ARTE MODERNO – 09 - BARROCO ITALIANO -
Guadahumi3
BERNINI Y BORROMINI
13 de Noviembre de 2018
20 de Noviembre de 2018
20 de Noviembre de 2018
Estos artistas son lo que a Miguel Ángel y Leonardo pero
del s-XVII, Bernini sería el arquitecto de los ricos y Borromini sería el
arquitecto de los pobres.
Bernini fue una persona que estaba al servicio de Urbano
VIII y de los grandes Papas y Borromini estaría para las ordenes monásticas y
de lo religioso, teniendo sus pros y sus contras, Bernini sería mucho más rico
y tendría mucha más fama, sería el artista por excelencia y Borromini es que al
no estar atado por el papado podía crear e inventar, cosa que para Bernini era más difícil al estar al
servicio del papa y de los poderosos tanto como arquitecto como escultor, también
fue pintor pero no consiguió grandes cosas.
Bernini trabajó para todos los grandes fue muy famoso como
un Miguel Ángel en potencia vivió muchos años y fue una persona muy
interesante, tuvo muy buenos contactos, era sociable, desprendido, generoso,
teniendo como mecenas a Urbano VIII.
Bernini sería el
artista que conjugaría los intereses del papado, por lo que mostraría lo que
querían, era un artista que seguía las proporciones y es un artista que toma
los elementos del mundo clásico engrandeciendo al mundo barroco, usaría el
mármol recuperando el concepto de revestir los edificios con mármol como hacían
los romanos o los quattrocentistas.
Las curvaturas en las fachadas no eran fachadas rotas, pero
en Borromini se encontraban se encontraban rupturas muy bruscas en las fachadas
a través de elementos que cortaban la luz. Bernini jugaba con las formas
onduladas haciendo un dinamismo muy tranquilo y calmado, siendo un dinamismo
barroco, además Bernini jugaba mucho con la luz tanto en el interior como en el
exterior.
Cuando se ve una fachada de Bernini la luz que da en la
fachada corre por toda esa fachada, sin embargo, un concepto de fachada de
Borromini la luz da a la fachada y como hay tanto llenos, vacíos, etc. se rompe
y no puede correr ni deslizarse por toda la fachada y la luz se ve interrumpida
por distintos elementos arquitectónicos por lo que es imposible que la luz
corra por la fachada.
Esas son las principales diferencias entre Bernini y
Borromini.
Borromini nunca usaba el mármol, pues al ser un arquitecto
de los pobres no usaban el mármol por lo que solía usar la piedra, ladrillo,
etc.
Sin embargo, Borromini daba alegría a los edificios y a las
plantas jugando con conceptos que Bernini no podía.
EL BALDAQUINO – BERNINI
El Baldaquino de Bernini es una fábrica arquitectónica o es
una escultura o una mezcla de las dos o las dos no está claro lo que es y puede
ser tomada desde los dos puntos de vista.
En 1624-1633 en España ya es el comienzo de la monarquía de
Enrique IV y Bernini trabajaba en la época de Urbano VIII que era el Papa que
estaría en la primera época de Enrique IV y se llevaban relativamente bien.
El Baldaquino no deja de ser una arquitectura gigante y
hecha con bronce y hecha con estuco, pan de oro, y todos esos elementos hacen una arquitectura
barroca que juega con el teatro, la fantasía, las formas y el movimiento que al
fin y al cabo es lo que se pretendía.
Se suele decir que tiene su modelo y su origen en el
baldaquino que se hizo en el momento de la canonización de Santa Isabel de
Portugal, que tenía un baldaquino parecido. Los baldaquinos son una gran
máquina de bronce, sin embargo los baldaquinos españoles eran muy importantes
para las procesiones, con el bajo palio que no era lo mismo pero si su
simbolismo.
Las telas que se ponen en los baldaquinos como el de la
Macarena que se mueve en las procesiones es lo que gustaba y eso Bernini lo
quiso transmitir en esa gran máquina de bronce, ese trabajo se la pide Urbano
VIII en una de sus primeras obras.
Ya era difícil para Bernini al tener que trabajar en San
Pedro del Vaticano que era una obra difícil para los artistas porque no se
podía cambiar nada de lo que había ya hecho y Bernini trabajaría no solo en el
baldaquino sino también en la Catedral de San Pedro del Vaticano.
Bernini trabajó en todas las grandes pilastras patas de
elefante del Vaticano, ya que no solo trabajó en el Baldaquino sino que se
encargó de la remodelación de todo lo que había hecho Miguel Ángel siendo para
él un trabajo muy duro y difícil teniendo que saber muy bien lo que estaba
haciendo.
Urbano VIII le pidió que hiciese ese edificio y además le
dicen que tenía que ser en bronce y parte de ese bronce utilizado para hacer
ese baldaquino es del panteón de los romanos, del Panteón de Agripa y fundió el
bronce creando grandes flores que estaban en los casetones de la cúpula de ese
destrozo se hizo la frase de “lo que no hicieron los bárbaros lo harían los
Barberini”, por Urbano VIII.
A Bernini se le pidió que hiciera una gran estructura
arquitectónica sobre la tumba de San Pedro para marcar el suelo simbólicamente
donde estaba enterrado con la cúpula que era el cielo que significaba la
conexión directa entre el cielo y San Pedro.
DETALLE BALDAQUINO COLUMNAS FLORIDAS
DETALLE BALDAQUINO –
ABEJITAS
Además, tenía que ser una máquina que sirviera para dar
publicidad a la familia e importancia y para eso lo que se hace es que a las
columnas de origen salomónico, columnas curvas, pondría elementos vegetales y
entre esos elementos vegetales de vez en cuando habría abejitas pequeñas que ya
que eran el símbolo de la familia Barberini.
Con esos elementos pretendían decir que además de Papa eran
una familia importante, esa máquina enseña el concepto de publicidad de
barroco.
Bernini aún jugando con ese concepto de tela que es un baldaquino
y siendo de bronce cuando se observa da la sensación de que en algún momento va
a moverse, porque le supo dar a ese concepto de bronce y pan de oro la
sensación de que se mueve, aún siendo un bloque muy pesado él lo consiguió.
COLUMNAS BALDAQUINO
Esas cuatro grandes columnas influirían mucho en la
historia del arte en Italia y España en edificios basados en el baldaquino
sobre esas grandes columnas puso en entablamento y sobre él están unas cintas recogidas
por ángeles en los cuatro vértices.
Esas cintas no las hizo Bernini sino Borromini, es decir,
los dos estuvieron trabajando en un momento determinado juntos, aunque no se
entendían muy bien.
REMATE CON LA CRUZ
Siempre se remataba con la bola del mundo y la cruz como
dominio de la religión cristiana sobre el resto del mundo.
LA CÁTEDRA SAN PEDRO – BERNINI (1658-1666)
Otro de los trabajo que tuvo que hacer Bernini, era que
cuando se entrase a San Pedro del Vaticano lo primero que se viese de frente al
ir hacia el altar, el Baldaquino y después la Cátedra de San Pedro que
pretendía poner fin a esa gran obra y le pidieron que lo primero que viesen los peregrinos fuese el
Baldaquino donde está enterrado San Pedro y después la Cátedra de San Pedro que
era la persona que estaba enterrada en la cabecera de la iglesia, en la zona
del altar, presidiendo como el creador de la iglesia el primer Papa la
cabecera.
GRANDES VOLUTAS
Tomando las características que tenía el baldaquino con el
mismo material, el bronce, el pan de oro, y con el estuco jugaría con esos
elementos para crear un conjunto escultórico con la Gran Catedra de San Pedro,
con grandes volutas y cintas que en lugar de estar recogidas por ángeles las
recogen personas.
La Silla e San Pedro
Detrás de la silla e San Pedro hay un gran rompimiento de
gloria dando sensación de un transparente por donde entraría el sol creando ese
concepto de teatralización de las formas barrocas al impactar el sol en el
mármol y creando reflejos, dando sensación de teatralización.
Los doctores de la Iglesia y san Pedro es un conjunto
arquitectónico y escultórico de un gran nivel, pero tardó mucho tiempo en
realizarlo ya que era e 1624 el baldaquino hasta 1933 y la cátedra es de 1658 a
1666, pues en algún momento tuvo varios trabajos simultáneos, no dándole tiempo
a hacer todo, y comenzó el baldaquino, pero no pudo acabar la cátedra y esperó
veinte años para poder hacer esa obra y terminó de hacer todo ese conjunto.
PLAZA DEL VATICANO
A la vez le encargaron la plaza y hubo un momento en que
estaba haciendo varias cosas a la vez, la ventaja de Bernini que no tenía
Miguel Ángel es que Bernini no le importaba que le ayudaran sus discípulos le
hicieran parte de sus trabajos para descargarle de tarea.
