ser personal, es decir, la cultura podía moverse, por ejemplo, el David de Donatello estaba situado en el Palacio de los Medici Ricardi en Florencia, pero actualmente está en el Museo Bargello de Florencia.

Estaba situado en la mitad del patio, en el centro del atrium, como ejemplo del  triunfo de la familia Medici ante toda la barbarie que se iba a desarrollar a su alrededor.

Lo interesante es que se puede rodear la imagen pues iban a tratar de la misma manera el frontal que la parte trasera pudiendo observase toda la escultura pro todas partes, por lo que para ellos era tan importante estudiar la anatomía, pues al hacerse desnudos, siendo el David el primero que se hizo, después de la antigüedad.

Pasaron los años  y en 1647 Bernini haría para Santa María de la Victoria una de los grandes conjuntos escultóricos de la Historia del Arte.

ÉXTASIS DE SANTA TERESA – Bernini

Santa Teresa de Jesús estaba muy unida a la marquesa de Pastrana. La princesa Ana de Mendoza, la Princesa de Éboli tuvo una relación muy personal con Santa Teresa ya que tenía relaciones con muchos miembros de la nobleza, incluso fue a Pastrana a fundar el Convento de San José, ya Santa Teresa tenía mucho fervor a la figura de San José, y por esa razón muchos de sus conventos tenían ese nombre.

Santa Teresa tenía mucha relación con los nobles, pero los nobles no profesaban la pobreza que tenían los religiosos y tuvieron unas desavenencias pro como gestionar el convento y Santa Teresa se marchó de Pastrana y la Princesa de Éboli manejo a su antojo el convento.

En ese conjunto arquitectónico se aprecia un trabajo barroco sin precedentes, encontrándose la familia de los Cornado que estaban admirando una obra de arte de la que el espectador también forma parte, forma parte de ese teatro ya que Bernini mete directamente al espectador en una escena teatral, no mete al espectador en una obra de arte, que es la principal diferencia entre el renacimiento y el barroco.

El barroco es una escena teatral, el barroco es una mentira, todo lo que se hace es un escenario, sin embargo el renacimiento marca los límites, en el barroco ese concepto de mentir al espectador y jugar con las decoraciones hace que la escultura pase al servicio de la arquitectura, las tres artes arquitectura, escultura y pintura, forman un conjunto, no es la arquitectura la que dicta como tiene que ser la escultura, todo tiene que ser analizado perfectamente para formar un todo y esa es la gran diferencia con la escultura  barroca.

5-     PROPORCIÓN, EQUILIBRIO Y ESTUDIO ANATÓMICO.

David de Miguel Ángel – Galería la Academia de Florencia (s. XVI)

La importancia del desnudo, se ve cuando se observa al David de Miguel Ángel que no deja de ser fundamentalmente un David del Triunfo florentino y  la historia de David está muy relacionada con la de los Medici, pero esta escultura estaba hecha para ponerla en Santa María del Fiori, pero las dimensiones en la que se hizo fui imposible, y la colocó en la Plaza de la Signoria donde un  le lanzaron ácido y lo trasladaron al a Galería Academia de Florencia.

Miguel Ángel fue el último gran escultor clásico, griego, estando a la altura de Policleto, Fidias, Lisipo, Escopas, etc. y tomó todas las características de la escultura clásica culminando con el David y a partir de esa obra, hace ya lo que le apetece, pues ya no tiene que pedir permiso ni dar explicaciones a nadie, sino que ya  él es el maestro y el artista de la época, por lo tanto, con esta escultura acabó su formación clásica, apareciendo un antes y un después, y empezó a investigar y analizar, cambiando y difuminando las formas, hizo el Moisés, los Genios, Madonnas, etc. el estudio delo desnudo fue muy importante.

6. TEMÁTICA

          Religión

          Mitología

          Retrato

La escultura sería religiosa, mitológica y el retrato que serían los temas más importantes.

En España, no había desnudo y era religiosa en el 90% de la producción. Vírgenes Dolorosas, de la Soledad, todos los Santos imaginables celestiales tienen su representación en escultura y todos tienen su modo se ser representados, Santa Teresa, San isidro, Santa María de la Cabeza, etc. les encantaba realizar grandes escenas como las visiones de Santa Teresa, siendo una de las grandes santas de la época, todo eso marcará una escultura que podría ser tétrica. En España había mitología y el retrato.  pero escondido en los palacios, tenía el Marqués de Leganés, los Monterey, los Éboli, los Medina Sidonia, los Alba, los Contestables de Castilla, etc. todos estos son los que podían permitirse y sobrepasar el límite del bien y del mal.

Estos nobles tenían en un momento determinado una escultura desnuda o tenían una Venus del Espejo (Velázquez) no pasaba nada ellos no lo tenían por un tema sexual, era mitológico. La sociedad española era muy cínica.

ARTISTAS DESTACADOS

Sería a la escultura como Brunelleschi a la arquitectura.

Los escultores en esta época se auto-retrataban y a medida que iba pasando el tiempo eran más conscientes dela importancia que tenían, y  a partir del renacimiento los arquitectos, escultores y pintores, dijeron que ellos no eran artesanos aunque trabajasen con las manos también lo hacían con la mente.

Los primeros que lograron el estatus de artista fueron los arquitectos, desde siempre tuvieron un reconocimiento superior al del escultor o pintor, y actualmente un arquitecto tiene más valor, esto cambiaría con la academia de San Fernando cuando en el s-XVIII se establece aquí en España, pero no sería suficiente para tener la misma categoría.

