ARTE MODERNO - 06 – RAFAEL Y MIGUEL ÁNGEL - s-XV - guadahumi3
06 de Noviembre de 2018
RAFAEL SANZIO – VIDA Y OBRA
RAFAEL SANZIO (Nació
en Urbino 1483 – murió en Roma 1520)
Tanto Rafael, como Miguel Ángel y Leonardo fueron
contemporáneos teniendo relación con discrepancias y venganzas, ya que en
varias ocasiones.
Bramante con Rafael y Bramante con Miguel Ángel que era con
el que se llevaba mal como casi todo el mundo. A diferencia de Miguel Ángel murió
con 89 años y Leonardo que fueron octogenarios, y Rafael murió con 36 que al
ser tan joven no le dio tiempo hacer todo lo que quiso hacer, y además de
pintor era arquitecto como demostró en el proyecto de San Pedro de Roma y sobre
todo su vida se centró en la pintura y sobre todo sus obras más importantes
estarían en el Vaticano.
Rafael se llevaba muy bien con todo el mundo por tener muy
buen carácter y que murió soltero según las crónicas de la época tenía muchas
amantes y una de ellas fue la Fornarina y cuenta una leyenda que tras una noche
de amor desenfrenado Rafael murió.
La Fornarina - Rafael Sanzio
No se sabe a ciencia cierta porque razón murió Sanzio, si
de alguna enfermedad venérea, o enfermedades de la época.
Entrega de las llaves a San Pedro, Perugino - Capilla Sixtina
Pintura de Perugino, normalmente pintaba muchos árboles, y
Leonardo en la Anunciación estuvo
influenciado por los árboles de Perugino que era en teoría el maestro de Rafael
aunque es difícil con asegurar con que maestros trabajaban esos jóvenes
pintores.
En ese lienzo se encuentra una obra totalmente clasicista,
con una gran perspectiva, en la que el centro lo dominará un templo redondo,
con dos arcos del triunfo, siendo una obra renacentista al cien por cien, está
dividida claramente en tres grupos.
El primer grupo a la izquierda, el segundo grupo en el
centro donde está Jesús, y el tercer grupo a la derecha.
Jesús con el pelo largo, barba, influenciado por la
contrarreforma que comenzaría oficialmente en 1517 y que concuerda con las 95
tesis de Lutero y la respuesta con el Concilio de Trento, treinta años después.
Rafael entra al taller con 11 años ya muy mayor para la
costumbre de la época ya que lo normal era que los pintores empezaban antes,
teniendo en cuenta que en España entraban a la escuelas con siete años y a los
dieciséis ya se examinaban ara poder ser pintores independientes y formar su
propio taller o quedarse con el maestro. Rafael Sanzio se independizó
totalmente de Perugino.
- -Geometría
- -Claridad
- -Matemáticas
- -Ropaje convención
DESPOSORIOS DELA VIRGEN (1504) – Rafael Sanzio – Pinacoteca de Milán
La obra de Perugino de la entrega e las llaves es de
1480/81 y la obra del desposorio es de 1504, se observa claramente la
influencia en la perspectiva, el templo redondo, grupo y pintura
mucho más vertical que horizontal.
La obra Rafael la divide en tres grupos y el centro está
dominado por los desposorios de loa Virgen, pero sobre todo lo más interesante
es la perspectiva y la profundidad ya que dominan ese concepto de Perugino, sin
embargo, en la naturaleza domina más un enigma, una naturaleza enigmática
hablando de la influencia que tuvo Rafael en algunas ocasiones Leonardo.
Las características son del quattrocento como la geometría,
la claridad, las matemáticas y una convención en el ropaje que imitaba a los
personajes bíblicos con el concepto de Roma y Grecia, sin embargo, los
personajes que acompañan llevaban ropa de la época.
Las caras son dulces, ovaladas recordando a los rostros de
Leonardo, por lo tanto Rafael se movía en un entorno leonardesco en muchas ocasiones
hasta que descubrió lo que le gustaba que era hacer obras puramente clásicas y
que poco a poco fue conociendo según iba avanzando.
RETRATO MADDALENA
DOMI
Se observa una reinterpretación clara de la obra de
Leonardo la Gioconda, la pintura estaba en Florencia ya que Rafael viajaba
mucho a Urbino, Roma, etc. y en Florencia conoció a Leonardo y la pintura de
Miguel Ángel pero la relación con Buonarroti no era buena a pesar de que él era
una persona amable, y que hablaba con todo el mundo y no era conflictivo.