Parte de la plaza de San Pedro está hecha por los alumnos
de Bernini, él hizo la planta, el boceto, estaba pendiente, pero era el maestro
de obras, el alarife, y resto de trabajadores los que realizaron esa gran obra,
para poder dedicarse a otras obras, y para realizar esta obra hubo que derruir
muchas casas.
Bernini hizo muchos proyectos quiso hacer una plaza con forma de elipse que
saliera desde la fachada y tendría que haber sido mucho más grande, pero cambio
de idea ya que pensó que se podía romper la estética y había que tirar muchas
más casas de las que se pretendían tirar.
Bernini quería hacer era dar protagonismo nuevamente a la
cúpula que se había perdido a través de Maderno y lo que quería hacer era que
en lugar de que la elipse partiera directamente desde la fachada hizo una
especie de trapecio y desde ese trapecio que arrancara la plaza.
Consiguiendo la
plaza que abraza a los peregrinos que era el simbolismo que se quería dar, para
que todos los que lleguen al Vaticano se sintieran acogidos por la Iglesia,
dando un mensaje de la contrarreforma, que era lo que se quería decir en la
religión a mediados del s-XVI.
Esta plaza fue encargo de Alejandro VII de la familia Chigi,
entrando en escena diferentes Papas, porque Bernini vivió muchos años y no
estaría solo a cargo de Urbano VIII, sino que también estaría al servicio de Alejandro
VII, Inocencio X que sería el Papa que retrataría Velázquez, de modo que
pasaron muchísimos años y tuvo discrepancias con algunos Papas pues a unos les
gustaba más que a otros, por ejemplo Alejandro y Urbano le gustaba su trabajo,
pero a Inocencio X no, y dio trabajo a otros artistas por ejemplo a Borromini o
Rainaldi.
PLAZA COMBINADA
Alejandro VII le pide que haga una plaza combinada y para
realizar esa plaza combinada se conforma por un trapecio y una elipse y esa
forma fue muy importante e influiría muchísimo en la Historia del Arte y en
otros muchos templos, el propio Bernini tendría una iglesia San Andrea y en
España también influiría en otros artistas como Gómez de Mora en Madrid con las
Bernardas cerca de la calle de Alcalá.
Bernini pretendía separar la fachada de la plaza y además
con una zona que iba bajando siendo el
concepto de grandeza mucho más importante.
En el centro puso un obelisco y no está solo para decorar
la plaza y dos fuentes sino la idea era marcar el punto exacto donde hay que
posicionarse para poder contemplar en toda su grandeza la fachada y al a vez
disfrutar de la cúpula.
El punto de fuga se encuentra en el obelisco y el obelisco
llega hasta el baldaquino, unió matemáticas y perspectiva que era lo que
pretendía que se venía haciendo desde el quattrocento.
Va bajando el trapecio gradualmente, no es recto, para dar
un concepto mucho más grandioso, consiguiendo una plaza de 340 mts. x 240 mts.,
siendo una plaza muy grande ya que pretende dar cabida a todos los peregrinos
que lleguen y con el fin de realizar grandes ceremonias, lugar de reunión para
los cristianos que era el concepto que se pretendía.
GALERÍAS
Bernini rescataría para el
mundo moderno del mundo clásico galerías
porticadas y adinteladas mezclando el concepto de templo romano con
estoas griegas que había en las plazas, dando de nuevo importancia al mundo
clásico dentro del seno del Vaticano, ya que era algo muy moderno con ese
humanismo católico.
Se remató la propia galería
con un frontón triangular a modo de templo y además por encima de esa galería
se encuentran un gran conjunto de esculturas de distintos personajes religiosos
que no los hizo Bernini aunque si los proyectó y que los harían sus alumnos.
Al comienzo lo que se quería
hacer era cerrar la plaza pero al final se decidió no cerrarla porque daba la
sensación de que si se cerraba, era un espacio claustrofóbico, entonces lo que
pretendieron era hacer algo simbólico, de modo que se podía acoger, ir, se era
bien recibido y se puede marchar y salir a voluntad, dejando abiertas las
galerías con ese mensaje simbólico.
Bernini en estas galerías no
parte del quattrocento parte de Miguel Ángel, recuperando elementos claramente
renacentistas, pero desde el concepto de Miguel Ángel, pues para Bernini es el
padre del manierismo y de esa monumentalidad.
SAN ANDRÉS DEL QUIRINAL – ROMA 1658
Es una de las iglesias obra de Bernini en la que uso la
forma de elipse, mucho más pequeña, siento como la plaza del Vaticano en un
templo, y jugó con muchos elementos, con el mundo teatralizado.
En la fachada juega con la forma cóncava (pórtico) y la
forma convexa (escaleras) y siempre
desde una forma elegante, jugando con las curvas y dando dinamismo a la
fachada, pero no de una forma fuerte y dura.
En la fachada hay un pequeño pórtico semi circular coronado
con un escudo. La representación de los escudos en el mundo barroco en la
fachada era un elemento fundamental y generalmente eran escudos heráldicos
siendo la diferencia entre el renacimiento y en el barroco que les gustaba
señalar quien era el que había encargado la iglesia y de que familia.
Se marca un antes y un después con esas dos pilastras en la
fachada monumentales coronando con un frontón triangular a modo de templo
griego, reutilizando todas esas formas anteriores.
Lo más interesante de ese edificio sería la planta en forma
de elipse con un concepto novedoso, desde la entrada de repente aparece el
altar, no se espera.
INTERIOR SAN ANDRÉS QUIRINAL
Es una sorpresa pues el altar está excesivamente cerca, lo
habitual en una iglesia es avanzar un rato por la nave central para llegar al
altar, pero en este caso al entrar está justo enfrente, siendo el efecto
sorpresa del barroco que quería dar Bernini y eso era muy importante para
entender su obra.
CAPILLAS LATERALES
Cuando se entra al templo como está tan cerca el altar, lo
normal es mirar hacia los lados para ir recorriendo todas las capillas laterales
y en esas capillas Bernini pretende hacer un efecto para que los espectadores
vean una planta mucho más grande de lo que en realidad es, de manera que la
mirada giraría alrededor a lo largo de la planta haciendo mucho más grande, de
lo que es, siendo un efecto puramente barroco y de sorpresa para jugar con los
sentidos que era lo que pretendía el Barroco.
CÚPULA SAN ANDRÉS
Además decorado con mármol, pinturas, pan de oro, cúpulas
con nervios y casetones, que son elementos usados en edificios grandes,
barroco, dando lugar a un edificio teatral.
RETABLO MARTIRIO DE SAN ANDRÉS
A partir del barroco los retablos tendrían mucha
importancia, pero los retablos italianos no son iguales a los españoles que a
partir del Escorial son grandes retablos
divididos en distintas calles y divididos en distintos cuerpos con grandes
escenas pictóricas o escultóricas.
En el Renacimiento generalmente solían ser pinturas
combinadas con esculturas y a medida que iba avanzando el tiempo entrando en el
barroco lo que se encuentra suelen ser pinturas, una gran pintura central y
alguna escultura.
En Italia como se puede observar es totalmente distinto es
una pintura en el centro con un rompimiento de gloria especie de transparente,
pero no esa gran máquina arquitectónica.
En la iglesia de San Andrés se encuentra su imagen que es
el Santo a quien está dedicada la iglesia.
En ese retablo se encuentra el martirio con cruz en forma
de aspa y la Ascensión y mirando hacia arriba se ver como San Andrés sube hacía
arriba por las nubes como una especie de
escena teatral siendo recibido en el cielo con una corte celestial con
angelitos que le reciben con los brazos abiertos.
Todos esos elementos son el concepto barroco, jugar con
todo eso para encontrar una obra como el Éxtasis de Santa Teresa.
Bernini era un arquitecto un poco repetitivo, como había
hecho Brunelleschi que repetía todo.
PALACIO CHIGI – Bernini
Palacio de Sigismondo Chigi y María Odescalchi era
renacentista o cinquecentista al ser vertical con varios pisos lleno de grandes
ventanales que dan a la calle y que por lo tanto sigue siendo el concepto de
palacio de principios del barroco.
CAPILLA DE SANTO TOMÁS – VILLANUEVA CASTEGANDOLFO
Esta iglesia era una imitación de pequeñas iglesias de
Brunelleschi que solían tener una planta central de cruz griega en el centro
una gran cúpula dominando absolutamente todo el espacio.
Bernini sería mucho más interesante desde el punto de vista
escultórico que arquitectónico, pero como es el Papa el que dictaba las normas y
tenían que ser clásicas por lo que Bernini tuvo más éxito que Borromini que fue
una persona a la que despreciaron.
Borromini tuvo una vida muy difícil, y no quería vivir tuvo
in intento de suicidio con una espada, pero se arrepintió en el último momento,
y al final murió de forma natural, no tuvo buena reputación en Italia, tuvo
problemas de alcohol, ludópata de cartas,
Borromini se llevaba muy mal con Bernini pues le tenía
envidia por el éxito que tenía y que él nunca tuvo, según las fuentes han
presentado a Borromini como una persona despreciable, le ocurrió todo lo
contrario que a Bernini que como era una persona exitosa sobre todo desde el
punto de vista escultórico y Borromini intentó hacer cosas novedosas, pero no
le entendían y sin embargo era el artista barroco por excelencia junto a
Guarino Guarini.
