martes, 27 de noviembre de 2018

BARROCO – HISTORIA DEL ARTE–10 PINTURA BARROCA EN ITALIA : LOS CARRACCI - CARAVAGGIO Y OTROS - GUADAHUMI3


10 BARROCO – HISTORIA DEL ARTE –  PINTURA BARROCA EN ITALIA 

LOS CARRACCI - CARAVAGGIO Y OTROS -  GUADAHUMI3


20 de noviembre 2018
27 de noviembre 2018


Hubo dos grandes movimientos italianos muy importantes pues fueron claves para entender la pintura española, sobre todo el movimiento tenebrista de Caravaggiom, muchas veces se dijo que el caravagismo había llegado a España pero con el filtro de Ribera el Españoleto, por lo que es un caravagismo un poco distinto. Velázquez es tenebrista  con el concepto de la luz.


 CARACTERÍSTICAS:

1.CANSANCIO DE LOS MODELOS MANIERISTAS

En la pintura hay unas características que intentarían romper con el manierismo cien por cien y a partir de 1580, los artistas decidieron terminar con esas formas que disvirtuaban la pintura, disvirtuando las formas al hacerlas totalmente desiquilibradas como la de Parmigianino.

MADONNA E CUELLO LARGO de Mazzola Parmigianino




En esta pintura básicamente no se respetaba nada de lo que se había hecho anteriormente, el manierismo fue un movimiento que se olvidaría, pero teniendo en cuenta que los artistas partieron desde ese movimiento como muchos de ellos, el caso de Caravaggio iba a tener una formación previa y breve desde el punto de vista manierista.

El cansancio del mundo manierista hizo hacer pinturas que estuvieran en consonancia con el concepto postridentino, Concilio de Trento, la contrarreforma.

2.JUNTOS IMAGEN Y LENGUAJE

HUIDA A EGIPTO – Annibale-Carracci -  Doria-Pamphili






El lenguaje tenía que ser un lenguaje que impacte y entienda en espectador, esta noción de la Huida a Egipto es sencilla y recoge a la Sagrada Familia cuando se van para Egipto en su borriquito.


En el caso de Annibal Carracci y la familia van a partir de la realidad pero dando un toque clasicista que no daría Caravaggio.

Tenía que ser un lenguaje directo que daría mucho que hablar en Roma, porque había artistas como era el caso de Remi que era un mensaje muy directo, y otros casos como los artistas caravagistas que tomaban parte del mundo de Caravaggio pero un poco dulcificado.


Crucifixión de San Pedro - Guido Reni



Caravaggio sin embargo,  hacía lo que quería sin importarle lo que la gente decía, porque el hacia sus pinturas y si eran aceptadas bien y si no lo eran hacía otra versión.

De Caravaggio se han perdido muchísimas obras, probablemente hiciera una gran producción, sus obran tenían que ser conmovedoras, efectivas,  llamar la atención y sí de vez en cuando pintaba algo más cruel no pasaba nada, pero no se podía poner imágenes demasiado cruentas porque el fiel se asustaba.



Orazio Borgianini – David y Goliat (1607) Real Academia de San Fernando



Orazio Borgiani fue heredero de la pintura caravagista, pero no tenía nada que ver con Caravaggio.


El concepto cambia cuando muere Caravaggio en 1610 muere también su pintura, el tenía una serie de personas que siguieron su estela pero según pasa el tiempo su pintura desaparece.

3.Predomina el color sobre el dibujo.

Predomina el color sobre el dibujo, mientras que en el clasicismo renacentista predominaba el dibujo sobre el color, por lo que se encuentran pinturas en las que domina el color.


DIÓGENES - Benedetto Castiglione (Museo del Prado)



En esta obra de Castiglione se observa como el color dio dinamismo y un efecto mucho más teatral y en este caso las imágenes que se suelen usar son religiosas, mitológicas y los retratos.


4.DINAMISMO, IMPACTO Y MOVIMIENTO

Las pinturas tenían que tener dinamismo, pues para clasicismo ya tenían las pinturas de Rafael, Massaccio o Botticchelli, y por lo tanto la historia iba a a cambiar, pues la sociedad ya había cambiado y el concepto de pensamiento también, por lo tanto una pintura tenía que ser impactante y el impacto iba unido lógicamente al movimiento.

TRIUNFO DE LA DIVINA SABIDURÍA - Andrea Sacchi (1629-1633)

Palazzo Barberini






Con esas características se pintaron imágenes como esta, aunque esta no era la más dinámica, estas imágenes recuerdan al barroco decorativo de las grandes iglesias, grandes cúpulas, y bóvedas que iniciaron con Miguel Ángel pero que se verían influenciados los Carracci.


Como se puede observar les gustaba mucho el tema de las alegorías, entre ellas el amor de Dios, de la luna, el sol, los grandes carruajes de los dioses, las victorias, porque eran mensajes efectivos, muy grandielocuentes, mensajes que gustaban sobre todo a le élite, pues un campesino no podía pedir ningún tipo de imágenes ni como estas ni más sencillas.

5.CONTRASTE LUMINOSO

La Historia el Arte era la historia de la élite y eso se reflejaba en la pintura, esa una tendencia, el estudio de la historiografía y no tanto de la sociedad aunque es a través de ella como se conocen muchas cosas de la historia del arte.



EL SUEÑO DE NARCISO - POUSSIN - EL Louvre



La imagen tiene que ser luminosa, fuerte, impactante y Poussin mostró color, luz, temas claros, pues si el artista no es tenebrista tendía al color y a la luminosidad, pero si se era caravagista no, pues el concepto efectivo se hacía desde otro punto de vista.


6.TEMAS

RELIGIOSOS

SAN JUAN BAUTISTA REPRENDE A HERODES – Matia  Pretti  (1660) Museo Bellas 
Artes de Sevilla






Los temas eran temas religiosos ya que era primordial y en Italia la religión primaba mucho, pero no era tan importante como en España que predominaba en un noventa por ciento de la pintura que había era religiosa.


MITOLÓGICOS


EL TOCADOR DE VENUS – Francesco Albani (1945-1940) – Museo del Prado 




Sin embargo,  en Italia también se hacían pinturas mitológicas, pues los italianos eran personas que en su mundo tenían muy presente el mundo romano pues ellos se consideraban sus herederos, tanto es así que entre romano, gótico y renacimiento no hubo una gran ruptura en la arquitectura, y como herederos generalmente hacían ese tipo de pinturas mitológicas las veían muy normal.