Las obras del Vaticano de Rafael tenían una cierta
influencia de Miguel Ángel y en el lado profesional Rafael conoció a sus
contemporáneos y cogió lo que más le interesaba de cada uno, como la dulzura,
el concepto pictórico de la mirada y el sfumato que venía directamente del
mundo de Leonardo da Vinci, nunca olvidaba a su maestro a través de los
árboles, pero en realidad el concepto es un enigma y esa obra no era como la
Gioconda porque por lo general en la Historia del Arte, solo se selección unas
pocas obras importantes, pero esta obra podría haber sido como la Gioconda,
pues la mirada, la boca, y el concepto de rostro guarda el mismo enigma que la
Gioconda de Leonado.
La Gioconda tiene el misterio de que Leonardo la llevó a
París no se sabía para qué ni para quien era, pero en la obra de Rafael se
sabía que era una noble florentina y no tiene el enigma que tiene la Gioconda
que no se sabe quién era.
A parte de esas características se puede observar un
concepto piramidal y que el busto ya está de frente muy distinto al
quattrocento en que el busto estaba e perfil teniendo la influencia de las
nuevas épocas y poco a poco los nobles irán mostrando su poder y quienes son a
través de joyas, pequeños objetos valiosos, y objetos en los que se incluye la
heráldica de la familia, dando el poder a la nobleza que iría cogiendo cada vez
más según iba llegando la contrarreforma.
VIRGEN DEL PRADO – Rafael (1505/1506)
La Madonna del prato en realidad es una Sagrada Familia,
una obra en al que se observa nuevamente a la Virgen, a Jesús, a Juanito, siendo
nuevamente un concepto leonardesco, tanto en la dulzura de las figuras, en la
pirámide y en el fondo enigmático del paisaje montañoso, sin embargo, Rafael al
ser un pintor mucho más clásico que Leonardo tenía el concepto de pasto, una
especie de prado, pradera y al fondo pintaría unas montañas que dominaban una
parte del cuadro, y los arbolitos todavía daban ciertas pinceladas de su
maestro.
Rafael era un pintor muy clásico que usaría coas de su
maestro y de Leonardo da Vinci.
En el lienzo los niños son muy distintos a los de Miguel
Ángel, pues son niños con carne de niños, gorditos, blancos, sin músculos y que
aparenta ser quien no es como ocurría con Miguel Ángel. La Virgen es una madre
con una edad acorde a su momento, y por lo tanto no la hace ni una niña ni una
mujer mayor. La perspectiva y la proporción la guarda al cien por cien, que no
lo haría Miguel Ángel.
MADDONNA GRANDUCA – Rafael (1504) Pitti-Florencia
Esta pintura es una de las más importantes de Florencia y
que Rafael en muchas ocasiones tomó el concepto de la dirección del rostro, y
en este caso no quiso poner un fondo al convenirle que se preste atención a la
Virgen y al Niño y sobre todo que la piel estuviera bien marcada, así como el
rostro, de modo que el énfasis lo puso en la cara del Niño, a la Virgen, y al
cuerpo en general, todo lo demás no importaba.
Rafael aparte de ser un pintor que marcaría un antes y un
después en el concepto mitológico clásico, también marcó un antes y un después
en lo que sería la pintura tenebrista. Rafael dio algunos pasos hacía el
tenebrismo colocándola luz hacia donde quería dar importancia y dejando en
penumbra todo lo que no se tenía que ver.
Rafael todavía seguía usando en los rostros cosas de
Leonardo, ya que nunca dejaría en el olvido a Leonardo desde que lo conoció en
Florencia, y el paradigma del clasicismo.
El Retrato de León X, de Rafael Sanzio (1978
Rafael también fue importante para entender el retrato del
Papa y gracias a él se tomarían modelos que se seguirían repitiendo a lo largo
de todo el s-XVI y s-s-XVII como por ejemplo en el retrato de León X con
ropaje de color rojo y blanco sentado en
una silla y ese sería el modelo que seguirían todos los pintores desde el
momento de Rafael.
Imagen que guarda una gran majestad, gran elegancia, muy
clásico y por lo tanto envía el mensaje que quería, el Papa como personaje
importante de la contrarreforma y padre
de la Iglesia, y por lo tanto daba el mensaje de que se tenía que respetar a
través de los retrasos.
En 1508 iría a Roma
y era un año muy importante porque fue el año en que Miguel Ángel empezó a
pintar la Capilla Sixtina teniendo una discusión con Rafael.
SALA DE LA SIGNATURA – Vaticano
Julio II encargaría que hiciese las salas del Vaticano
formada por la Biblioteca Privada, el Tribunal Pontificio y que actualmente
forman parte de los Museos Vaticanos, teniendo en cuenta que lo que había en la
Capilla Sixtina que era un cuarto independiente, junto con las salas del
Vaticano se ha hecho único museo, pero en su momento formaba parte del
Vaticano, pero separado de las demás estancias.
Las salas donde se hacían los tribunales pontificios y
además las otras salas eran usadas de bibliotecas del Papa Julio II.