Todo lo contrario de Bernini era Borromini.
- No seguidor de las proporciones
- Interés por los materiales más pobres
- Curvas suaves (fachada, planta)
- Luz quebrada en las fachadas
Las proporciones no le gustaban, no como una ruptura de
proporción manierista, sino era ruptura de proporción barroca, tomando desde el
punto de vista del quattrocento se desproporcionaron las formas haciéndolas
mucho más grandes. Planta con formas extrañas. El interés por los materiales
pobres como el ladrillo o la piedra ya que eran materiales que usaba Bernini
pero lo vestía y disfrazaba los edificios con grandes placas de mármol, dando
la sensación de ser un edificio mucho más rico.
Las curvas no sería suaves sino todo lo contrario a
Bernini, serían grandes y fuertes dando
lugar a obras totalmente barrocas y la luz quebrada de las fachadas que no era
una luz que corría por la fachada, sino que se rompía.
Borromini además era el iniciador de lo que se conoce como
la Fusión de las Formas, YUXTAPOSICIÓN PULSANTE, era el juego de las formas a
través de la fusión de las formas que parece que los círculos, cuadrados o
triángulos estaban pelando entre ellos para formar parte de la fachada dando lugar
a fachadas totalmente raras, intentará fundir las formas para crear un nuevo
concepto de fachada.
JARDÍN DEL PALACIO – Galería Spada – Roma 1632 – Borromini
Esta galería a simple vista es algo normal, en la que se
encuentra una gran perspectiva a través de las columnas pareadas, con una basa,
orden dórico, con una bóveda de cañón con casetones.
JARDÍN DEL PALACIO – Galería Spada – Roma 1632 – Borromini
PERSPECTIVA FICTICIA
Pero la perspectivas no es lo que parece, pues la galería
es un embudo, es una galería que se va haciendo pequeña según se avanza, y la
perspectiva engaña.
No es lo que parece. Es una ilusión óptica, Un trampantojo
hecho realidad, pues es realidad que la galería existe.
Esta galería habla de un artista que es muy moderno para su
época, y Borromini había trabajado anteriormente con Bernini en el Baldaquino y
fue quien hizo sus lazos, volutas, y le dio el movimiento, también habían trabajado
juntos en el Palazo Barberini y había hecho unas escaleras helicoidales
ocultas, era muy moderno para el concepto berniniano y Borromini ni hacia juego
con Bernini, las fuentes actuales hablan de una competición entre los dos y de
un enfado y enfrentamiento continuos, pero lo que es seguro y era la realidad era que cada uno iba por un
lado mentalmente, por lo tanto sus trabajos no tenían nada que ver.
JARDÍN DEL PALACIO – Galería Spada – Roma 1632 – Borromini
Otra imagen en la que parece mentira el concepto de que es
puramente perspectiva y todo es mentira.
San Carlos de las cuatro fuentes – Borromini
Borromini creo una de las obras barrocas más importantes de
la Historia del Arte que es San Carlos de las cuatro fuentes, se encargó de
hacer la iglesia, del claustro, y las dependencias papales, del conjunto
monástico.
Como se murió antes solo se pudo encargar dela iglesia y
del claustro, posteriormente y con el paso del tiempo lo irían terminando.
Lo mismo ocurrió con la fachada que al dejo en boceto y la
tuvieron que terminar .
Plano San Carlos de las
cuatro fuentes.
Todo se concentra en un espacio muy pequeño la iglesia con
forma de elipse, pero no era normal porque intentó conservar una forma cuadrada
y es cuando comienzan los problemas, y esto se explica con la yuxtaposición
pulsante y con esas formas.
Lo que hizo Borromini fue básicamente crear una planta de
cruz griega pero mentalmente tenia personas que empujaban y otras tiraban, y
por lo tanto aparece una planta que es una cruz griega pero que no lo es pues
en realidad, ya que son formas onduladas con tensión y empuje y es con lo que
jugaba de la tensión de las formas y la yuxtaposición pulsante, no esa una cruz
griega, pero parte del concepto, no es una forma de elipse pero parte de ese concepto,
por lo tanto Borromini no era nada, era pura fantasía, puro teatro.
CÚPULA INTERIOR SAN CARLOS DE LAS 4 FUENTES– BORROMINI
Los espacios de Borromini, son espacios pequeños. Borromini
al contrario que Bernini no decoraba las paredes con mármol lo dejaba blanco con
algún elemento grisáceo que recuerda a Brunelleschi y jugaba con dinteles,
entablamentos que seguían las formas de las plantas dando una sensación de
ritmo y dinamismo que podía ser un dinamismo alocado, pues parece en muchas
ocasiones que el edificio se puede caer encima en un momento determinado, pues
no se entiende muy bien cuales son las formas.
Borromini jugaba con la cúpula, con casetones que parecen
panales de abeja, pues no son casetones como los del mundo romanos, cuadrados,
jugaba con las formas geométricas.
Otra característica que tenia Borromini que no tenía
Bernini es que era un gran amante de la Edad Media y le gustaba mucho esa
arquitectura y partía de muchos conceptos medievales, pero también de los
edificios de la antigüedad más allá de Roma y Grecia como Persia, Babilonia,
etc.
Hizo un guiño a los anteriores del quattrocento usando los
tondi en las pechinas, la planta la
cerraba con una cúpula que seguía el movimiento de la planta, encontrando en el
perímetro del centro usaba grandes columnas monumentales usando ordenes jónicos, corintios reinterpretados y que no
se hacía en ese momento y que era lo que daba el movimiento.
El edificio básicamente era decoración sin policromía, básicamente
formas, pues los edificios de Bernini eran decoración interior con bronces,
grandes pinturas, a diferencia de Borromini, pues la órdenes religiosas carmelitas,
dominicos, etc. generalmente solían ser personas que predicaban la pobreza.
CLAUSTRO IGLESIA SAN CARLOS DE LAS 4 FUENTES
El edificio es muy pequeño y se llama de las cuatro fuentes
al estar situadas en sus cuatro vértices, el claustro al que se accede desde la
puerta a la derecha del altar.
Borromini solía trabajar para los trinitarios ya que eran
de sus órdenes religiosas la más importante.
Al ver el concepto de fachada se plantea la pregunta de si
ese edificio es una iglesia, un palacio, las fuentes, no tiene torre sino un campanario, y
esa era la gracia del genio de Borromini que era una persona que se saltaba las
normas al igual que los trinitarios que también iban contra las normas.
Borromini puso cuatro fuentes con elementos mitológicos siendo
algo muy extraño en la fachada de una iglesia cristiana, la fachada al ser
observada desde cerca da la sensación de estar inestable y que va a caer de un
momento a otro, sobre todo por esa gran estructura en forma de elipse que es un
medallón.
MEDALLÓN IGLESIA SAN CARLOS DE LAS CUATRO FUENTES
El medallón en su día estuvo pintado, dando sensación de
que se está cayendo y lo sujetan los ángelitos.
Borromini trabajaba la piedra y en ese caso jugaba con la
ondulación del entablamento algo totalmente extraño en la época, hizo unos
guiños al mundo clásico que estaba en la fachada que no es estaba quieta,
siendo una fachada con movimiento, dinámica y que sorprende al entrar y ver que
es una iglesita tan pequeña, y de repente ver una portada que se desarrolla en un conjunto de alturas y que
desde lejos parece que no es ondulado, parece recto, pero al acercar si lo es,
Borromini consiguió dar muchas sorpresas con lo que en algunas ocasiones
produce un agobio que era lo que quería conseguir, pero no están desproporcionadas
las formas, no es un manierismo, es un movimiento constante, dinamismo y el manierismo
era jugar con la fantasía.
En este caso el medallón es proporcionado, no es excesivamente
grande en relación a las figuras.
ORATORIO DE SAN FELIPE NERI - BORROMINI – 1637-1640
Este oratorio tuvo varios usos, academia de música, escuela,
y le encargaron a Borromini que hiciera la fachada que haría con ladrillo, sin
decoración, y no era decorosa, una fachada que no tenía nada que ver con el
Vaticano siendo más o menos un edificio contemporáneo, es una fachada que da
sensación se ser totalmente recta, pero hay un juego de lleno y vacío que el da
dinamismo.
Borromini po podía entrar al gran panteón de los artista
porque no tenía el talante que tenía Berinini y no hacia esa belleza que
querían las familias ricas, pues lo único que hacía era trabajar para los
religiosos que le permitían hacer lo que quería.
Con una estructura que parece que iba a hacer una cubierta,
pero no lo es al ser prácticamente recta.
El frontón que no es triangular, ni circular, jugando con
la fantasía de las formas y en ese sentido llamaba la atención, pero no sabían
dónde ubicarlo.