En España solo se veían normal en ciertos momentos, pero en otros sectores no la veían normal al tener una inquisición muy potente y enquistada que a la mínima saltaba con aquellos que pensaban que debían hacerlo, no lo hacían con aquellos que seguían sus normas, pero si tenían dinero como Olivares, Lerma, Felipe IV, conde de Madrid etc. que se saltaban las normas habían podían se sido objeto de grandes autos de fe, pero a ellos no les pasaba nada, a pobres por menos se lo hubieran hecho y terminado de una manera bastante distinta.

RETRATOS


INOCENCIO X (1650) - Diego Velézquez - Galería Doria Pamphili – Roma





Uno de los retrato más importante de la Historia del Arte italiano es el de Inocencio X, realizado por Velázquez que era un artista español pero que parte de su producción también está en Italia, porque la hizo allí, por lo que en ocasiones a Velázquez le consideran un poco italiano, sobre todo por este tipo de obras.

Velázquez estuvo en Italia varias veces una desde 1629 hasta 1631 que fue un momento importante por el bautizo de Baltasar Carlos, también estuvo en la  década de los 40 a los 50 y en esa primera parte de la década Velázquez fue como alumno y becado por la monarquía hispánica para que estudiara, observara, en la segunda vez fue como comitente de Obras de Arte le pagaron para que fuera a captar obras y artistas, a  lo largo de esos veinte años Velázquez se convirtió en pintor.


BODEGONES

LA COCINERA  (1620) – Bernardo Strozzi -Pl. Rosso – Génova


Bernardo Strozzi fue discípulo de Murillo.

En el mundo del bodegón se encuentran muchos autores y se daría por toda Europa y en España mucho y muy buenos bodegones como los de Zurbarán al que llamaban “el divino”  por esos bodegones con concepto místico.

MUJERES PINTORAS


BODEGÓN DE CLARA PETTERS


Clara Peeters nació en Amberes en 1594 muriendo en la Haya en 1657​ fue una pintora flamenca considerada una de las iniciadoras del bodegón o naturaleza muerta en los Países Bajos.

Una de las grandes pintoras olvidadas y puesta en valor fue Clara Peeters, que hace poco se la puso en valor en una exposición en el Museo del Prado, fue una mujer que trabajó para Felipe II.

Por ser un mundo machista pocas mujeres se han dado a conocer al mundo del art, un pequeño ejemplo serían las nombras.


Susana y los viejos - Artemisia Gentileschi (primer trabajo 1610)


Artemisia Gentileschi, la hija de Gentileschi que era un caravagista y hija se quejaba del machismo que había en el seno del mundo del arte desde el punto de vista de la pintura que no se les ha dado ningún tipo de interés.

Ella pintaba porque estaba muy enfadada por que la habían violado y pintar era el resultado para poder descargar toda esa tensión acumulada en su interior y que por eso hacía esas figuras tan fuertes y que en ocasiones pintaba hombres a los que mataba.


BODEGONES IMPRESIONISTAS - Pauline Morisot




Marie Pauline Morisot nació en Bourges el14 de enero de 1841 muriendo den París el 2 de marzo de 1895,  fue una pintora francesa, fundadora y figura clave del movimiento impresionista y en ese s-XIX seguiría la estela de Renoir, Manet, Monet, etc.

PAISAJE

Sobre el paisaje casi no hay nada y son imágenes sin apenas escena apareciendo grutas, bosques, sin ningún tipo de sentido usados simplemente para decoración y vistas sobre todo en el mundo de Flandes.




Paisaje campestre Barroco – del holandés Philip de Koninck (1619-1988)



Paisaje Fluvial Barroco del holandés Philip de Koninck (1619-1988)





 SAN NICOLÁS

Había una gran diferencia entre la contrarreforma del sur y del norte, llegando a límites de toda la sociedad, ella contrarreforma ocurría es que limitaban a quien había que rezar y a quien no, enseñaban que santos podían ser buenos y cuales no y había un santo que tuvo una importancia muy grande en la época de la Edad Media que era San Nicolás de Bari que fue Papa y hablaban de él como un santo de niños porque había ayudado en numerosos milagros a varios niños, ayuda económicamente  a mujeres que iban a acabar en la prostitución para que pudieran pagar su dote, etc. y era el santo de los niños y cada 6 de diciembre este hombre repartía regalos.

Esta historia comenzó en la Edad Media y continuaría hasta el infinito.

San Nicolás de Bari en la época de la contrarreforma de ningunearon, pero los países del Norte como  Flandes siguieron con esa tradición y ellos tenían a San Nicolás como una de las personas que daban regalos, y la contrarreforma dijo que la figura de San Nicolás no valía que ya que sí valía era la del Niño Jesús que sería el que repartiera los regalos y lo hacía acompañado de un ser monstruoso para asustar, para tener ese concepto de dar miedo si se portaban mal los niños no recibirían regalos, pues el concepto de los Reyes Magos aún no había llegado.

En el Norte ese ser monstruoso que acompañaba al niño Jesús que era mitad cabra y mitad demonio, daba latigazos, secuestraba a los niños, era parecido al Krampus una especie de demonio que secuestraba niños y era el anti San Nicolás, todo eso se formó en esa época y en el norte con Santa Claus y en el sur no se aceptó y cuando en el s-XVII – XVIII los holandeses emigraron al norte de América se llevaron la costumbre de Santa Claus que al igual del Halloween son costumbres europeas.


DOS TENDENCIAS ITALIANAS S-XVII



- Ambas parten de su posición manierista
- Ambas buscan lo natural y sencillo
- Búsqueda de la realidad, sin adornos
- Ambas se juntan en Roma


Las dos tendencias que se iban a crear en el s-XVII en Italia.

Por una parte, estaba el clasicismo de los Carracci y por otra parte el tenebrismo de Caravaggio, pero la meta es la misma, era apartarse del manierismo a partir de 1580, se buscaba lo natural y lo sencillo, ambos tanto los Carracci como los Caravaggio buscaban la realidad, pero cada uno la buscaba de una manera distinta.

Para los Carracci la realidad podía estar un poco edulcorada con ciertos elementos que la hacían más simpática, pero para Caravaggio la realidad era la realidad y se plasmaba tal cual, sin ningún tipo de límites.

Eran dos corrientes que se juntarían en Roma en torno a 1592 – 1595 conviviendo ambos, por lo tanto, eran dos tendencias que iban a ser muy importantes.

Los Carracci trabajarían los tres sobre todo en Bolonia, los tres eran familia


LOS CARRACCI

 



Ludovico era mayor y el primo, y el hermano Agostino intermedio y el más importante de los tres sería el hermano Annibale, eran dos hermanos y un primo, y crearon una academia que se conocía primero con la Academia del Natural y después como la Academia de los Encaminados, que se tomaría en el mundo como referencia.