El Papa encarga a Rafael que decore las distintas estancias
con diferentes alegorías, la alegoría de la justicia, la religión, la
mitología, la poesía, etc. y con todo eso creo un programa iconográfico que no
solo lo haría Rafael, porque al contrario que ocurría con Leonardo y Miguel
Ángel, él sí tenía alumnos y les daba trabajo y el problema es que muchos de
sus alumnos terminaban la mayoría de sus obras, él hacía los bocetos y los
alumnos lo implementaban, de ahí que se sepa al cien por cien que algunas obras
de Miguel Ángel y Rafael como la Escuela de Atenas son de él, el Parnaso
probablemente, el Sagrado Sacramento, también, pero la mayoría de ellas están
retocadas pro sus alumnos.
Alegorías de la teología, filosofía, poesía,
Jurisprudencia, etc. que el Papa quería que se asociaran con la religión y el
triunfo de la Eucaristía era el momento más importante al estar la religión en
un momento muy delicado en 1508 pues en 1517 fueron las 95 tesis de Lutero.
La filosofía entendida desde el punto de vista platónico y
aristotélico por eso aparece en la pintura de la Escuela de Atenas uno
señalando al cielo y el otro señalando a la tierra.
La poesía podía servir para transmitir en muchas ocasiones
en mensaje que podía ser teológico o de belleza.
La jurisprudencia era porque la Iglesia al fin y al cabo
daba respuesta tanto a los problemas terrenales como espirituales, por lo tanto
era mensaje contrarreformista adornado de clasicismo.
La Disputa del Sacramento (Estancia del sello) - Rafael
Hay un elemento muy importante pues todo gira a su
alrededor y que lo haría muy bien tiempo después Doménikos Theotokópoulos “El
Greco” pues jugaría con ese concepto después de viajar a Italia y conocería
perfectamente esas pinturas. En la pintura se ve un rompimiento, una división
marcada entre la tierra y el cielo y eso influiría mucho de el Greco y que
repetiría en el Entierro del Conde de Orgaz y en otras muchas de sus pinturas.
Esta pintura es un mensaje de la Iglesia triunfante con sus
santos, sus profetas, sus reyes, diciendo a todos aquellos que empezaban a
criticar poco a poco que porque había tantos santos, reliquias, etc. y el
mensaje del cuadro era que todas esas cosas eran necesarias en la Iglesia y si
se beatifican nuevos santos era porque había necesidad para un pueblo, etc.
Por ejemplo, San Isidro y Santa María de la Cabeza fue una
reclamación de fervor popular, la gente quería que fueran santos de Madrid.
El mundo celestial es un mundo totalmente ordenado, todos
están sentados y organizados, la Trinidad, los santos, etc., pero en la tierra
hay diferentes posiciones, más caos, y cuando se representa el infierno es más
caótico aún, como ocurre con la pintura del Juicio Final, de Miguel Ángel.
En este pintura hay personas bastante conocidas como Fra
Angelico, Savonarola, a al izda. está Bramante en la balustrada con un libro en
la mano, y aparece en la pintura por ser un gran amigo de Rafael y muy mal
amigo de Miguel Ángel que sospechaba que había habido una conjura contra su
persona fraguada por Rafael y Bramante, ya que Miguel Ángel había sido
propuesto por Julio II para hacer esas estancias, pero dijo que lo encargaran a
Rafael.
ESCUELA DE ATENAS (estancia del sello) – Rafael
Era una escuela muy curiosa por ser una pintura clásica
junto con el Parnaso, en la que apareen distintas actitudes, diferentes
disposiciones en las escaleras, con
perspectiva, volviendo a marcar el clasicismo a través de la arquitectura
clásica quattrocentista, y lo más importante de la pintura es la proporción que
hizo igual que hizo con el Santísimo Sacramento y la sensación de unidad incluso con esas diferentes actitudes que
tienen cada uno de los personajes.
En esta obra también aparecen distintas personalidades,
pero lo más importante sería la perspectiva con Platón de donde parte el punto
de fuga y ese punto está apuntando al libro de Aristóteles, estos detalles
marcan claramente que Rafael conocía la
filosofía aristotélica y platónica, aunque en esa época sobre todo dominaba la
platónica porque la aristotélica había sido una filosofía en boga en la época
medieval y lo que dominada en el renacimiento lo que tenía importancia era el
concepto del alma incluida en el cuerpo.
En la obra aparece Heráclito y Platón, y se rumoreaba que
Platón podía ser Leonardo y que Heráclito podía ser Miguel Ángel, y Apeles que
era Rafael colocándose como el gran pintor de la época antigua que fue el que
realizó la ora de la Calumnia de Alejandro Magno de Apeles, nominándose como el
mejor pintor de la edad antigua, el paradigma de la pintura clásica.