El edificio es de ladrillo y en ocasiones puso piedra como en
los capiteles, de repente colocó un balcón que sobresale dando la sensación de
que la facha que es recta se sale, dando el efecto sorpresa.
SAN’T IVO ALLA -
SAPIENZA (1642-1650) - Borromini
San Ivo es la Universidad de Roma, Borromini jugó con los triángulos
que forman una estrella de David que era al fin y al cabo un concepto que no
era un símbolo, en el caso de este edificio.
GEOMETRÍA DE BORROMINI
Para lo que Borromini usaría esos dos triángulos equiláteros
perfectos y superpuestos, pero las formas no eran tan fáciles, e hizo lo mismo
que en San Carlos de as cuatro fuentes, con la idea de que personas imaginarias
empujan y estiran la yuxtaposición pulsante y en la fusión de esos dos triángulos jugó a
su vez con la fusión de los círculos fundiéndolos círculos unos con otros.
Como se observa no
tiene nada que ver con los triángulos equiláteros al jugar con las formas fundidas,
y crear una forma totalmente inventada y que no existía hasta ese momento en la
Historia del Arte.
Cuando se funden todas esas formas de círculos con los
triángulos da una fachada que no tenía nada que ver y que no tenía precedente
en la Historia del Arte.
CÚPULA INTERIOR SAN’T IVO ALLA - SAPIENZA (1642-1650)
Borromini
El edificio es alto, pequeño, con un concepto del mundo
gótico, y claustrofóbico, al entrar al edificio hay que dar toda la vuelta
siempre porque el edificio es largo y todo el perímetro del templo está rodeado
de pilastras con fuste, capiteles corintios y por lo tanto la teatralización de
las formas está en su máximo esplendor, uso de estrellas, jugando con la verticalidad.
EXTERIOR SAN’T IVO ALLA
- SAPIENZA (1642-1650) Borromini
Todas esas características también tienen su expresión en
el exterior, los edificios de Borromini eran más claustrofóbicos que los de
Bernini.
Borromini no estuvo preso de los Papas y al no depender tuvo
menos obras porque para Borromini no trabajaba nadie, tuvo un momento de
trabajo de pensar cómo podía hacer las cosas, lo que Bernini no podía hacer al
tener muchísimo trabajo siendo un gran inventor de formas.
PLANO SAN’T IVO ALLA
- SAPIENZA (1642-1650) - Borromini
Formas cóncavas y convexas
En el exterior antes de entrar a la iglesia hay dos triángulos
que sorprenden, el claustro es renacentista, y le piden que haga la iglesia que
está en uno de los vértices del claustro y jugó con esas formas cóncavas y
convexas, de manera que entrando en el interior se encuentra el edificio alto que
se cubrió con una cúpula que jugaba con las formas de la planta todo el
entablamento y la yuxtaposición de formas.
LINTERNA IGLESIA SAN IVO ALLA
En el exterior creo un tambor que no tenía nada que ver a
lo creado hasta ese momento rodeando su perímetro por pilastras corintias, y de
repente lo coronó con una linterna, que nunca se había hecho antes, sino que
parece un zigurat, una forma mesopotámica o del Oriente Próximo.
BorrominI conocía todo esto por estampas, tenía
conocimiento de los antiguos, así como de las siete maravillas antiguas y todo
ello lo podía reinterpretar, pero nadie se había atrevido a hacerlo antes porque
no lo consideraban decoroso, ya que esto solo servía para recibir grandes críticas
porque lo que tenían que hacer hasta ese momento eran formas clásicas.
CARDENAL RICHELIEU - BERNINI
Es un poco exagerado, pero efectivamente trabajó para
Urbano VIII y entre otras maravillas además del Baldaquino y la Cátedra le
pidió que fuera el arquitecto de San Pedro del Vaticano y sería el que manejara
absolutamente todo lo que estuviese dentro.
Boceto Fuente del Tritón del Buen Retiro (sin realizar)
ESCULTURA BARROCA EN ITALIA
1. Pueden localizarse en diferentes lugares. La temática que
predomina es la religiosa, pero también la mitológica y los retratos.
Las características de la escultura en la época barroca es
que es una obra de teatro y la escultura es la que mejor representa esa obra
teatral que será que le cree esos actores en muchas ocasiones que actuarían en
esos grandes escenarios que serían las arquitecturas.
Las esculturas se podían ver en todos los lugares
imaginables, se verá en muchos edificios, en los palacios no tanto, y sí en las
fachadas de las iglesias, las iglesias y en las fuentes, dentro de las plazas
lógicamente en las fuentes.
Teatralización: San Pedro del Vaticano y la fuente de tritón
Estas dos nociones serían trabajos de Bernini que haría
justo enfrente del Palacio Barberini, sobre todo lo que se le pide es que
teatraliza las formas al máximo y una de las cosas más empleadas para teatralizar
las formas serían los martirios.
Los martirios qua de por sí son historias muy teatralizadas
en las que se podían poner los Santos ya martirizados o en el momento en el que
les están martirizando para dar piedad que al fin y al cabo es lo que pedía la
contrarreforma. La escultura sería muy importante.
2.Teatralización de las formas. El entorno en el que se
sitúa la escultura juega un papel importante, actuando como el escenario de la
escena que se está desarrollando. (llama al sentimiento del espectador).
Santa Cecilia -
Maderno – Santa María de Trastevere -1600
Esta escultura de Santa Cecilia se ubicaría en Santas María
de Trastevere y que está colocada en una especie de tumba, en un espacio en el
que se supone se llevó a cabo ese martirio, que era una catacumba metida en una
urna en la que se le rajaría el cuello.
Maderno el escultor, tapó la cara de Santa Cecilia para dar
muchísima más expresividad que sí estuviera a cara descubierta, por lo tanto se
jugaba mucho con el sentimiento del espectador, pues lo que pretendían era
poner todo el rato en una congoja continua, pero los italianos al utilizar el
mármol era bastante menos dramático que los españoles como Gregorio Fernández.
El mármol da una belleza especial no haciendo tan dramática la obra de ese
momento tan dramático, es una obra claramente teatralizada.
3. Renacimiento (serenidad) vs Barroco (teatralidad y
movimiento)
El renacimiento daba serenidad como por ejemplo el David de
Miguel Ángel daba serenidad, así como el de Donatello, El paraíso de Alberti no
produce ningún tipo de teatralidad ni de sentimiento sino que más bien es
belleza, pero el barroco es movimiento puro como ocurre con la Verónica.
SANTA VERÓNICA – Mochi – San Pedro del Vaticano 1629/40.
Esta Verónica se encuentra situada en una de las grandes
patas de elefante del crucero del Vaticano.
Ya no era el momento reflexivo de Miguel Ángel sino que era
el momento dinámico de Borromini, la escultura, la figura a estaría haciendo
algo, en esa obra la Verónica enseña la tela con la cara de Jesús, eso lo hace
porque es lo que quiere trasmitir, que esa imagen es una Santa y qu4e se debe confiar en ella porque será el
enlace entre la tierra y el cielo, pues Dios está muy lejos, pero los Santos
están en aquí y han formado parte de la tierra, por lo tanto son semejantes al
resto y todo humano puede ser santo, ese es el concepto que se quería dar para
semejar a los humanos a la religión.
En la mente de los medievales como por ejemplo en el
Pantocrátor de San Clemente de Tahull resultaba muy lejano un Cristo en Majestad, magnifico,
grande, pero que no estaba asociado con la sociedad, con un mensaje muy potente
y que la gente no lo comprendía, sin embargo los santos que han sufrido y que
han vivido y que en la mayoría de las ocasiones los santos en ese momento
habían sido romanos y habían pasado a ser cristianos y que habían sido
martirizados por Dios.
Ese sentimiento de haber pasado de la religión politeísta
romana a una religión monoteísta y por eso le habían matado era el momento en
que la religión usaba los santos como para dar un nuevo modo de piedad y que a
la vez de compadecerse sirviese como modelo.
Los santos podían estar en las esculturas y los santos
también podían estar en las casas de los nobles, porque ellos tenían reliquias
de santos.
4. Búsqueda del instante preciso
Se busca el instante preciso pero no como el del David de
Miguel Ángel, sino el instante preciso de la acción.
LA BACANAL - Bernini - The Metropolitan Museum of art
NY, 1616/1617
A Bernini le llamaban el arquitecto de los dioses, pero
también era el escultor de los dioses porque era un gran escultor.
Se puede observar en la escultura las formas y que es un
gran heredero de las formas clásicas, empezó a esculpir muy joven y además era
heredero del manierismo porque su padre Piero Bernini trabajaba con esa forma
helicoidal que daba ese aspecto a la
obra manierista, como se puede observar partía del concepto manierista
para dar esa línea serpentinata que va hacia arriba.
5. Tendería a la apertura y expansión
Se tendía a la apertura, a lo grande, y a jugar con el
espacio.