Ellos trabajarían en Bolonia y cada uno tenía una función, mientras que Ludovico era la persona que se encargaba de la dirección y la administración de la Academia, Agostino se encargaba de la parte teórica era el profesor, y el práctico era el artista que era Annibal Carrracci, tanto Ludovico como Agostino eran muy buenos en pintura, pero Annibal dio un paso más.

Agostino pintaba pero era un gran grabador y hacía estampas que le sirvieron para darse a conocer en el extranjero, ellos tuvieron muchos discípulos como su gran discípulo Albani y trabajaron en Bolonia y las fuentes dicen que era una academia muy exigente, hasta el punto que los alumnos comían mientras trabajaban.

CARACTERÍSTICAS

- Herencia de algunos principios del Retrato
- Belleza más idealizada, aunque no por ello no se fijan en la realidad
- Pintura dinámica
- Pintura serena
- Cierto dinamismo, aunque por lo general son pinturas equilibradas.

LOS CARRACCI SENCILLOS

Los Carracci harían una pintura muy sencilla en la que predominaría con características del Renacimiento.


Pinturas con características renacentistas



Predomina la característica renacentistas, idealizado, pintura serena, con dinamismo aunque generalmente eran pinturas bastante equilibradas. Los Carracci eran pintores sencillos, tomarían el dibujo de Rafael, las formas de Miguel Ángel, la perspectiva de Correggio y el color de los venecianos.

Su pintura era una mezcla de todos esos artistas que darían lugar a la pintura de los Carracci.

LA ANUNCIACIÓN –  Ludovico Carracci





Era un tema muy importante en España y que se representaría en muchisimas ocasiones, y por lo tanto también se representaba muchas veces en Italia. Se observa que son formas que se han reproducido con anterioridad, sencillez, profundidad, perspectiva.
Según avanza el tiempo siguen produciendo obras.


LA ANUNCIACIÓN – Agostino Carracci



La asunción de la Virgen - Ludovico Carracci



LA ASUNCIÓN DE LA VIRGEN de Annibale Carracci – Museo Prado



Annibale es el gran pintor y se puede observar ese concepto de realidad, pero divina, ellos partían de la realidad del mundo en que vivían, por eso la imagen en la Asunción de la Virgen esté representada a través de doce apóstoles y se pueda ver como a través de las distintas posiciones, contrapostos, así como giros violentos están intentando mirar ese acontecimiento tan importante como es la Ascensión a los cielos.

Esta es la obra más importante de Annibale, y todas las obras posteriores serán obras frías al ser un teórico.

Ludovico Carracci es un pintor con formas muy repetitivas y el más importante de todos es Annibale que dará dinamismo, color, forma, va a dar Barroco, como se observa en la imagen de la Asunción como lo había hecho su hermano Ludovico pero tratada de una forma mucho más barroca a través de la Virgen en la Nube que voló directamente observando claramente ese movimiento, ese escorzo recuerda claramente a los altares que hacía Tiziano, con todos los Apostóles están alrededor de ese pozo con distintas posturas formando esas grandes obras dinámicas del barroco italiano. Además representó templos griegos con un paisaje nebuloso y azulado recordando en cierta medida a Leonardo, por lo tanto ellos siguen en ese sentido con las características renacentistas.



LA CARNICERIA - Annibal Carracci





Se podía ver a Carracci como un pintor clasicista pero en realidad ellos eran pintores de la realidad, tanto Caravaggio como los Carracci.

La realidad de los Carracci no era una realidad pura era una realidad adornada, sin embargo en momentos muy determinados Annibale Carracci iba a realizar pinturas que llamarían mucho la atención, como puede ser la crudeza o la realidad de una carnicería, con las piezas colgadas, el carnicero trabajando, los famosos soldados mayores sin la potencia de un soldado joven, en ese concepto de burla que se hacía de los personajes de esa época y que como era normal en la época esa pintura no gustó.

Como los pintores eran generalmente personas que tenían que cobrar, los más osados como Borromini o Caravaggio no lo admitían y sus pinturas no tenían éxito, o  la arquitectura no era lo que les pedían, sin embargo, seguían produciendo  pues alguien de vez en cuando les entendían.

En Annibal Carracci no se encontraba una pintura a lo Tiziano con el concepto de escultura clásica tomando como modelo las arquitecturas clásicas o tomando como modelo la figura de Tiziano, Tintoreto, etc. paisajes que son paisaje muy profundos pues iría tomando cada vez más importancia en la pintura de los Carracci porque se desarrollaría totalmente toda la escena.



CRISTO Y LA SAMARITANA – Annibale Carracci – Milán


Es una imagen puramente clásica tomada del mundo romano y griego.


En 1595 Annibal Carracci viajó a Roma dos años después que Caravaggio, y trabajó para los Farnese para Edoardo que era una persona muy importante, trabajo en el Camerino.


En este Camerino hizo la obra de Hércules, de esta obra hubo varias versiones una de ellas sería un freso y otra sería un lienzo.

DETALLE  HÉRCULES - EL CAMERINO – Annibal Carresse – Palacio Farnese






Solo por el nombre ya recuerda al título clásico, Hércules está en el centro queriendo dar una simetría, con una figura básicamente miguelangesca con modificaciones y a ambos lados recuerda muy levemente por ejemplo a la pintura de Botticcelli con sus alegorías Flora, etc. hay muchos guiños a Botticcelli no solo en  la forma sino en los vestidos, y muchas referencias al mundo clásico, las máscaras, recuerda a Miguel Ángel en la musculatura, por lo tanto están muy presentes esos pintores en la pintura de los Carracci, Rafael, Miguel Ángel, Correggio, Tiziano.


TRIUNFO DE BACO Y ARIADNA - Annibal Carresse - Palacio Farnesio


Solo por el nombre ya recuerda al título clásico, Hércules está en el centro queriendo dar una simetría, con una figura básicamente miguelangesca con modificaciones y a ambos lados recuerda muy levemente por ejemplo a la pintura de Botticcelli con sus alegorías Flora, etc. hay muchos guiños a Botticcelli no solo en  la forma sino en los vestidos, y muchas referencias al mundo clásico, las máscaras, recuerda a Miguel Ángel en la musculatura, por lo tanto están muy presentes esos pintores en la pintura de los Carracci, Rafael, Miguel Ángel, Correggio, Tiziano.


TRIUNFO DE BACO Y ARIADNA - Annibal Carresse - Palacio Farnesio



Esta obra sería como la Capilla Sixtina del Barroco haciéndose muchos años después y el concepto era distinto porque esta capilla terminará siendo el comienzo del barroco de ilusión, teatral, de las capillas que se hacen al fresco.