EL PARNASO – RAFAEL (Estancia del Sello)
Del Parnaso se dice que intervino Rafael y sus discípulos
siendo una alegoría de la poesía con el monte Parnaso, con el mensaje de que
hay que vivir lo que se tenga que vivir ahora “carpe diem” porque en el futuro
está la muerte, siendo el concepto de la vida que se va, como hizo Garcilaso de
la Vega, obra de concepto clásico.
Virtudes Teologales y la Ley – Rafael (Estancia del Sello,
Vaticano, 1511)
- -Verdad
- -Bien
- -Belleza
- -Evolución
- -Retratos más sofisticados
De la jurisprudencia se dice que es obra de sus alumnos
porque no se nota la mano de Rafael, pues las figuras son mucho más toscas que
las figuras de la Escuela de Atenas y en el Sacramento.
Rafael no pintaba tato como Miguel Ángelo que era él solo
el que hacía todo, siendo uno de los grandes fallos de Rafael.
BINDO ALTOVITI – (1515) Rafael - Galería de Washington
Usaba los conceptos de verdad, bien, belleza, evolución, retratos
más sofisticados en sus obras, cuando tenía que hacer pinturas, no grandes
frescos como las anteriores, pintadas por él solo al ser encargos, se nota una
gran calidad como ocurre con Altoviti que era un retratado muy interesante
porque se marca la luz en el rostro y todo lo que hay detrás del rostro no
interesa, dando comienzo al tenebrismo. Hacía retratos elegantes, sofisticados,
pero seguía haciendo representaciones de la Virgen.
MADONNA SIXTINA (1514) – Rafael
- -Retratos sofisticados
- -Madonna, grupos, espiral, color veneciano
- -Mirada directa al espectador
- -Niño grande
- -Rostro delicado y bello
- -Se decía que los últimos años fue fiel al clasicismo
La Madonna es una de las grandes representaciones sobre
todo por los angelitos muy reproducidos, encontrado sofisticación, belleza con
un movimiento contenido, con una mirada directa al espectador.
Rafael estaba cambiando con una evolución de su pintura
sobre todo en las formas, el niño es grande, está rota la proporción, porque
Rafael en 1514 estaba dando vueltas al nuevo concepto del manierismo, por lo
que cambió la proporción haciendo los niños y las madonas más grandes, esbeltas
con un concepto de grandiosidad que Miguel Ángel llevaba haciendo desde el
principio.
Rafael iba a variar de un concepto leonardesco a
miguelangelesco a medida que iba avanzando en su vida, sin embargo, los rostros
sobre todo como el de la Virgen son muy delicados, muy elegantes como ocurría
con Leonardo.
LA TRANSFIGURACIÓN DE CRISTO (1520) – Rafael – Museos Vaticanos
Esta es una de sus últimas obras, pero se piensa que el
hizo solo la parte superior, la elevación de Cristo a los cielos, y que al no
poder terminar la obra, la acabaron sus discípulos, entre ellos Romano.
La parte inferior que supuestamente acabaron sus alumnos,
se puede observar que es una parte en la que ya domina el concepto de
manierismo.
En la figura de la mujer de rosa parece una figura de
Miguel Ángel lo mismo que ocurre con el niño, los sentimientos ya se expresan y
por lo tanto es una pintura manierista al cien por cien.
Julio Romano que era su discípulo, también tomaba clases con
Miguel Ángel, en esta noción se observa una parte mucho más elegante en la
parte superior que en la parte inferior que se observa mucho más tosca, y
manierista en la parte baja.
Rafael seguiría pintando durante algún tiempo más, pero moriría
en 1520 habiendo vivido una vida muy corta, pues podría haber pintado mucho más
y con su evolución habría sido un Rafael mucho más distinto alejado del mundo
clásico.
Los colores de la parte inferior son mucho más metálicos e
irreales con unas formas mucho más bruscas, con movimiento mucho más fuertes
siendo el concepto de manierismo que aparece directamente desde la figura de
Miguel Ángel.
MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI - VIDA Y OBRA
MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI – (1475 – 1564)
Michelangelo Buonarroti
nació en Caprese el 6 de marzo de 1475, muriendo en Roma el 18 de
febrero de 1564 en Italia, arquitecto, escultor y pintor renacentista,
considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus
esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.
Desarrolló su obra artística a lo largo de más de setenta
años entre Florencia y Roma, donde
vivían sus grandes mecenas, la familia Médici de Florencia y los diferentes
papas romanos como Julio II.
Triunfó en todas las artes en las que trabajó,
caracterizándose por su perfeccionismo sobre en
la escultura disciplina predilecta siendo la primera a la que se dedicó,
posteriormente haría pintura como una imposición por parte del papa Julio II,
creando una obra excepcional con la magnífica bóveda de la Capilla Sixtina. En
sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.
Se quedó ciego por los pigmentos que le caían a los ojos
durante la creación de la capilla y a la cantidad tan ingente de horas que
dedicó para que no se secara la pintura.