SAN ANDRÉS – Duquesnoy – S. Pedro del Vaticano – 1629 -
1640
San Andrés se encuentra en San Pedro de Vaticano es una
figura en expansión a través del aspa, como se puede observar los santos
siempre tenían que llevar su símbolo del martirio, porque se tenía que asociar
y se pide que se asocie un Santo y su Martirio, porque el mensaje tenía que ser
rápido y efectivo para todos los espectadores.
Pero pensar que todos los que visitaban San Pedro del
Vaticano conocían todos los santos era imposible, porque el pueblo llano
conocían muchas cosas pero otras mucho no, y por lo tanto era un buen momento
para que empezaran a conocer el Panteón de los Santos, y que fueran conociendo
quienes eran los intermediarios de Dios en la tierra.
Los escultores trabajaban el mármol y también la piedra, en
ese momento.
6. Búsqueda de belleza más allá de lo físico.
Se busca la belleza más allá delo físico y además el
interior, lo que la escultura dice desde dentro, de modo que un santo puede ser
bello, pero lo importante es el mensaje.
ALEJANDRO FARNESSE – MOCHI – Piazza Cavalli Piacenza
(1612/29)
Lo mismo ocurría con Farnesse escultura de Mochi donde se
observa la riqueza de las formas, el movimiento también decía algo, tenía que
ser algo más que bonito, en el renacimiento solo era bonito y solo se pedía que
fuera bello y proporcionado en ese momento no, debía tener alma, algo más.
LUDOVICA ALBERTONI -
Bernini
Esta obra crea un momento que podría dar numerosas
interpretaciones. Bernini jugaba con ese modo de interpretación de muerte
sexual.
SAN SEBASTIÁN – Bernini
- Museo Thissen – Madrid 1615
Hasta ese momento estaban:
- San Jorge
- David
- San Sebastián
San Jorge como héroe de la Edad Media, David como el héroe
del Renacimiento y San Sebastián como héroe del Barroco.
Los artistas tomaron a San Sebastián con las flechas como
modelo a tomar del cuerpo humano, y san Sebastián si se le podía poner
prácticamente desnudo y eso no sería criticado por representar a un santo, y
por eso cogen a este santo como modelo para conocer el cuerpo humano.
Se está dentro de una película en la que Bernini era el director y sus obras serían el
escenario de la obra teatral y así se concibió, pues sino era muy difícil
comprender quien era Bernini.
Bernini era una persona que era visto como arquitecto, pero
era escultor, nació en Nápoles que pertenecía a la corona de Aragón, se crió con su padre desde el punto de vista escultórico, por lo que era más escultor
que arquitecto y se dice que desde muy pequeño desde los siete u ocho años
hacía esculturas y le gustaba mucho ese mundo de la escultura y siempre estuvo rodeado
de esculturas en el taller de su padre.
Con el paso del tiempo fue creciendo en sus actividades,
incluso llegó a superar a su padre, pero porque Bernini dio el salto hacia algo
más allá del renacimiento, del cinquecento y del manierismo.
1. El movimiento de sus esculturas no se reduce a un
retorcimiento manierista es un todo.
1. Movimiento
La escultura de Almanaci aquellas esculturas que se ponían
en las fuentes de la Señoría, el movimiento era muy distinto, una escultura puramente manierista donde está
el desequilibrio y una escultura esbelta, donde no se rompe las proporciones,
pero tiene la tensión del movimiento, y esa es la gran diferencia entre el
manierismo y Bernini.
DAVID – Bernini (1624)
2. No se rompe y tiene movimiento. Estando fuera de su
contexto pierde el mensaje, al igual que las pinturas.
Para Bernini la escultura es todo y es tan importante que tiene
que hacer comprender. Las esculturas de Bernini cuando se sacan de su contexto
original y se colocaron en los museos se perdió su mensaje.
Lo mismo ocurrió con la pintura que cuando se saca de la
iglesia para donde fue concebida en ese caso también pierde su mensaje.
3. El movimiento atrae al espectador y lo envuelve en la
acción.
El espectador está envuelto por la acción, pero no forma
parte de la escena ni de la obra teatral, pero si está dentro.
LA FAMILIA CORNARO – Bernini
Esta familia Cornaro son las esculturas que se encuentran a
los lados del éxtasis de Santa Teresa, y se observa como están comentando y
preguntando que ocurría, viendo esa obra teatral.
Y otros terceros espectadores están viendo esa obra de
teatro y comentar lo que comentan ellos y lo podrían comentar ellos. Las
esculturas se meten en el mundo real. El barroco se mete en la propia
intimidad, en la vida del espectador y hasta ese momento eso no había ocurrido,
ningún artista se había interesado por los espectadores, y eso ocurría desde
ese momento.
3. La persona que ve a escultura se convierte en espectador
de las telas y aumentan el efecto teatral de las imágenes.
La escultura tiene que mostrar, causar efecto, expresiva,
tiene que tener gestos de alegría, de pena, de tristeza, fuerza, debilidad,
etc. tienen que decir algo, pues la escultura es alma, más allá de algo bonito.
En David se observa como la fuerza le hace morderse los
labios.
Esculturas que representan angustia.
Y como los raptos sean raptos de verdad, con en el de Proserpina,
que se ve como se juega con la fuerza que mete los dedos en la carne.
Miguel Ángel en su gran Piedad que observa que es un gran
artista, pero todavía no controla el concepto de texturas.
En este caso las esculturas pueden meter al espectador en
esa obra de teatro, si esas esculturas se quedaran quietas no darían mensaje.
Cuando se encuentra un artista que no transmite no se mete
el espectador en la acción, pero sí el artista transmite el espectador se mete
en la acción, aunque sea un sin sentido.
La intención de Bernini es que el espectador con la cara de
David le moleste o se sienta identificado con esa fuerza que está haciendo, o
que se pueda ver esa fuerza del rapto y el espectador quiera ayudar a
Proserpina, para que se escape, consigue que el espectador opine que era algo
que hasta ese momento una escultura no podía hacer opinar.
Bernini le suma además un factor más allá al ser un gran
escultor representaría los distintos matices no es lo mismo hacer piel, pelo,
peo de animal, y eso lo representó muy bien en la escultura siendo un plus más
a los gestos, al movimiento que ponía en la escultura, metiendo al espectador
como si fuera parte de ese conjunto escultórico.
4.Añade a la escultura la técnica del TREPANO
Bernini agrega el concepto del mundo antiguo del trépano
que hace ser a la escultura mucho más viva y además en ese tipo de esculturas
trabajo con una técnica conocida como el RETRATO PARLANTE, porque Bernini lo
primero que pedía a sus modelos que retrataba era que no se quedaran nunca
quietos, que movieran la boca, que hablaran, que hicieran gestos, para poder
coger los matices de las distintas formas que el pudiera ver y así representar
al modelo de la mayor veracidad posible, no totalmente quieto que no se podía
comprobar cómo era en la realidad.
CONSTANZA BUONARELLI – Bernini
Museo María Bargello – Florencia (1636/1637)
Esta Constanza Buonarelli fue una mujer muy especial, fue
la esposa de uno de sus discípulos y cuando ese discípulo fue al taller fue con
ella la primera vez y Bernini cayó rendido a sus encantos, fue su amante y
estuvo mucho tiempo con ella hasta que en un momento determinado sospechó que
Constanza estaba con otro hombre y cuentan que un día le dijo que se tenía que
ir pero volvería al día siguiente y se fue detrás de ella pro las calles de
Roma y comprobó que era cierto que le engañaba, con Luigi que era su hermano, y
cuando Bernini los pilló juntos se enfadó tanto que pegó con una vara de hierro
a su hermano y si no le separan le hubiera matado, escapando Constanza y el
contrato un sicario para que la rajara la cara y nunca más volviera a tener esa
belleza que le había enamorado y le hizo enloquecer.
4. Añada a las esculturas la técnica del trepano.
Scipione Borhese – Bernini
Este escultura fue el primer gran mecenas de Bernini y era el
dueño del Palacio y le encargo las tres primeras grandes obras, entre ellas el
David.
Le dijo que hablara pues no debía estar quieto para
conseguir la expresión.
5. Importancia de las telas
ESTATUA ECUESTRE CONSTANTINO – Bernini
Se pueden ver distintos materiales y esta escultura
ecuestre del año 1662 posterior al de Felipe IV, se encuentra en una de las
escaleras del Vaticano, es un caballo de Corveta un poco más tosco que el de
Felipe IV.
Esta obra sirve para ver los matices de la piel del caballo,
los ropajes, observando que trabajaba muy bien el mármol y jugaba con las
distintas formas.
5.Trabajaba en diferentes tipos de materiales.
El cardenal Richelieu era enemigo de Olivares, pero le
solicita un retrato para conocer a quien se enfrentaba y quería una escultura.