Había dos características, por una parte la cuadratura y por otra parte los cuadros transportados, la cuadratura es a través de la pintura al fresco, a través de las capas de cal con los problemas que también tenía Miguel Ángel crear una capilla que a través de las formas arquitectónicas diera la sensación de que se estaba saliendo de la capilla por una ventana al cielo, por lo tanto se aumenta la perspectiva.

Annibale utilizaría los cuadros transportados que era imitar los lienzos a través del fresco, como si fuera un lienzo con su marco, este modelo lo tomó de Miguel Ángel copiando los músculos, de modo que Miguel Ángel formaba parte de esa obra.

TRIUNFO DE BACO Y ARIADNA - Annibal Carresse - Palacio Farnesio




Baco y Ariadna era la escena más importante, en cualquier escena que aparezca un carro tirado por seres mitológicos grego-romanos, como faunos, etc. se estaba haciendo referencia a una imagen barroca sin duda, porque los grandes cortejos, grandes festividades, grandes entradas triunfales era dinámicas, teatrales, había música, movimiento, daba lugar a hacer escorzos, da lugar a pintar músculos, da lugar a hacer desnudos, que de otra manera era mucho más difícil hacerlos.

En esta noción esta Ariadna, Baco, faunos, referencia a Miguel Ángel y Brunellescci en los cuerpos, Miguel Ángel en la Capilla Sixtina trabajó para crear cuerpos, pero Annibal Carresse trabaja para crear un mensaje de amor que es al fin y al cabo una obra dedicada al amor entra Baco y la alegoría al amor de Ariadna.

Se volvía a pintar los angelitos que no desaparecieron desde la época renacentista, sin embargo los angelitos adoptan movimiento dando dinamismo a la imagen y en ocasiones aparecen de repente como si cayesen del cielo, en el renacimiento eso no ocurría eran apacibles que parecían que estaban quietos y estaban fijos.

El hombre de espaldas sentado a la izquierda es claramente un guiño a Miguel Ángel, por lo tanto muchos décadas después tras la muerte de Miguel Ángel seguía presente por la gran importancia que tuvo Miguel Ángel en su época que a día de hoy es un artista muy importante pero que en el s-XVII también lo era.


HUIDA A EGIPTO – Annibale Carresse



En esta imagen es más importante el paisaje que la escena a la que envuelve, pues ya de por sí la Sagrada Familia es pequeña, podría haber pintados otros personajes, el mensaje es directo, sencillo, barroco,  y lo más importante es el paisaje, jugando con los árboles y la frondosidad del terreno.

Los paisajes barrocos solían ser grandes dominando toda  la escena y en muchas ocasiones eran paisajes salvajes que nada tenían que ver con los jardines que estaban haciendo en esa época, eran jardines con parterre, muy modificados.

Este cuadro se hizo porque había un mensaje de fondo la Sagrada Familia, pues eran muy importante la imagen de María, José y Jesús, pues todos juntos forman un núcleo, pues ese niño sería defendido por la contrarreforma y esa familia sería el modelo, la familia modelo.

En 1630 todo esto estallaría, pues a partir de esa fecha Caravaggio estaba agotado durando unos veinte años más, hasta su muerte en 1610, y al acabarse el caravagismo el clasicismo volvió.

CLASICISTAS

- Il Dominichino
- F. Albani
- G. Reni
- Il Guercino



El clasicismo dominaría la escena, y la pintura italiana estaría.
F. Albani y Domenichino trabajaron con Annibale Carrecce en la Capilla Farnesio en la Alegoría de los amantes, y como en la Capilla Sixtina como no tenía discípulos había pinturas de épocas anteriores, pero en el caso de los Carracci como tenían discípulos les daban trabajos.




Domenico Zampieri, más conocido como Domenichino

Nacido en Bolonia, hijo de un zapatero, fue en sus inicios aprendiz de Denys Calvaert. Pronto le dejaría para trabajar en la Accademia degli Incamminati de los hermanos Carracci.


LA DAMA DEL UNICORNIO - Zamperi - Domenichino - Pl.Farnesio - Roma



Esta pintura es una imagen simpática que está en la Capilla Farnesio, es sencilla, alegre, bonita, con paisaje y sobre todo se observa una dulzura en el rostro, así era la pintura que dominaría la Capilla de los Farnesio. 
A medida que iba pasando el tiempo los artistas iban evolucionando y  Domenichino tiempo después jugaría un poco más con las formas barrocas.


LA CARIDAD DE SANTA CECILIA -  Domenico Zampieri -Roma



La caridad es una obra que juega con el espectador con la perspectiva, la ruptura de planos, se observa como el muro rompe el plano.

El primer plano las personas están cada una con un gesto distinto, con una manera y una posición distinta para dar dinamismo.


Esto sería como se iba evolucionando e imponiendo el clasicismo.


Francesco Albani, llamado El Albano,  nació en Bolonia, 17 de agosto de 1578, y murió el 4 de octubre de 1660, fue un pintor italiano del clasicismo romano-boloñés. Discípulo de Agostino Carracci, instaló su taller en Bolonia, siendo difícil determinar con precisión qué cuadros de los que llevan su firma son suyos o de sus discípulos.


LA SAGRADA FAMILIA - Francesco Albani





Albani era muy simpático y hacia las cosas muy sencillas, era ese artista de la contrarrefomra, su Sagrada Familia era simpática, con angelitos, se observa la representación de San José, la Virgen, el Niño y Juanito. Estas imágenes tienen poca explicación, solo estaban hechas para ver y disfrutar.



Guido Reni nació en Bolonia el  4 de noviembre de 1575  y murió en  Bolonia el 18 de agosto de 1642, fue un pintor italiano perteneciente a la Escuela Boloñesa y famoso del clasicismo romano-boloñés.

Guido Reni, Crucifixión de San Pedro


Reni sería un artista que tuvo un encontronazo porque daba paso al caravagismo, y era un artista clásico en el cuerpo, en el músculo, en el triángulo, sin embargo la luz tenía un componente que no tenían otros artistas de esa época.


LA AURORA – Guido Reni


Reni fue un gran trabajador en el mundo del fresco haciendo ese tipo de Auroras ubicado Palazzo Pallavicini-Rospigliosi.


Atalanta e Hipómenes - Guido Reni



Esta obra de Reni está en el Museo del Prado es una mezcla entre clasicismo y caravagismo daría obras con universos muy personales, en este caso el universo de Reni.



Giovan (Giovanni) Francesco Barbieri nació en Cento el  8 de febrero de 1591 y murió en Bolonia el  9 de diciembre de 1666, más conocido con el apodo Guercino o Il Guercino, fue un pintor barroco italiano. Es un representante del periodo de transición del clasicismo romano-boloñés al barroco pleno. Padecía estrabismo, de ahí su sobrenombre (guercino es el diminutivo de guercio, bizco en italiano).