Los pintores y los escultores comenzaron a reconocerse ellos mismos y a realizar auto retratos propios.

LORENZO GHIBERTI  (1378 – 1455)

Autoretrato de de Ghiberti que realizó para las puertas del Baptisterio de Florencia, para dejar constancia que él era un escultor importante.

BAPTISTERIO DE FLORENCIA 

Situado enfrente de la Catedral del Fiori, los tres edificios Catedral, Baptisterio y Campanille están separados por los terremotos.

Dicen que el baptisterio es paleo cristiano aunque no hay pruebas que lo certifique, lo que sí se observa es que es gótico y que continuará con ese concepto decorativo del mundo florentino que se hacía desde la época gótica.

Las primeras puertas eran de Pisano que fue un escultor gótico y en 1401 entrarían en conflicto Ghiberti y Brunelleschi por el concurso de las segundas puertas del Baptisterio,

Desde 1330 a 1136 Pisano realizó las primeras puertas y en 1401 se realizarían las segundas puertas de Ghiberti.

Concurso de las segundas puertas “El Sacrificio de Isaac”

                            
                                      BRUNELLESCHI                                      GHIBERTI

Ambas obras son similares y  la imagen es la misma, el tema es el mismo, pero tenía que ganar Ghiberti porque su imagen era mucho más renacentista y se adaptaba mucho más a las corrientes de la época y de Brunelleschi dijeron que era mucho más acartonado a la hora de realizar los ropajes y el paisaje.

Teniendo en cuenta en que la época moderna los jurados y el tribunal eran especiales, por ejemplo el que le dio el título a Velázquez de pintor fue su propio suegro y Pacheco fue uno de sus examinadores.

Era muy normal en esa época que el pupilo tuviera dependencia de la imagen del rey, por lo tanto es posible que Ghiberti tuviera contactos con el tribunal.

Las terceras puertas de forma lobular, mucho más toscas y las más importantes eran las del paraíso.

Se llaman Puertas del Paraíso  porque fue el propio Miguel Ángel el que las puso ese nombre, pues cuando se puso enfrente de ellas dijo que estaba en el paraíso.

                FORMA LOBULAR                             ESPACIO CUADRADO

A diferencia de esa forma lobular el espacio sería cuadrado (1425-1452) permitiendo a Ghiberti hacer una escena mucho más grande y jugar con la imagen creando relieves pictóricos, siendo la gran diferencia entre ambas molduras.

Las escenas que se plasman son bíblicas desde la creación con Adán y Eva, Salomón, la reina de Saba, etc.

Escena  Eva

 Repitiéndose durante toda la obra el tema de Adán y Eva en todo el Renacimiento la expulsión de Adán y Eva del Paraíso, a modo de enseñanza de lo que no se debe hacer si no se quiere recibir un castigo, y todos los escultores y pintores van a usar ese tema.

Como se puede observar es básicamente relieve pictórico, de forma rectangular para dar una mayor escena, jugando con el schiacciato, estas escenas están en el  museo de Florencia.

Recurso pictórico, las primeras figuras con contornos muy precisos que se difuminan a medida que se alejan del primer plano.

Los fondos son temas sobre la naturaleza tomados de del mundo clásico.

Las escenas originales están protegidas en el Museo catedral de Florencia, durante mucho tiempo estuvieron en el Baptisterio porque los renacentistas tenían el concepto de llevar las obras de arte al exterior rememorando la época de los romanos.

Las figuras del primer plano son figuras con un mayor relieve, las figuras de un segundo plano son prácticamente incisiones.

Se  puede observar distintas actitudes, figuras con diferentes trajes vestidas al modo clásico o tras el estudio del cuerpo humano desnudas.

San Pietro Montorio  - Donatello

Los escultores y los pintores irán poco a poco colocando distintas escenas teatrales que generalmente se basaban en espacios arquitectónicos siendo conscientes de las novedades y como ellos pueden plasmar lo que gusten lo que hacen es poner edificios redondos y los arquitectos terminaran adaptando esas ideas a la realidad, creando edificios.

Este edificio será un templo en honor a San Pedro y a los Reyes Católicos ya que fueron los que lo pagaron, Isabel no solo hacia arte gótico sino también que tuvo su momento de financiar edificios puramente renacentistas, pero no en España sino fuera.

Los renacentistas eran conscientes que las esculturas tenían que tener distintos tipos de rostros para que no fuesen repetitivas como ocurría en el románico o en el gótico y tomaron básicamente lo que ya habían hecho los romanos y era que cuando se ve el Ara Pacis se podía ver y saber quienes eran los miembros de la familia que estaban reflejadas, por ej. Augusto, Agripina, etc. y eso era novedoso pues los medievales lo que hacían era poner todos de la misma manera, la misma cara y el mismo gesto. Ahorrándose así trabajo.

Las figuras están vestidas por lo general con túnicas a la moda antigua, pero también pueden estar desnudas, y cuando están desnudas se les permite trabajar el cuerpo humano de ambos géneros, pero generalmente habrá más del género masculino, el género femenino, por lo general están asociados a la mitología.

SI se hace un desnudo femenino en relación a la mitología no ocurría nada, pero si el desnudo femenino no tenía nada que ver con la mitología se podía pensar que se estaba haciendo figura erótica.