Monumento a sor maría Raggi – Sta. María Sopra Minerva
- Bernini
Bernini trabajaba piedra, mármol, bronce, en este monumento
se puede ver esas telas que son como tapices hechos en bronce que se mueven,
además hay un concepto muy barroco, ese concepto de los letreros en movimiento.
ÁNGEL CON CON DRAGÓN
– Bernini (1624-1620)
Getty Museum - Los Ángeles
JÚPITER Y LA CABRA AMALTEA – Bernini
Sus primeras obras eran obras griegas helenísticas, incluso
pasó por serlo hasta hace pocos años, se pensaba que era como los niños con la
púa, etc., y al final se dieron cuenta que esta obra era de Bernini.
Esto explica que bebe de las fuentes griegas y empieza como
todos esos artistas de la época, que eran las esculturas y helenísticas.
ENEAS, ANQUISES Y ASCANIO – Bernini - Galería Borghese
En esta obra trabajó con su padre Piero y se puede
observare el giro de la serpentinata que es un concepto manierista, escultura
esbelta, con mucha verticalidad, y por lo tanto, se observa un manierismo puro
de su padre.
Se observa como poco a poco va dando un poco más
sentimiento a la escultura desde 1618/1619 hasta 1621/22 ya Bernini cambió
mucho, sobre todo desde el punto de vista psicológico y de la expresión.
RAPTO DE PROSERPINA
– Bernini – 1622
En esta obra se ve claramente la influencia del Laoconte,
en Proserpina tanto su rostro como su acto y el gesto indica que no le gusta lo
que le está ocurriendo y como se puede observar los dedos se meten en la piel.
LOS DAVID
Donatelo hizo un David (1440) totalmente clásico. Miguel
Ángel hizo un David (1501) bello en el que se puede ver ese sentimiento de ira
y que paree que haría algo en un momento determinado y finalmente el David de
Bernini (1623).
EL DAVID – Bernini
El David de Bernini está llevando a cabo la acción, en ese
sentido Bernini quiere meter al espectador en la acción y por eso hizo una
escultura esbelta, de bulto redondo, a la que se le puede dar la vuelta para
poder ver absolutamente toda la obra.
Para hacer algo distinto lo que hizo fue marcar el rostro y
lo que hizo Bernini fue poner a una persona que podía ser de verdad, se comenzó
a dar ese concepto de retratos de verdad, de no idealizar el retrato más allá
el mundo clásico.
Si se estaba haciendo una escena religiosa, se intentaba
hacer más humano para que la gente se identificara y así captaran mejor los
sentimientos que si se hace como un David gigante que no tenía nada que ver con
la realidad.
APOLO Y DAFNE –
Bernini (1625)
Apolo perseguía a la ninfa Dafne ella no quería nada y ella
corría, corría, pero como veía que la alcanzaría, Dafne pidió ayuda a su padre y
la convirtió en laurel.
En esas metamorfosis Bernini no eligió el momento en que
corría, sino que eligió el momento en el que Dafne se convierte en árbol.
Eso le posibilitó poner los gestos de velocidad, salir
corriendo, el gesto de sorpresa de lo que le estaba pasando y además pudo jugar
con los contrastes de los distintos materiales, por lo tanto, es lo principal
para poder entender el barroco.
Las tres esculturas, Proserpina, David junto con Apolo y
Dafne son las tres esculturas que hizo para el Palacio Borghese (1622-25) que
es la Galería Borghese.
Bernini cuando realiza obras escultóricas reales hacia
obras reales, cuando realizaba alegorías u obras mitológicas no tenía que
basarse en una persona en concreto.
Anima Dannata - Bernini
(1619)
Con la representación de las ánimas, Anima Dannata no es un
alma, está representada como algo totalmente fuera de este mundo, su mirada es
de algo que la sorprende, llevando los ojos hacia arriba, con la cara de
sorpresa de no saber que estaba pasando, con ese misterio que hay que intentar
descubrir y que es muy difícil, al fin y al cabo, Bernini hace participes a los
espectadores.
Algo más impresionante es que los contemporáneos del anima
Dannata decían que parecía que iba a lanzar un grito de un momento a otro.
La representación de las arrugas, la boca, la lengua, dando
a entender un momento de tensión y un momento en el que gritaba por algo que
estaba ocurriendo.
Esta representando esa vida que tenía desastrosa y lo que
había vivido o un momento trágico que estaba viviendo y que estaba
transmitiendo a los espectadores, representando a través de la boca que parece
que gritará de un momento a otro.
PAPA URBANO VIII – Bernini
Bernini trabajó para muchas personas y con unos siete
Papas, pero los más importantes sería Urbano, Alejandro e Inocencio.
PASSERI uno de los grandes biógrafos dice: “Es una gran
fortuna la vuestra caballero ver en Papa al cardenal más feo Barberini pero
bastante mayor es la nuestra que el
caballero Bernino viva en nuestro pontificado.”.
Realizó el Baldaquino, La Cátedra y las cuatro grandes
patas del crucero y embellecerlas con dos alturas, nichos uno que está vacío y
se pone una escultura y arriba otro que es plano, con un relieve con el símbolo
del martillo del Santo para ir asociando, si se ponía la Verónica pues arriba
su símbolo, sí ponía San Andrés su símbolo, etc.
SAN LONGINOS SAN PEDRO VATICANO (1629 – 1638)
La única escultura que realizaría Bernini, que se sabe que
es San Longinos por la lanza, se observa ese concepto de expansión, ese
concepto de dinamismo a través de los paños. Los paños de Bernini son muy
abultados, muy grandes.
MONUMENTO FUNERARIO A URBANO VIII - SAN PEDRO VATICANO 1628-1647
Bernini instauro un nuevo concepto de sepulcro como
monumento funerario creando el de Urbano VIII, donde se puede observar al igual
que hizo Miguel Ángel al Papa en una pirámide rematado siempre con la figura
del Papa en la que jugó con el bronce, mármol y piedra de una manera secuencial,
y ese bicromatismo daba movimiento, teatralización a ese concepto barroco de
expresión. En ocasiones Bernini podía usar pintura imitando al material
representado.
DETALLE INFERIOR DEL SEPULCRO
Bernini estaba mostrando una época, que sí bien tenía un
gran concepto artístico, es una época muy pesimista, una época en la que al
contrario que lo que había ocurrido en el renacimiento, con artistas que
hablaban del carpe diem, vive la vida, ahora era todo lo contrario estando de
moda las VANITAS, era la muerte, el mensaje hay que vivir pero el final está
ahí dando lo mismo que se sea un Papa o un campesino, pues todos vamos al mismo
lugar, cielo o infierno, pudiendo el ser humano elegir con sus acciones donde quería
ir, si se es bueno se va arriba y sí se es malo se va abajo.
La imagen de la muerte tiene alas por esa noción de muerte,
demonio, mundo oculto, debajo de la escultura hay una especie de puerta que da
paso al más allá, con la idea de ese concepto del otro mundo, teniendo en
cuenta que el Papa no iría al infierno.
Fuente de Tritón - Roma - 1643
Esta fuente está enfrente del Palacio Barberini, la
representación de esos animales mitológicos que dan la sensación de estar
saliendo de la corte del dios Neptuno, que se utilizarían en muchísimas fuentes
como el Neptuno de Madrid, son animales mitológicos intentaban dar efecto
sorpresa que es lo que pedía el barroco, la venera era representación cuattrocentista,
con movimiento para dar dinamismo.
EL Tritón tiene su famoso cuerno que generalmente expulsa
agua jugando con esa noción de teatro.
Boceto Fuente del Tritón del Buen Retiro (sin realizar)
Esta escultura se hizo para el palacio del Buen Retiro de
Felipe IV y esa fuente no existe, solo está el boceto de Edward Montagu en 1668.
Esto significa que las obras de Bernini, mediante estampas,
otros artistas que las habían visto, etc. llegaron desde Roma a España, copiando igual pero con diferencias.
20 de
noviembre 2018
BERNINI
E INOCENCIO X (1644-1655)
Época de:
- Poco interés artístico
- Mala Economía
- Enfrentamientos entre familias: PAMPHILI VS BARBERIN
Este Papa era miembro de la familia Pamphili y metería al
papado después de Urbano VIII, como
Inocencio X, tenía muy mal carácter y no le gustaba el arte, no Bernini, ni
Borromini y lo que único que le preocupaban
eran las guerras, pero como tenía que tener un artista de cabecera eligió a
Borromini siendo Bernini relegado a segundo plano, tenía una cuñada muy
malhumorada que se llamaba Olimpia a la que llamaban la Papisa y cuando estaba
enfermo y a punto de morir ella fue la que cogió las riendas del papado y
manejaba y formaba documentos.
Hay un retrato de ella pintado por Algarbi ya que no le
gustaba Bernini.
INOCENCIO X (Velázquez)
Era un Pamphili y los Panphili se llevaban muy mal con los
Barberini, pues eran familias muy importantes rivalizando entre ellas. Los
Farnesse también eran importantes y llegarían al papado y que trabajarían
distintos artistas para ellos.