EL BAÑO DE DIANA – GIOVANNI BARBIERI 


Los cuerpos femeninos recuerdan a las tres Gracias de Rubens porque en esos momentos ya estaba produciendo y Barbieri como diplomático de Isabel Clara Eugenia de Austria y tuvo que visitar  diferentes lugares de Europa entre ellos España y le gustaron las imágenes de esas mujeres tan características fe Rubens y el paisaje es claramente de los Carracci.


LA AURORA DE BARBIERI



En esta noción de la Aurora se observa ese concepto de capilla que se abre jugando un papel importante la perspectiva y la óptica llenado a un momento muy importante, dándola sensación de que no hay techo, todo esto comenzó con Miguel Ángel lo fueron adaptando los Carracci.

NATURALISMO TENEBRISMO


1. Búsqueda de lo Cotidiano y Real


Era un mensaje muy sencillo con una imagen muy clara que las características se ven claramente, al ver una obra tenebrista se ve claramente que está tomado de la realidad, además de ser conocida como pintura tenebrista, se la conoce como pintura de la realidad, pero cada pintor tenía realidad distinta, cada uno la suya, y el caravagismo no iba a ir más allá de Caravaggio, pues era él con su vida y sus circunstancias, Velázquez era él con su vida y sus circunstancias y Ribera era él con vida y sus circunstancias.


Por lo tanto cada caravagista era distinto, pero para fue Caravaggio quien lo inició, también hubo otros muchos artistas que jugaron con la luz, si embargo el padre del tenebrismo fue Caravaggio.



Michelangelo Merisi da Caravaggio en Milán el 29 de septiembre de 1571, murió en Porto Ércole el 18 de julio de 1610, fue un pintor italiano activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia entre 1593 y 1610.

2-  LA LUZ Y LA SOMBRA LAS GRANDES PROTAGONISTAS

La luz y la sombra fueron las grandes protagonistas


SANTO ENTIERRO – Caravaggio


La luz y la sombra y la realidad eran las protagonistas, para los Carracci,  la realidad no era el fin de la obra, porque lo adornaban, pero para Caravaggio la realidad era el fin, es decir,  interpretar la realidad era el fin de la obra y esa era la diferencia entre uno y otro.


3.MOVIMIENTO, DESEQUILIBRIO, RUPTURA DE LAS FORMAS SERENAS


La luz, la sombra, el impacto, y el lienzo iban acompañados de movimiento, equilibrio que eran elementos que no gustaban nada en esa época.

Caracaggio era una persona que no tenía nada de clásico, era el anti clasicismo, y por lo tanto fue denostado por muchísimas otros artistas y otros comitentes.

Se llamaba Michelangelo Merisi pero universalmente conocido como Caravaggio por haber nacido en una villa con ese nombre y eran los apodos que se solían poner, sin embargo, las últimas tendencias historiográficas dicen que nació en Milán.


MILÁN



Tuvo una formación dura básicamente en pintura por su profesor manierista, pero tuvo que rehacerse a sí mismo, y cuando un pintor quería ser famoso tenía que ir a Roma.

Una vez en el Vaticano entró en contacto con el caballero Arpino que era un noblecillo venido a menos, un pintor de obras muy pequeñas,  y cuando Caravaggio comenzó era muy difícil que llegase rápidamente al éxito sino tenía una persona a su lado que le ayudara con contactos, y al ir acompañado del Caballero Arpino que sobre todo era pintor de bodegones que una vez ahí se encasilló y solo podían vender para decorar casas de nobles pero no de los que ellos querían, entonces Caravaggio decidió trabajr de una manera diferente e pintó grandes bodegones.


BODEGÓN - CESTA DE FRUTA - Caravaggio


Tuvo una formación dura básicamente en pintura por su profesor manierista, pero tuvo que rehacerse a sí mismo, y cuando un pintor quería ser famoso tenía que ir a Roma.

Una vez en el Vaticano entró en contacto con el caballero Arpino que era un noblecillo venido a menos, un pintor de obras muy pequeñas,  y cuando Caravaggio comenzó era muy difícil que llegase rápidamente al éxito sino tenía una persona a su lado que le ayudara con contactos, y al ir acompañado del Caballero Arpino que sobre todo era pintor de bodegones que una vez ahí se encasilló y solo podían vender para decorar casas de nobles pero no de los que ellos querían, entonces Caravaggio decidió trabajr de una manera diferente e pintó grandes bodegones.


BODEGÓN - CESTA DE FRUTA - Caravaggio


Mientras tanto fue investigando en el cuerpo humano y pintó la Huida a Egipto, que no tenía nada que ver con la de los Carracci, que más o menos eran de la misma época.

Se puede observar como parte del manierismo porque hay una inestabilidad, el ángel está en medio de la escena interrumpiendo claramente la imagen de San José, de la Virgen, del Niño que es excesivamente grande y la imagen es muy monumental, por lo que Caravaggio parte de los conceptos manieristas.


DRAMÁTICO
Tenebrismo y realidad se unen para crear un nicho no ocupado.

Poco a poco fue dando lugar a una pintura que tendería al dramatismo que mezclando el mundo del tenebrismo y la realidad se dio cuenta de que podía hacerse un hueco que no estaba ocupado en Italia por nadie.

Caravaggio pensaba en la figura humana como protagonista de su pinturas, más allá de los bodegones que seguía haciendo pues era lo que le daba para vivir.



Baco adolescente – Caravaggio



Este tipo de pintura que conocía como specchio, al espejo, era una pintura reflejando al ser humano y las representaciones de Baco.

El Baco joven es mucho más clásica, más elegante, sencilla, sin embargo, al observar el bodegón se ve ese gran bodegón a lo Caravaggio.


BACO ENFERMO – Caravaggio – Galería Borghese – Roma



El Baco enfermo está malo y por lo tanto, está pálido, dicen las fuentes que era él y que era su auto retrato en un momento en que estaba enfermo.

Eso era lo importante para Caravaggio, la realidad, en el momento que ocurría algo lo reflejaba rápidamente, y si estaba enfermo, lo reflejaba, y eso era muy importante.

En ese caso representó a un Baco en el que su brazo recuerda a Miguel Ángel, no tan musculoso pero si la forma lo recuerda, y  un fondo totalmente neutro en el que espectador solo se fijaría en la figura que era la que tenía el foco de la luz.

Caravaggio comenzaba a manejar la luz a su voluntad para dirigir a la zona que él quería la atención, por lo tanto, lo importante no es ver toda la pintura sino lo que él quería mostrar.