Miguel Ángel no se consideraba pintor y con esa idea creó
la Capilla Sixtina.
El manierismo podía ser de diferentes maneras, uno
elegante, con proporciones un poco más grandes y gigantescas como el de Miguel
Ángel que es un manierismo duro escultórico. Dominado por los escorzos, colores
brillantes, expresiones, y sobre todo la irrealidad de las formas.
La Sagrada Familia o Tondo Doni de Miguel Ángel (1503/4)
Disposición
· Escorzo
· Colores
brillantes
· Anatomía
Expresión
· Matemática
En la Galería de los Uffizi se encuentra una obra que no se puede encasillar en ningún
lugar por ser una obra al ser muy extraña, se trata de un tondo, es una pintura
redonda y los todos generalmente se solían poner en las pechinas de las cúpulas
de las iglesias, pero los tondos era muy difícil encontrarlos en pintura, pero
a Miguel Ángel como no le gustaba tanto pintar al menos hizo un soporte
diferente, posibilitando a Miguel Ángel realizar disposiciones y composiciones
diferentes a otros artistas.
En esta obra se observa el modo de trabajar de Buonarroti
como mujeres musculosas, niños musculosos y hombres musculosos, lo primero que
se ve en la obra es a María que no tiene aspecto de Virgen y que está sentada
de una manera muy rara, Jesusito es un niño que parece que va al gimnasio
siendo muy exagerada la musculatura, con unos rizos que dan mucho más dinamismo
a la composición, acompañado de un tímido San José que ya por esas fechas se le
estaba reclamando porque la contrarreforma pensaba que había que dar el mismo
protagonismo al padre putativo que cuidaba de Jesús y por lo tanto formaba
parte de su historia.
Los mantos parecen metálicos y el fondo con figuras que se
sabe si son figuras bíblicas, clásicas, ángeles, gigantes, y a la derecha está
un fauno muy parecido al de Bottichelli que coloca en Marte y Venus.
Miguel Ángel que ya se había sobrepasado con la escultura
con la pintura podía meter muchos más elementos.
Esta pintura llamó mucho la atención de manera negativa,
siendo una pintura que chocó mucho en la época sobre todo por la disposición al
ser muy abigarrada, incomprensible al no dar un mensaje claro, la figura de la
Virgen no era decorosa y el artista lo sabía, pero le gustaba llamar la
atención y provocar.
Él al ser escultor era muy rudo con la pintura y usaba
mucho al grisalla, imitación de mármol en la pintura, posibilitando mucho hacer
arquitectura pintada.
LA BATALLA DE CASCINA
(1505/6) – copia del dibujo de Miguel Ángel
· Cuerpo
Humano
· Estudio
anatómico
· Estudio
Movimiento
· Musculatura
muy marcada
El problema de Miguel Ángel es que le fascinaba pintar
desnudos, y una cosa era que la Iglesia aceptara colocar desnudos en un momento
determinado y otra es que se pintaran demasiados desnudos que fue lo que
ocurrió con la Capilla Sixtina, pero a él no le importaba como se observa en esta
copia de ese boceto que hizo para la Batalla de Cascina que era para el Palacio
de la Señoría de Florencia, no es una pintura de Miguel Ángel.
En esta noción se observa como daba mucha importancia a los
desnudos, pero eran desnudos que a veces eran grupos de personas sin ninguna
conexión pero con dinamismo, movimiento, expresión, y sobre todo lo que Miguel
Ángel quería mostrar era hacer ver que él conocía muy bien la escultura
clásica, el movimiento, y que podía hacer lo que quisiera, en esta obra se
observa que son Laocontes en diferentes posiciones amontonados, ya que esa obra
le influyó muchísimo desde que se descubrió en 1506 y desde entonces hacía ese
tipo de pinturas que era el desnudo por el desnudo. Miguel Ángel no gustó a los
comitentes.
Creaba obras con una musculatura excesivamente marcada ya
que para él lo más importante era tener modelos muy jóvenes en su arquitectura
y en pintura los plasmó.
Capilla Sixtina – 1508 – Miguel Ángel
En 1508 Julio II le pidió que decorase una de las salas más
importantes del Vaticano que era la sala donde se hacían los conclaves con la
fumata bianca y nera, siendo una sala muy interesante al tener que convertirse
en la imagen del cristianismo, la base de ese nuevo espíritu europeo que debía
tener la Iglesia.
Esa sala ya existía anteriormente ideada por Sixto IV que
fue un Papa muy importante que mandó pintar toda la parte inferior de la
galería y entre otros artistas pinto Perugino, Bottichelli con su Moisés y
otros muchos pintores.
Julio II le encargo la bóveda a Miguel Ángel y por una
parte tenía que pintar la bóveda y por otra parte la pared, haría la bóveda y
la pared.