La escultura tomaría como artista principal a Algardi y en
arquitectura tomaría a Borromini y los Hermanos Rainaldi, estos dos hermanos se
llevaban relativamente mal con Bernini. No había una figura como gran escultor
romano, sino se contaba con Bernini.
FUENTE DE LOS CUATRO RÍOS – BERNINI (1648-1651)
Plaza Narvona – Roma
Durante la época de Inocencio X se hizo uno de los grandes
monumentos de la Historia del Arte italiano, la Fuente de los cuatro ríos, situada
justo enfrente de un edificio hecho por Borromini, la iglesia de Santa Inés, y que tiene una leyenda.
Esta fuente está en el centro de la plaza que es alargada,
proveniente de un circo romano y que posteriormente se usó como piscina pública
cuando la llenaban de agua para disfrutar en los veranos calurosos de Roma.
Esta plaza es muy importante para las fiestas con la
llegada de los grandes condes, con la llegada de la corte papal al que
agasajaban con grandes fiestas, preparando entrada para los grandes carruajes,
usaban elementos mitológicos, con arquitecturas efímeras de cartón piedra que
se usaban mucho en España.
Basándose en esas arquitecturas efímeras, pero de piedra
hizo esta gran fuente para colocar en el centro de ese famoso circo con unos
túneles debajo donde estaban los participantes.
Esta fuente tiene la representación de los cuatro grandes
ríos conocidos hasta ese momento, Plata, Ganges, Nilo, Danubio.
Cada río está caracterizado de la manera en que Bernini
pensaba que deberían ser esos ríos, según cada una de las zonas representadas
y reflejando el carácter de cada persona o de sus habitantes.
La Plata tiene ese carácter indígena, el Ganges es un río
ya antiguo, un río representado por la alegoría de una persona mayor con barba,
al igual que el Danubio que son de los ríos más antiguos, y el Nilo que a pesar
de ser un río antiguo era un río poco conocido porque nadie se había arriesgado
a meterse hacia el interior de África y por lo tanto, le puso un paño cubriendo
el rostro al no conocerse.
A través de las imágenes de Bernini se puede dar una idea
de cómo se conocían en ese momento el mundo.
La leyenda dice que el Danubio tiene la cara un poco
asustada, extraña y con una expresión en las manos, de ese gesto se ha hablado
mucho, pues al estar enfrente de Santa Inés, Bernini puso un gesto de error hacia la
iglesia que había hecho Borromini, y la mano la tiene colocada en esa posición
por miedo a que se le cayese la fachada encima.
Marca interés cada uno de los ríos está representado con
una imagen característica del continente que representa, como por ejemplo se
ven palmeras, a lo largo de la fuente se observan distintos elementos para
identificar de lo que estaba hablando.
La fuente está rematada con una obelisco y en el vértice
una gran bola del mundo y encima una cruz cristiana, como diciendo que la
cabeza del mundo es Jesús y Roma la Caput Mundi.
Bernini no tuvo importancia que había tenido en la época de
Urbano VIII, pero esta obra todavía muestra como Bernini es una persona de la
que no se prescindía, por mucho que Inocencio X no quería contar con su
trabajo.
ÉXTASSIS DE SANTA TERESA – BERNINI (1647-1652)
Capilla Cornaro -
Sta. Mª de la Victoria - Roma
Durante la época de Inocencio X Bernini buscó trabajo por
otros lugares, consiguiendo otros comitentes como hizo con la Capilla Cornaro
en Santa María de la Victoria.
Esta iglesia es una de las grandes olvidadas, pero al ver
la imagen las personas ven un Bernini, al ser una de las grandes imágenes del
barroco, Bernini está creando un juego teatral al estar trasladando al
espectador a España y a un convento carmelita por zona de Ávila, es importante el
Convento San José que fue un convento donde estuvo la Santa.
Tenían que entender la figura de Santa Teresa de Jesús al
ser una figura clave, no solo para Italia, sino para España sobre todo, la
arquitectura carmelitana marcó un modelo a seguir que se fusionaría con la
arquitectura jesuítica, fue una mujer que tuvo muchas personas a su favor pero
también muchos detractores, como la princesa de Éboli que en un principio la
veneraba, pero finalmente las andanzas de la Mendoza por la zona de Pastrana,
dejó de confiar en ella.
Santa Teresa tuvo muchos encontronazos con la Santa
Inquisición, pues una de las características de la Santa era ese concepto que
tenía tan místico llegando a ser erótico de Jesús de cómo se le presentaba, en
ocasiones era una especie de pararillo que le susurraba todo lo que ella debía
pasar a escrito, así como San Juan de la
Cruz, fue un momento muy importante en que los grandes escritores, la
literatura tomó su gran protagonismo con estos místicos.
Bernini representó una de esas escenas místicas de Santa
Teresa en un momento determinado en que un Ángel llegó a su celda y la
atraviesa con una flecha.
IMÁGENES DE ESPECTADORES DEL ÉXTASIS DE SANTA TERESA
mientras los espectadores ven de frente esa escena, la
familia Cornaro también está viendo la escena, a los lados, por lo tanto, crea
esa ilusión óptica, haciendo participes de su realidad a los espectadores.
Es interesante la observación del mármol de las esculturas
ya que todo ello forma un gran conjunto dando una gran belleza barroca que era
la intención de Bernini.
La escena del ángel es una especie de transparente de rayos
de sol que impactan directamente, en un momento determinada en que el sol está
en su máximo esplendor dando iluminación a esta pequeña capilla, que está en
uno de los laterales, siendo una capilla muy íntima y de recogimiento que sí se
es religioso y se está enfrente de esa imagen se siente ese concepto que
querían hacer sentir los barrocos y los contrarreformistas, aunque ya Bernini
era un postridentino (del Concilio de Trento), a través de los gestos,
movimiento.
La decoración no es dramática siendo una de las
características principales de Bernini, pues
no quería mostrar el sufrimiento, sino quería poder ver la religión de
distintas facetas como la sexualidad, alegría, relajación, sensibilidad. Esas
características se ven tanto en el ángel como en la imagen de la Santa, el
ángel tiene esa noción de asexuado, lo que transmite muy bien el artista.
Algo que destaca en Bernini son los paños creando un juego
de volúmenes que parece que flota la imagen y a pesar de estar en una celda,
Bernini transmite su visión, una visión en la que la santa se apoya y está
sobre una nube como una gran máquina, obra de teatro, siendo los grandes
actores.
Hay un corte, pues la flecha cae en la Santa, pero la Santa
crea ese efecto aspa que tanto gustaba a Bernini como se ve en San Longino.
Se puede ver perfectamente los matices de la piel,
cabellos, vestidos, porque Bernini trabajaba muy bien todos esos materiales.
Bernini a través de un concepto de templo griego o romano
con grandes salidas y entradas, construyó la celda, una celda que no tenía nada
que ver con la celda de Santa Teresa, pues una de las cosas que ella decía era
que no se tenían que tener riquezas y que sus conventos tenían que ser pobres,
por lo que sus conventos estaban y hechos prácticamente de ladrillos, piedra,
sin decoración y muy austeros.
LOS CORNARO
Los Cornaro querían patrocinar el edificio y tuvieron que
hablar y llegar a un acuerdo con Bernini para hacer la obra, habiendo una nueva
reminiscencia de épocas pasadas con los relieves que se hundían hasta el fondo
creando bajo relieves dando un matiz y mucho más dinamismo a las obras de arte.
Con la muerte de Inocencio X la suerte de Bernini le volvió
con Alejandro VII.
Este Alejandro VII era una persona a la que le gustaba
mucho el arte y sentía una devoción importante por Bernini y volvió otra vez a
tomar a Bernini como artista de cabecera, siendo el momento en que se hizo la
plaza de San Pedro del Vaticano, y Bernini toma un nuevo impulso.
ESCALA REGIA – BENINI (1663-1666)
SAN PEDRO DEL VATICANO
Desde el punto de vista arquitectónico aparte de la plaza
del Vaticano, hizo la scala regia que es uno de los laterales en San Pedro del
Vaticano, rememorando las galerías abovedas en este caso con una bóveda de cañón,
con casetones al modo clásico, pero con la sorpresa de un gran escudo con dos
grandes ángeles que se encuentran en el arco con columna de reinterpretación
corintias que les gustaban muchos a los barrocos, que llegando el s-XVII se
volvió más dinámico.
Bernini al principio como en el caso de la plaza de San
Pedro utilizó el orden dórico porque quería mostrar austeridad, aunque era
importante demostrar grandeza pero austera.
En el caso del interior se trata de un palacio, por lo
tanto tiene que tener grandiosidad y luz.