CARDENAL DEL MONTE – Caravaggio



Caravaggio tuvo muy mala suerte en su vida y era muy caótica, pero tuvo un golpe de suerte y entró a formar parte del grupo selecto del Cardenal del Monte que era una persona que estaba dentro de la élite Papal y le cogió como artista de cabecera, pidiéndole algunas obras y entre las obras que le pidió le encargo la gran medusa.


CABEZA DE MEDUSA  - Caravaggio – Uffizi - Florencia 1446


En eta obra Caravaggio rompió el panorama artístico, pues fue ahí cuando realmente creó una pintura que llamaba la atención y que le gustó mucho al Cardenal del Monte.

Medusa tenía la boca abierta, sangre, retorcimiento de las serpientes, recordando a la intensidad del Laoconte, pero hecha en pintura y en mundo tenebrista, esto les gustó mucho a unos comitentes muy selectos, pero no a todo el mundo que le tacharían de hereje.


SAN JUAN BAUTISTA -Caravaggio



Esa noción estaba totalmente fuera de la realidad, pues no tenía sentido hacer eso, era raro sobre todo porque lo retuerce y lo une a la imagen de un pícaro, y con él nace el concepto de personaje de la calle sin dinero.

DETALLE CARA ROSTRO SAN JUAN – Caracaggio




Hasta ese momento la oscuridad de la calle, de la sociedad no había sido retratada, solo se pintaba lo bonito, pero a partir de ese momento los picaros formarían parte de la representación de la pintura, no solo Caravaggio sino también Velázquez con los bufones.


CAPILLA CANTARELLI – Caravaggio - 1600/02


Como Caravaggio iba adquiriendo nombre le encargaron que hiciese un trabajo para la capilla Cantarelli en San Luis de los franceses en Roma.

El encargo fue un conjunto en el que el protagonista fuese San Mateo, pero como a Caravaggio le gustaba provocar realizó varias obras, por una parte a la izquierda hizo La Vocación de San Mateo, una de sus grandes obras, El Martirio a la derecha y finalmente en el centro a La Inspiración de San Mateo y en Ángel.


LA INSPIRACIÓN DE SAN MATEO – Caravaggio



Cuando hizo a San Mateo y el Ángel lo hizo totalmente distinto a como se ve en la noción, lo hizo sentado, con las piernas cruzadas y la planta del pie totalmente sucia y le daba al cura cuando estaba dando misa en la cabeza, y le dijeron que como era decoroso lo arreglara y lo cambió, pintando esa imagen más decorosa.


LA VOCACIÓN DE SAN MATEO – Caravaggio


Es el momento en que Jesús y San Pedro señalan a San Mateo para que se una a los Apóstoles, y Caravaggio representa la acción en una bodega y apostando en el juego porque Caravaggio era una persona que le gustaba mucho los juegos de naipes y apuestas, y por esa razón tenía muchos problemas, peleas llegando a matar incluso a una persona en una de esas peleas y tuvo que huir de Roma a Nápoles.



Caravaggio representaba sus escenas en ambientes que conocía, se puede observar la luz que pasa como única referencia del exterior incide directamente a Mateo, y el con el dedo se señala como preguntando si se dirigían a él, un mensaje de comunicación entre todos.
Encontrando ese nuevo estatus que adquirirá San Mateo y además reflejando como era San Mateo anteriormente, un hombre jugador y con interés por el dinero, y Jesús le ha salvado dándole una nueva vida.

Esa escena que tuvo su desarrollo muchos siglos antes se representaba como si fuera de su época en el s-XVII con vestidos del momento, como ya lo habían hecho anteriormente los renacentistas.


MARTIRIO DE SAN MATEO – Caravaggio


San Mateo sufrió martirio y su martirio también lo reflejó, en la noción se ve al verdugo en un momento en el que fue a coger a San Mateo en un momento totalmente violento en el que nadie se había atrevido a pintar un martirio de esa manera  y además parece que San Mateo se va a caer al vacío, usando un juego de perspectiva, de profundidad, no desaparecieron las referencias a Miguel Ángel sobre todo en los cuerpos, que representan los músculos, pero con el sello de Caravaggio pues la luz iba donde él quería, que era al verdugo ya San Mateo, no podía haber ningún tipo de confusión de que eso se trataba del Martirio de San Mateo y que esa escena era violenta.


INSPIRACIÓN DE SAN MATEO – Caravaggio





Ese tipo de ángel que cae del cielo de repente a la pintura son propios de Caravaggio.

27 DE NOVIEMBRE 2018


CONTINUACIÓN CARAVAGGIO ........... 

Iglesia de Santa María del Populo



CAPILLA CESARI-  interior de Santa María del Populo 


Esta iglesia no es una de las gemelas de la plaza del Pppulo, Santa María está al otro lado.

La capilla lleva el nombre de Monseñor Tiberio Cerasi, abogado consistorial y tesorero general del Papa Clemente VIII. A principios del siglo XVII Cerasi encargó a Carracci y Caravaggio un retablo dedicado a la Asunción de la Virgen María y dos cuadros sobre la Conversión de San Pablo en su camino a Damasco y la Crucifixión de Pedro (estos últimos para cubrir las paredes laterales de la capilla).


ASUNCIÓN DE LA VIRGEN AL CIELO – CAPILLA CESARI  - Anibal Carracci




SAN PEDRO Y SAN PABLO – Caravaggio


En las nociones están San Pedro y San Pablo como los dos Santos más importantes de la Iglesia.

La crucifixión boca debajo de San Pedro.

La conversión de San Pablo con una iluminación marcando el momento en que San Pablo de convierte y se cae del caballo y se convierte.


Estas dos pinturas tienen su interpretación bíblica, pero lo importante en la representación de San Pedro, era que San Pedro quiso ser crucificado de una manera muy diferente a su Señor con la cabeza para abajo, pues decía que no era digno de ser crucificado de la misma manera que el Maestro y esa era la interpretación de Caravaggio.



Caravaggio hizo una interpretación totalmente diferente que se había hecho hasta ese momento, Miguel Ángel tenía alguna escena de la cruz de San Pedro, pero bastante más clásico.

Caravaggio captó el momento preciso en que estaban clavando en la cruz a San Pedro por los verdugos con ese momento de tensión que se observa en los rostros y en las cuerdas, así como en los clavos en los pies y manos y el dolor que representa.

Es una imagen totalmente anti clásica, y ese anti clasicismo lo contrasta con el famoso triángulo clasicista de Leonardo y Miguel Ángel que indicaba que Caravaggio era una persona que seguía las reglas clásicas cuando quería.