PARED SALA CAPILLA SIXTINA - Miguel Ángel
Esta parte del juicio final la haría con otro Papa.
Como de costumbre a Miguel Ángel le mandaban varios
encargos simultáneos, y él siempre hacía lo mismo y recomendaba a Rafael.
Miguel Ángel solía ver conspiraciones en absolutamente en
todo lo que hacía, pensó que Rafael y Bramante habían convencido a Julio II
para que encomendara ese trabajo quitándole del sepulcro para que fracasara y
Miguel Ángel tuviera que decir que no podía con ese encargo y no lo iba hacer,
pero fue lo contrario.
Y ese trabajo fue el que je dio la fama mundial a Miguel
Ángel.
Dentro del concepto de la capilla Sixtina hay muchas
leyendas llevándose al cine en una película basada en la relación entre el
pintor y Julio II, algunas historias podrían ser verdad estando basadas en la
vida de Vasari.
Miguel Ángel estaría unos cuatro años hasta 1512 solo
trabajando para la capilla Sixtina y que Julio II no tenía acceso, sin embargo
en alguna ocasión pasaba de incógnito para mirar, y una vez se encontró con
Miguel Ángel trabajando que ya lo sospechaba, teniendo una discusión con el
Papa según Vasari.
La Capilla Sixtina y las estancias vaticanas son paralelas
en el tiempo y Miguel Ángel y Rafael trabajaban muy cerca por lo que se
tendrían que ver, y se cuenta que había influencia en Rafael de algunas figuras
de Miguel Ángel porque Bramante que era arquitecto del Papa tenía acceso a
todas las estancias y mostraba a Rafael lo que estaba haciendo Miguel Ángel.
A Miguel Ángel como le estaba quedando una obra muy bonita,
en 1511 a medio terminar la bóveda permitió ver su obra a algunas personas
privilegiadas que aplaudieron la obra por lo que Miguel Ángel muy animado terminó
en 1512 cuando se inauguró oficialmente la bóveda, que anteriormente solo era
un cielo pintado con estrellas imitando al universo según el gusto
renacentista.
Bóveda Capilla Sixtina – Miguel Ángelo eligió el programa
iconográfico
TÉCNICA DEL FRESCO
- Colores brillantes
- Colotes intensos
- Colores vivos
- Programa iconográfico
- Humanístico y religioso
El Papa en principio no quería que hiciera lo Miguel Ángel
hizo que hizo un programa iconográfico
que le apetecía, el Papa en principio quería que pintara solo figuras
religiosas, personajes bíblicos, pero a Miguel Ángel le pareció muy aburrido, y
Miguel Ángel hizo lo que quiso tardando cuatro años, teniendo en cuenta que era
pintura al fresco, y que como la obra era gran grande tardaba mucho, tuvo que
retocar obra el principio porque se secaba y descorchaba y tuvo que volver a
pintar.
Hubo muchas historias sobre los andamios de Miguel Ángel,
pues al principio se cree que se dijo a Bramante que fuera el que diseñara el
andamio, pero Miguel Ángel dijo que la manera más correcta era que se colgara
del techo y al final fue el propio Miguel Ángel quien diseño el andamio, pues
si se colgaba del techo se iba a destrozar y al contrario de lo que se piensa
que pintaba tumbado se cree que pintó de pie aunque no tuvo nada que ver que se
dañara los ojos con los pigmentos.
Miguel Ángel en los últimos años de su vida tuvo muchos
problemas con la vista y además también podía aparecer una enfermedad en los
huesos como le pasó a Caravaggio cuando murió.
Miguel Ángel durante esos cuatro años estuvo pintando la
capilla Sixtina se estuvo quejando continuamente del porque había aceptado
pintarla que era una pesadilla que no se acababa nunca.
Usó la técnica del fresco
en la que tuvo que usar varias capas de yeso, que se iban secando, por
lo cual tenía que trabajar turnos de 8
horas para evitar que se secara, pero se cree que trabajaba mucho más porque
tenía muchas ganas de acabar con la capilla Sixtina.
El programa iconográfico era de concepto humanístico con
figuras del antiguo Testamento mezclado con sibilas, genios y desnudos que no
ofendían hasta que lo hicieron porque sí era un soporte para entender ciertos
acontecimientos de ambos ámbitos no importaba el desnudo, pero pintar un
desnudo por el desnudo eso era impensable.
Sobre todo, la pintura habla de la vida de Adán y Eva, la
Creación y Destrucción.
Miguel Ángel elige a Adán y Eva porque se estaban poniendo
de moda con el concepto que iba surgiendo de la contrarreforma y se tenía que
dar a conocer cual era el origen de todo y cual era el resultado de los
pecados, siendo un mensaje parecido a lo ocurrido en la Edad Media, era un
mensaje para los que no sabían leer y lo podían aprender a través de actos
religiosos o la iconografía.