CONSTANTINO – BERNINI
(1662/68) – S. Pedro Vaticano
Al fondo de la escalera hizo un Constantino de forma muy
rápida, que se le nota claramente como su técnica es un poco más tosca,
probablemente habría trabajado algún alumno suyo, sobre todo en las telas, pues
se notan más toscas que las telas que Bernini hizo en Santa Teresa, pero esta
estatua ecuestre de Constantino que era muy importante para entender el paso de
los paleo cristianos al aire libre lejos de las catacumbas, gracias a Constantino
que permitió que pasearan libremente por las calles de Roma, siendo un
personaje muy importante para los contrarreformistas romanos y postridentinos,
siendo esta figura reclamada en muchas ocasiones.
ESCULTURA ECUESTRE FERNANDO III (San Fernando) - Sevilla
Constantino eran tan
importante para los italianos, como en España Fernando III como un rey que
reconquista territorios como Sevilla, Jaén, Córdoba, haciendo un paralelismo de
la importancia que tenía estos personajes.
ESCULTURA ECUESTRE LUIS
XIV – VERSALLES
Louis Petitot (1838)
Esta imagen es muy
particular tiendo un gran parecido con la escultura de Luis XIV, el rey sol en
Versalles.
Luis XIV fue muy
importante y se casó con una infanta española y se creo un conflicto estallando
la Guerra de Sucesión, dando lugar a la
aceptación de Felipe V nieto de María Teresa de Austria hija de Felipe IV y
uniendo los Austrias y los Borbones. María Teresa de Austria no era aceptada en
la corte francesa, ya que tenía una sobriedad que tenían los Austrias y encima
no hablaba casi francés, los Austrias se dedicaban a estudiar italiano,
flamenco, y además le fue infiel en muchísimas ocasiones Luis XIV con muchas de
sus amantes. María Teresa fue una mujer muy querida y se la respetaba en el
mundo español.
Antes de Luis XIV
estaba Luis XIII cuyo válido sería Richelieu que era el enemigo del conde duque
de Olivares y que sería quien introdujera a España en l famosa Guerra de los
Treinta Años que empezó en 1618 y acabó en 1648 llegando finalmente con la Paz
de los Pirineos acabando con la importancia del Imperio español.
Luis XIV tiene en mente
un artista muy importante en Italia llamado Bernino según las fuentes, y que
estaba trabajando en esos momentos para el Papa Alejandro VII de la familia
Chigi solicita que le haga el favor de
que lleven a Bernini a su corte de Versalles, a regañadientes Alejandro VII
acepta pero llegó con aires de grandeza ya que era un gran artista en Italia,
pero se chocó con los gustos franceses y su gusto se ve reflejado en el Palacio
que es un gusto de un artista clásico que no es tan barroco como Berini y él no
supo reflejar bien ese gusto francés y fue desbancado a un segundo plano.
BUSTO LUIS XIV – REY
SOL - BERNINI
Una de las obras de
arte que hace la hace es este busto que hizo para el Palacio de Versalles,
quedándose en un segundo plano porque lo llevaron a los jardines que son muy
grandes.
Después se imitaría ese
palacio en el Palacio de la Granja, Felipe V trajo a uno de los grandes
jardineros de la época que trabajaba en Versalles Le Nôtre como artista.
Bernini estuvo un
tiempo en Francia y la obra si le había gustado Luis XIV porque según la imagen
de ese rey que tenía una doble vara de medir y era una persona que le gustaba
reinar pero era un rey absoluto y se consideraba un rey enviado del sol y con
muchos aires de grandeza que contrataban con la corte española y podía ser la
razón de que no se entendiera con María Teresa.
Cuenta una leyenda que
María Teresa tuvo un amante que era un esclavo negro suyo y que se llamaba Nabo
y con él tuvo una hija que decían que había muerto. pero años después
encontraron una mulata en un convento, pues era habitual que los hijos
bastardos ingresaban en conventos.
Ese busto de Luis XIV a
lo barroco que denota esa altivez que tenía el rey, y que además en ese momento estaba tirando la
capa al aire a la vez que giraba el rostro para dar a entender “estoy aquí”.
En Francia se pusieron
de moda las pelucas empolvadas blancas, en ocasiones porque los príncipes y
reyes eran calvos o tenían poco pelo y era para disimular, aunque no fuera el
caso de Luis XIV ya que tenía bastante pelo rubio, además de los pelucones,
marcó tendencia usando tacón ya que para él era importante, además era amante
de la danza y el teatro.
Bernini volvió a Italia
porque no le gustó la Corte de Versalles y quería volver con su comitente del
Papa Alejando VII para allí acabar su vida, y no acabara como Leonardo da Vinci
y con Francisco I, que al final no pudo volver a Italia.
ÚLTIMAS OBRAS.
PONTE SAN’T ANGELO –
BERNINI (1667-1671) Roma
Bernini serían todos
esos ángeles que portan símbolos de la pasión y que los realizarían básicamente
sus discípulos, el hizo uno o dos, pero no más.
En los últimos años
delegó su obra a los discípulos de su taller y la obra de Bernini quedaría siempre
en Roma, Italia al dejar muchísimos discípulos.
TUMBA ALEJANDRO VII –
Bernini (1671-1618)
Hizo fue la tumba de
Alejandro VII al igual que hizo con Urbano VIII en bronce, en el caso de
Alejandro VII la haría en mármol combinada para hacerla mucho más económica. De
nuevo colocó las vanitas usando ese concepto teatral llegando a través de la
treatralización esqueleto que sale con el “tempus fugit” (el tiempo vuela)
junto a las alegorías de la sabiduría, vida, muerte, día, noche, que rodean a
ese tipo de sepulcros.
Éxtasis de la beata
Ludovica Albertoni – Bernini (1671/1674)
Capilla Altieri – San Francisco a Ripa Roma
Está obra la realizó
Bernini en su totalidad teniendo todas las características de Santa Teresa, pues básicamente es la
reinterpretación, de nuevo ese erotismo, sensualidad y sexualidad que tenía
Bernini, y que en el caso de Santa Teresa estaba bien documentado al haber sido
la Santa avisada en numerosas ocasiones por la Santa Inquisición porque la
decían que lo que estaba haciendo era básicamente herejía, pero ella continuaba
ya que aducía que tenía visiones.
Bernini lo que hizo
darle de nuevo una presentación un tanto erótica a Ludovica en los últimos
momentos de su vida en sus últimos minutos, pero que en ocasiones al observar
la imagen se puede pensar que es una escena totalmente erótica y sexual.
Bernini jugaba con ese
erotismo con esas características de movimiento, gran espectacularidad en el
conjunto que combinaría escultura, arquitectura y una pintura, siempre
intentaba dar a ese tipo de esculturas lugares que se asemejaran a celdas,
habitaciones, para hacer mucho más real el momento de la muerte o en el caso de
Santa Teresa el momento de la visión en su celda.
Lo que hizo en Proserpina,
David, etc. se vería años después en esa noción de gusto por hacer los materiales
de forma distinta por marcar bien lo que es tela, lo que es piel, lo que Miguel
Ángel no lo había logrado hacer.
Bernini finalmente moriría
el 28 de noviembre de 1680, Roma, dejando una estela de discípulos que iban a
seguir su legado y su obra, no sin antes hacer una obra para el Escorial de
Madrid.
CRISTO CRUCIFICADO - Bernini
(1655)
Monasterio San Lorenzo del
Escorial (Madrid)
Es un Cristo importantísimo
al ser una de las pocas obras que hay en España de Bernini junto a otra obra
que hay en el Museo Thyssen de Madrid, usando el bronce no teniendo nada que ver
con los cristos españoles.
El Cristo de Bernini es
clásico y no tiene cuatro clavos como era el gusto de los españoles, por la
teoría de la Inmaculada.
ALGUNOS ARTISTAS INFLUENCIADOS
Santa Susana de François
Duquenois - Santa María del Loreto – Roma
Imagen de Santa Susana
siguiendo los parámetros y características de Bernini, es una escultura
elegante, clásica, una escultura a modo de sacerdotisa vestal en la que se va a
representar una mujer sin identidad, como le gustaba en algunas ocasiones al propio
Bernini.
ATILA EXPULSADO POR EL
PAPA - Alessandro Algardi (1646-1653)
Situado en San Pedro
del Vaticano tuvo un gran éxito en la época, es relieve en mármol y la manera
de tratar las telas es un poco más basto que Bernini.
Este artista tuvo
bastantes encontronazos con Bernini porque Inocencio X le contrató frente a
Bernini, y quiso demostrar su valía con esta obra que no deja de ser un poco
tosca.
DONNA OLIMPIA
MAILDACHINI – Alessandro algardi (1646)
Galería Doria-Pamphili –
Roma
Olimpia, la Papisa, era la cuñada de Inocencio X, en la imagen se
observa que es una mujer fuerte y de mucho carácter y que no tenía nada que ver
con los retratos de Bernini, esta imagen es verdadera pues los retratos de
pintura son iguales, siempre se cubría la cabeza con una especie de tocados
moda de la época terminados siempre en pico.
Era una mujer muy lista
e importante y que supo anular en cierta medida la voluntad de Inocencio X y
era un Papa con muchísimo carácter y voluntad.