DETALLES DE LA OBRA




Los detalles son lo más importante. Los brazos y las manos fuertes típicos de Miguel Ángel.


Los pies sucios que pintaba Caravaggio.



Detalle de los momentos que marcan el dolor, el agarrotamiento de los músculos en un momento tan trágico.

Hasta ese momento se había representado siempre a San Pedro como una persona joven y a partir de ese momento Caravaggio lo representaría como una persona mayor y de la calle que se podría encontrar paseando por Roma, y también quitaría todo el concepto clásico y de músculos ya que no aparecen y son músculos y piel reales.

Caravaggio había sido denostado totalmente y olvidado de todo el sector clásico, dándole los trabajos Carracci.


MUERTE DE MARÍA – Caravaggio – Museo del Louvre


La escena de la muerte de la Virgen fue muy extraña para la época porque se representó a una mujer que había muerto en el río Tiber y se supone que era una prostituta, y Caravaggio que tenía siempre ese tipo de ideas decidió retratara esa mujer muerta, pero cuando se dieron cuenta que esa representación pertenecía a esa meretriz, pues se montó un gran escándalo en Roma.


DETALLE OBRA



Es bastante curioso como el vientre está abultado e hinchado y en el propio museo se puede observar el color de la cara, los rasgos, siendo una anti-virgen, jamás se había representado a la Virgen María así, Caravaggio siempre creaba polémica.

La Virgen está  rodeada por distintos retratados conocidos de la sociedad, como hizo en la representación de los Apóstoles o de cualquier santo, siempre tomaba como modelo a las personas de la calle y eran reconocibles porque el no pintaba nada ideado, por lo que de nuevo se armó otro revuelo, al verse retratadas personas que se conocían, que sabían dónde vivían, a que se dedicaban, etc.

La muerta que apareció en el Tiber era conocida y además era prostituta entrando en la doble moral que tenían esas personas de la sociedad.

El hábito de María es  la única noción habla de María, Caravaggio siempre evitaba poner alusiones al mundo de la religión porque era consciente de que sus pinturas daban siempre mucha controversia.

Sus comitentes eran personas que estaban seguras de que ese cuadro no les iba a ocasionar problemas, porque por lo general ese tipo de cuadros estaban dentro de las colecciones privadas y pocas personas tenían acceso a ellas.

Caravaggio tenía un problema es que hablaba demasiado, bebía demasiado, tenía demasiados problemas sociales, no se integraba con sus pinturas pues le daban de lado y no entró a formar parte de ningún tipo de circulo y se rodeaba de las personas de su clase que lo aceptaban que solían ser personas de la sociedad oscura, como los jugadores, apostadores, prostitutas, picaros, etc. que era un mundo muy cerrado en Roma.
Dentro de ese mundo Caracaggio en una pelea mató a una persona y tuvo que huir porque le persiguieron llegando a Nápoles y allí hizo una de las pinturas más importantes llamada la siete obras de la Misericordia.

Las siete obras de la Misericordia – Caravaggio Iglesia Pio de Misericordia – Nápoles 1607.




En esta obra representó al Caravaggio más puro con un contraste de luce y sombras y además en los efectos dramáticos de la caída de los ángeles, algo característico suyo eran esos ángeles que caen del cielo e irrumpen en la escena básicamente sin ningún tipo de explicación, se aprecian distintas actitudes, distintas posiciones, distintos contrapostos que invaden directamente el espacio del espectador, siendo una de las obras culmen del propio Caravaggio. El fondo neutro y en este caso la luz aparece de una antorcha que iluminaba lo que Caravaggio quería que se viese.

En 1607 las referencias a Miguel Ángel siguen siendo clave en la obra de Caravaggio siendo un pintor anti clásico, pero que toma como referencia a uno de los grandes clásicos y al ser un manierista tampoco era un gran clásico.


DEGOLLACIÓN DE SAN JUAN BAUTISTA – Caravaggio - La Valeta 1608


Para algunos expertos esta obra es una de las más importantes de Caravaggio, sin lugar a dudas, Caravaggio estuvo en Malta, después de Nápoles por otra trifulca, se puede observar que la figura de Caravaggio era muy controvertida desde el punto de vista profesional y desde el punto de vista personal.

La pintura de San Juan Bautista es una pintura de gran tamaño en la que hay cuatro personajes que no dicen nada, con un gran vacío en un fondo neutro, con un observador de la escena que proporciona enigma, misterio, haciendo que esta sea la ora más misteriosa de Caravaggio, con un momento totalmente clásico por la representación de la sangre formando parte de esas obras que repetirían los caravaggistas fuera de Italia de España y Europa.
Esta es una obra muy difícil, con una temática muy dramática.


Caravaggio quiso volver a Roma pidiendo permiso al Papa para que le permitiera su regreso, pues sin el permiso papal no podía volver y que le perdonara el delito que había cometido, una vez concedido antes de volver pasó por Sicilia, Nápoles y otros lugares, pero nunca volvió Roma ya que murió, pero antes de su muerto hizo otra gran obra David Goliat.

DAVID Y GOLIAT – Caravaggio – Galería Borghese - Roma 1610



Es una de sus últimas pinturas casi premonitoria pues la representación de Goliat es su auto retrato, lo hizo de una manera muy dramática recordando la boca de la representación de la Medusa que había hecho a principios de su trayectoria artística.

En la representación fondo es nada, está vacío, fondo totalmente oscuro y la luz irradia directamente sobre David y al su rostro con sangre que caía con muchísima fuerza y un gran dramatismo.

Este David no tiene nada que ver con el de Miguel Ángel ni el de Bernini, pues es un David débil, un modelo tomado de la calle como solía hacer, por lo tanto, la pintura de Caracaggio se asocia a la pintura de la masa, de la gente, pues el no formaba parte del grupo de los artistas contrarreformistas, aunque su pintura entrasen dentro de los valores que se daban en el Concilio de Trento y la Contrarreforma, pero esa pintura era tan dramática y tan fea que en su época no estaba nada valorada al no ser atractiva, por ejemplo porque la modelo de la Virgen fuera representada por una prostituta y no era decoroso ver un San Mateo con los pies totalmente sucios, un San Pedro casi humano de una forma tan veraz y real como lo representaba no era decoroso.


SUPUESTOS HUESOS DE CARAVAGGIO



Yendo hacia Roma murió en el camino, pero no se sabe la razón, ni su enfermedad, a día de hoy no se han encontrado sus restos aunque se encontró una fosa con huesos humanos que pensaron que podían ser de Caravaggio porque se encontraron pigmentos de pintura en los huesos, pero no era seguro.