La obra la dividió en diferentes trozos, la cúpula zona
central que se divide en diferentes escenas, siendo unas más famosas que otras.
LA CREACIÓN DE ADÁN
Es sin duda la más importante.
Cuando se ve la Capilla Sixtina se ven colores brillantes,
colores irreales, que corresponden al manierismo ya que son colores metálicos,
porque Miguel Ángel quería que a través de la pintura se fuera escultura ya que
él era escultor, por lo tanto, hay un concepto duro, metálico que es lo que
trasmite la escultura.
La creación de Adán es una de las grandes escenas recordando
mucho al David de Florencia con el concepto de belleza, fuerza, juventud, pues
Miguel Ángel siempre fue el mismo.
En la obra no hay perspectiva porque era algo atemporal,
algo que forma parte de un tiempo que no interesa saber, y los paisajes tampoco
iban a interesar y lo que Miguel Ángel quería hacer era que desde la cúpula se
pudiera ver la perspectiva, como sí el cielo estuviera abierto, siguiendo con
el concepto de engaño de la arquitectura.
CREACIÓN DE EVA
En la creación de Eva se observa que Miguel Ángel dio menos
protagonismo al denudo central y más importancia a las ignudi, figuras masculinas
que se colocan a los lados presidiendo las escenas y que parecen que se van a
caer de la cúpula, siendo lo que pretendía un efecto sorpresa, personajes que
se caen.
Miguel Ángel quería que se viera la cúpula como una mezcla
de pintura escultura y arquitectura, por eso trabaja tan bien la grisalla, el
concepto de mármol, arquitectura totalmente fingida.
Caída del Hombre, pecado original y expulsión del Paraíso
Se observa claramente como Miguel Ángel conoce la pintura
de Masaccio en Florencia del quatroccento, pero sobre todo son escenas en las
que dio importancia al cuerpo humano que es lo que le interesa.
EL DILUVIO UNIVERSAL
Es una de las pocas escenas donde pintó más personajes,
como se puede observar lo que más le interesaba a Miguel Ángel era el desnudo.
La pintura de Miguel Ángel además de obras maestras son un
culto al cuerpo, de culto al desnudo, siendo muy repetitivo en la arquitectura,
pintura y arquitectura, salvo el concepto de evolución a través de la
proporción y la ruptura clásica.
LA BARCA
En la barca usará nuevamente el concepto como el del juicio
final, siendo más interesante y potente.
DIVISIÓN DE LA CAPILLA SIXTINA
En la parte central está ja Historia del Génesis, el
proceso neoplatónico de la Ascensión del Alma, teniendo en cuenta que el
concepto del alma siempre estará en Miguel Ángel como en su escultura que el
alma estaba presa dentro de los bloques de mármol y él lo único que hacía era
sacarla y liberarla y en la pintura seguía con esa misma idea.
SIBILA CUMANA Y PROFETA ZACARÍAS
Profetas del Antiguo Testamento y Sibilas con un mensaje
claro anunciando la llegada del Mesías dando un mensaje de esperanza.
LOS LUNETOS
En los lunetos y enjutas representó a los Antepasados de
Cristo, precursores de su venida y, por ello, de la Redención. Están enumerados
al comienzo del Evangelio de Mateos (Mateos 1,1-17).
LAS PECHINAS
- Diferentes actitudes
- Reciben inspiración divina
Representan la salvación de Israel, en las pechinas, con
las cuatro historias clave de la Salvación del pueblo de Dios.
LAS BOVEDILLAS
En estas pinturas se da un concepto claro del mundo
religioso. Baticina la redención de Cristo con los profetas del antiguo testamento.
PROFETA ZACARIAS
PROFETA DANIEL
SIBILA CUMANA
SIBILA LIBICA
Al observar las figuras se ve monumento, figuras
gigantescas, grandeza, potencia, desproporción muy medida, figuras monumentales
porque Miguel Ángel quiere demostrar potencia y la fuerza interior de las
figuras a través de la monumentalidad y para él son iguales, las mujeres, los
hombres, los niños, con la obsesión por el músculo y el cuerpo humano joven y
la masculinidad y que han dado lugar a la homosexualidad de Miguel Ángel además
de sus cartas a amantes masculinos.
SIBILA DELPHICA
En esta figura se ve el concepto de músculos, así como en
los angelitos, su pintura es culto al cuerpo humano.
DIOS
Se observa claramente la monumentalidad de las figuras,
dinámicas.
APOLO
Hay que tener en cuenta que a pesar de ser figuras
titánicas dará siempre una gran prioridad a la anatomía ya que era un gran
conocedor de los músculos.