Caravaggio forma parte de ese grupo de artistas que han estado denostados a lo largo de la Historia ya que en su época pasaron desapercibidos y tuvieron pocos comitentes, pero que con el paso del tiempo sobre todo en el s-XIX y en el siglo de todos esos artistas como los impresionistas, pos impresionistas Cézanne, Picasso, etc. a todos esos artistas que no hacían pintura comercial en su momento les encantaba, y rescataron ese mundo marginado apareció Caravaggio en el s-XX, así como Velázquez, Zurbarán que también había sido olvidado, no habían olvidado a Murillo por ser un pintor comercial.

CARAVAGGISTAS

Cuando Caravaggio desapareció durante algunos años, tuvo seguidores que no eran tan puros como él y tendían al color, a aclaraban las luces y las sombras, y no eran tan brutales, fuertes ni dramáticos.

- O. Getileschi
- C. Saraceni
- O. Borgianni
- P. da Cartona
- G. Lanfranco

- A. Pozzo




Orazio Lomi de Gentileschi nació en Pisa 1563 y murió en Londres 1639, padre de Artemisa Gentileschi . A partir de 1633 después de la muerte de Caravaggio en 1610 fue olvidado y los que había empezado como caravaggistas fueron evolucionando.


SANTA CECILIA –Gentileschi



Llama la atención el ángel y sobre todo el hombre que aparece por una puerta de repente, esto puede recordar a la Meninas de ese aposentador que había llevado a la infanta Margarita, son guiños a la sorpresa, y representación de pintura oscura.


MOISÉS RESCATADO DE LAS AGUAS – Gentileschi -  Museo del Prado 




Esta pintura está en el Museo del Prado y en la representación se observa ya a Orazio Gentileschi  como un pintor clasicista, barroco, como se observa en los trajes, las telas, las mujeres que recuerdan a Rubens personas monumentales que formaban parte de una escena dominada por el ser humano y detrás un paisaje inmenso. En esta obra se observa la evolución de Gentileschi .


CARLO SARACENI

Carlo Saraceni  nació en Venecia en 1570, se trasladó a Roma en 1598, uniéndose a la Accademia di san Luca en 1607.


SANTA CECILIA Y EL ÁNGEL (1610) – Saraceni 



Las pinturas caravaggistas dieron paso a  pinturas mucho más delicadas y más amables jugando con el concepto de la luz y la sombra, pero es una luz y una sombra mucho más tenue no tan fuerte como el Goliat de Caravaggio o San Pedro.


Orazio Borgianni


Orazio Borgianni nació en Roma hacia 1575 muriendo aprox. 1616
Muchas de las pinturas de estos pintores llegaron a España, y en algunos casos como Borgianni viajó a España.


David y Goliat -  Orazio Borgianni


Se observa que lo que tiene de caravaggesto era el concepto del drama en la escena de la tensión, y David ya era una representación de un pícaro un poco más delicado, pero Goliat si recuerda a la cabeza de Caravaggio pero sobre todo lo que quería indicar era que Goliat era muy grande y David muy pequeño, básicamente era lo que quería manifestar era la fuerza del barroco y la escenografía.


Pietro Da Cortona



Pietro da Cortona, cuyo auténtico nombre era Pietro Berettini, nació en 1596 y murió en 1669 fue un pintor y arquitecto.

TRIUNFO DE LA DIVINA PROVIDENCIA – Pietro Da Cortona  – Pl. Bareberini





Evolución de pintura de bóvedas y cúpulas lo que se conoce con el nombre de PINTURA DECORATIVA, es una pintura al fresco con efecto teatral en el que evoluciona la Pintura del Palacio Farnesio.

Esta obra significaba el triunfo de los Barberini en su propio  palacio, esta obra es paralela de la misma época al Baldaquino de Bernini, por lo tanto sería la escultura que mostraba el poder de los Barberini en el Vaticano y esta pintura sería la demostración de poder de los Barberini's en su propio palacio.

Pietro da Cortona, pintó algunas abejitas como símbolo de los Barberini, eta representación puramente teatral, es un artificio,  la representación de las grisallas es sublime, efectos de los escorzos, y movimientos violentos.

A da Cortona lo llamó Felipe IV para que fuera a España y no quiso, y se quedó en Roma.
Esta obra es el máximo esplendor del tipo de pintura que empezó Miguel Ángel, continuando los Carracci, culminado con este tipo de pintor. Tiene cuadratura y es el principio del sfondati que es la representación del concepto de niebla y de perfiles que están borrosos, dando la sensación de que las imagines gravitan y vuelan en el aire.



Giovanni di Stefano Lanfranco




Giovanni di Stefano Lanfranco nació en 26 de enero de 1582  y murió 30 de noviembre de 1647.


Cúpula de San Andrea della Valle – Lanfranco



Detalle Cúpula de San Andrea della Valle – Lanfranco




En este fresco las figuras se funden directamente con la atmósfera y con la estructura, en esta noción es un circulo centrifugando haciendo que estén en continuo movimiento las figuras pareciendo que se las tragaría el óculo y si el observador se pone debajo también seria engullido, ese concepto de pintura decorativa del barroco. Este efecto remolino lo darían otros pintores.

Esta obra se encuentra en Nápoles, pero se dio en Roma y en toda Italia, en España las cúpulas son sencillas, con nervadura y en ocasiones con alguna pintura, pero en Italia las cúpulas tenían ese tipo de decoración.

Son decoraciones de gran sentido escenográfico con muchas figuras, grandes contrapostos, formas violentas, que absorben al espectador formando parte de la escena, siempre está el concepto de centrifugado absorbiendo el óculo de la cúpula.


ANDREA POZZO


Andrea Pozzo, Andreas Puteus  llamado el padre Pozzo, nació en Trento el 30 de noviembre de 1642 y murió en  Viena el 31 de agosto de 1709, fue un jesuita pintor, arquitecto, diseñador de escenarios y teórico del arte barroco.

El momento de mayor esplendor fue en 1685 con A. Pozzo uno de los grandes pintores de Ilusión, pintura al fresco de decoración.

LA GLORIA DE LOS BIENAVENTURADOS – Pozzo

Iglesia de San Ignacio - Roma



Se observa que ya se domina la perspectiva, la profundidad, la representación, los edificios son verticales e infinitos observándose el cielo.



Detalle de la cúpula de la Iglesia de San. Ignacio




Es un edificio a cielo abierto que es el efecto de ilusión que quiere transmitir Pozzo.
Hay otros muchos pintores y en España como por ejemplo Lucas Jordán y Tiepolo  que trabajaría en las bóvedas del Palacio Real siguiendo ese tipo de pinturas que estarían en Roma, Nápoles, etc.