ARQUITECTURA FINGIDA
A partir de la capilla Sixtina habría un movimiento que
sería el movimiento de la arquitectura fingida, siendo una arquitectura que se
encuentra en los Carracci, en Madrid en la gran iglesia de los San Antonio de
los Alemanes conocida como la Capilla Sixtina madrileña y que es un edificio
totalmente decorado con pinturas dando sensación de perspectiva que se sale del
propio edificio, todo esto empezaría con Miguel Ángel.
Miguel Ángel decoraría absolutamente todo con trampantojos
y a medida que va pasando el tiempo como se verá con los Carracci que hicieron
los cuadros transportados, la imitación de un lienzo en un fresco, dando la
sensación que se ha colocado un cuadro en el fresco, quedando muy bonito en la
capilla.
SACRIFICIO DE NOÉ
Hay pocas referencias al paisaje ya que lo que importa es
el cuerpo humano, el mensaje de Adán y Eva.
Toda la obra la realizó Miguel Ángel, no le ayudó nadie por
lo que tardó tanto tiempo, haciendo infinidad de figuras.
CENSURA
Años después en torno a 1535/41 ya con Lutero cuestionando
el catolicismo y muy cerca del Concilio de Trento pinta el Juicio Final, por
encargo de Pablo III, y lo hace para el altar, entre 1512 que se inaugura la
Capilla Sixtina y hasta 1535 hubo muchas críticas al desnudo de Miguel Ángel y
trataron de tapar las figuras.
Taparon las figuras con una bragueta u objetos para evitar
la tentación y mucho más en un lugar sagrado.
EL JUICIO FINAL
Hubo un personaje llamado Biagio De Cesana dentro del seno
papal que se enfrentó a Miguel Ángel para que cubriese los desnudos indecorosos,
y en esas conversaciones hace una obra en la representa el juicio final y en
ese juicio final dividió claramente en dos partes, el ámbito terrenal y el
ámbito celestial y presidido por un Jesús-Apolo sin barba, joven, musculado,
pelo largo y que no tenía nada que ver con el Jesús tradicional, por lo tanto,
es un guiño al mundo clásico apareciendo distintas figuras entre la que destaca
San Pedro con la llave y que tampoco en el tradicional.
Miguel Ángel tenía un problema importante porque estaba
haciendo esta pintura para el seno de la Iglesia y en mismo origen y con dio
con Pablo III que le permitió hacer lo que quería y fue un gran mecenas y que
le gustaba mucho el mundo clásico no viendo nada ofensivo y molesto, pero otros
sí lo vieron.
Miguel Ángel se pintó a sí mismo como un pellejo porque ya
estaba mayor por su obsesión con la belleza y el cuerpo humano.
Los personajes que no están arriba están abajo y como
estaba enfadado con Biagio De Cesana le pintó abajo, ya que le había criticado
tanto y no solo le pinta desnudo sí no que
además le puso orejas de burro y una serpiente que le muerde los
genitales, y al ver la pintura se fue a quejar a Pablo III contestándole que sí
le hubiera pintado en el cielo o en el purgatorio el poder de Papa lo hubiera
arreglado, pero al tratarse de una pintura del infierno ya no tenía poder, y
por esa razón Miguel Ángel no lo cambió.
Años después con otros Papas taparon las figuras
encargando a un pintor de mote el
Braguetone, y en posteriores reformas las volvieron a dejar como eran en
origen.
Miguel Ángel dio lugar a una serie de pinturas
hipermanieristas.
SALA DE LOS GIGANTES
Capilla Sixtina – Miguel Ángel
Giulio Romanos discípulo de Rafael, con una influencia
clara de la Capilla Sixtina, con arcos monumentales, figuras gigantescas, donde
la proporción es enorme.
LA VISITACIÓN - Pontormo
Jacopo Carrucci (Pontormo, cerca de Empoli, 24 de mayo de 1494-Florencia,
2 de enero de 1557), fue otro de los grandes manieristas, siendo conocido
por los colores brillantes y ácidos, irreales. Son figuras enigmáticas por ese
color, aunque el tema es conocido.
LA MADONNA DEL CUELLO LARGO - Parmigianinio – Uffizi –
1534/35
En esta obra se observa una figura detrás de un hombre que
no se sabe que hace ahí, el cuello de la Virgen es demasiado largo, el niño es
muy grande, y sentado que parece que se va a caer, formando pare del concepto
de manierismo donde la desproporción de las figuras no son reales, donde
apareen objetos que no vienen al caso, solo están para que las pinturas sean diferentes a lo que se había hecho hasta entonces, los
niños parecen personas mayores no por los músculos sino por las piernas y
brazos que son más grandes que las madres, las madres enormes, el vientre es
extraño y todo esas características forman el manierismo. Miguel Ángel dio
lugar a todo eso.
ALEGORÍA TRIUNFO DE
VENUS
Bronzino era un pintor manierista del amor y de la
alegoría, usando colores irreales.
Las pinturas manieristas no encajan ni el clasicismo ni en
el barroco.
